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Festival di Venezia

Cose dell’Altro Mondo, la recensione

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Mettiamo una bella, civile e laboriosa città del Nord Est, della quale oltretutto non è stato fatto volontariamente il nome. Mettiamo che questa città abbia una percentuale alta di lavoratori immigrati, tutti in regola e ben inseriti, come in fondo è la maggioranza dei lavoratori extra-comunitari al Nord Italia, per quanto lo si voglia negare. E mettiamo, per esempio, che un buontempone d’industriale, Golfetto (Diego Abatantuomo), proprietario di diverse fabbriche e di una rete televisiva della quale si occupa direttamente (ogni riferimento è puramente casuale) si diverta a mettere quotidianamente in scena un teatrino razzista: invettive, giochi di parole, battute sarcastiche ma dirette, tutte, ma proprio tutte, così politicamente scorrette ed eccessive da risultare esilaranti per quanto grottesche. “Prendete i cammelli e tornate a casa”, minaccia con toni apocalittici Abatantuomo. Mettiamo che un giorno il teatrino si faccia realtà, che gli immigrati, invitati a sloggiare, tolgano il disturbo. Per sempre. Non è solo satira o riproduzione iperbolica della realtà, c’è una provocazione di fondo: che cosa accadrebbe se un giorno gli extracomunitari sparissero dall’Italia?

Nel film Cose dell’Altro Mondo, presentato alla 68esima Mostra del Cinema di Venezia nella Sezione Controcampo Italiano, il regista Francesco Patierno fa accadere esattamente questo ed i protagonisti si ritrovano in una situazione a dir poco surreale.  Il concetto del film riprende la storia narrata nel lungometraggio del messicano Sergio Arau “A Day Without a Mexican” del 2004 e si rifà anche a fatti di cronaca realmente accaduti in Italia qualche anno fa, in cui gli extra-comunitari scioperarono all’unisono proprio per contestare le pessime condizioni di lavoro nel quale si trovavano a lavorare. Ma cosa accadrebbe se si verificasse su larga scala una cosa del genere? I tre protagonisti del film ci dimostrano come il risultato di una bizzarria del genere potrebbe mettere in crisi un’intera città. L’imprenditore nordico (Abatantuomo), che faceva andare avanti le proprie fabbriche praticamente solo con lavoratori immigrati si ritrova con la produzione bloccata e i pochi operai italiani rimasti, oberati di lavoro. Il cinico poliziotto romano, Ariele (Valerio Mastandrea) si vede costretto a soccorrere l’anziana madre, affidata alle cure di una badante straniera, scomparsa anche lei, nell’intento di non lasciarla abbandonata a sè stessa. Ed infine la giovane maestra elementare, Laura (Valentina Lodovini), ed apparentemente di mente aperta in quanto incinta di un ragazzo di colore, si dispera (neanche più di tanto in fondo) nel vedersi scomparire misteriosamente il compagno insieme a tutti gli altri immigrati (prontamente rimpiazzato da Ariele). Quello descritto è un mondo che ha completamente perduto il buon senso e si ritrova in bilico in una situazione assolutamente incomprensibile.

Ce lo ricorda anche Simone Cristicchi, compositore della colonna sonora ufficiale, che specialmente nel brano portante, Cose dell’altro Mondo, inserito al momento dei titoli di coda recita: “Gli immigrati sbarcano mentre i bambini abbattono la moschea, Gesù cristo è immobile, sembra impassibile sulla croce con il marchio Ikea”. La denuncia è tutta verso l’indifferenza della società a fatti gravi come il disprezzo e il razzismo.

È la prima volta che un film italiano affronta le tematiche dell’immigrazione e del razzismo seguendo la linea della comicità, col tentativo di smuovere qualcosa nelle coscienze degli italiani, oramai intorpidite a causa della sola ed unica campana televisiva che recita la stessa cantilena ogni giorno. E che fosse la prima volta si è visto dalla reazione dei leghisti veneti, addirittura offesi, a detta loro, dal modo in cui il film ha trattato l’argomento, arrivando addirittura a fatti quali il sindaco di Treviso, Gian Paolo Gobbo della Lega Nord che ha negato i permessi per girare nella “sua” città il film o la dilagante polemica che impazza sul web, con i molti insulti verso regista e attori, arma a doppio taglio però perché il film, in sala dal 3 settembre, sta registrando un buon successo proprio grazie alla risonanza mediatica che ha ottenuto.

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1 Comment

1 Comment

  1. marco

    7 Settembre 2011 at 19:26

    Il film è scandaloso non perché ironizza sul razzismo in Veneto, ma perché lo fa con un intento che ricalca un vecchio stereotipo Veneto=stupido, italiano=intelligente.
    I personaggi cattivi nella storia parlano tutti veneto, mentre quelli buoni parlano italiano con un accento romano, non avete notato questa differenza? bene… è un messaggio, è questa la vergogna.
    Nel film c’è razzismo verso la cultura e lingua veneta, noi non siamo stupidi e cattivi e i romani non sono buoni e civili.
    La vergogna in Italia è che nelle fiction e nei film alcune regioni sono più raccontate di altre: siamo ben abituati a vedere in tutte le sfaccettature il romano, il napoletano, il milanese o il simpatico toscano… mentre per altre regioni ci sono parti minime e diffamatorie (come il Veneto appunto e poi ad esempio il sardo=pastore di pecore). Questa azione diffamatoria io non la condivido, il Veneto non può essere sempre così rappresentato, è ora di finirla con la casalinga di Voghera, la servetta penosa che va a Roma in cerca di lavoro. Non si vede mai che ci sia un buon veneto colto, e/o che lavora e ha gran cuore, cosa molto più vera. Nelle fiction avete mai visto un giudice veneto? o un carabinere veneto? o un prete eroico veneto? no! loro nascono a quanto pare solo nelle regioni “virtuose”.
    E poi questo film falsa la realtà, non siamo tutti leghisti in Veneto, gli immigrati si sono integrati meglio che al sud dove sono sfruttati nelle piantagioni di pomodori e arance e dove sono avvenuti anche fatti di sangue, cosa che da noi non è ancora successa. E poi siamo quelli che quando ci sono casini andiamo ad aiutare: gli alpini sono intervenuti molte volte proprio nelle fantomatiche regioni “virtuose” che raccontano nei film.
    Poi fa sempre notizia quando un sindaco leghista fa qualcosa di razzista ma il divieto del Kebab è stato fatto anche a Lucca e non si è scandalizzato nessuno. Poi il dialetto e cultura da insegnare a scuola: è stata approvata la legge per la sicilia, ora è nel loro programma e tutto è bene… mentre in Veneto pare sia una “bestemmia leghista”. Andate a vedere se dico bugie. Come mai due pesi e due misure? I razzisti non siamo noi.
    Io sono Veneto e non sono leghista, sono solo un indignato cittadino italiano che si rende conto di queste disparità di trattamento.

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Cinema

Venezia 79 | Un commento ai premi assegnati dalla giuria presieduta da Julianne Moore

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Non c’è dubbio che la 79esima edizione della Mostra internazionale d’arte cinematografica sia stata la consacrazione di un festival sempre più mainstream e forse anche più quieto, prevedibile, ma non per questo meno godibile. In un concorso dalla qualità media abbastanza elevata, metà dei film parlava inglese (10 su 23, addirittura due di questi italiani: Monica e Bones And All). Ed era quindi facile immaginare un palmarès principalmente anglofono, ma forse non fino a questo punto. Sei premi sugli otto totali sono stati assegnati a film in lingua inglese, con attori e nomi molto noti.

La giuria di Venezia 79 ha premiato Laura Poitras, già premio Oscar per Citizenfour, per il suo All the Beauty and the Bloodshed, che era anche l’unico documentario in gara. Per la seconda volta consecutiva, quindi, il premio più ambito è andato ad una regista, dopo la folgorante vittoria di Audrey Diwan (quest’anno in giuria) nel 2021.

Venezia 79 | tutti i premi di questa esizione

La Giuria di Venezia 79, presieduta da Julianne Moore e composta da Mariano CohnLeonardo Di CostanzoAudrey DiwanLeila HatamiKazuo Ishiguro e Rodrigo Sorogoyen, dopo aver visionato i 23 film in competizione ha deciso di assegnare i seguenti premi:

LEONE D’ORO per il miglior film a:
ALL THE BEAUTY AND THE BLOODSHED
di Laura Poitras (USA)

LEONE D’ARGENTO – GRAN PREMIO DELLA GIURIA a:
SAINT OMER
di Alice Diop (Francia)

LEONE D’ARGENTO – PREMIO PER LA MIGLIORE REGIA a:
Luca Guadagnino
per il film BONES AND ALL (USA, Italia)

COPPA VOLPI
per la migliore interpretazione femminile a:
Cate Blanchett
nel film TÁR di Todd Field (USA)

COPPA VOLPI
per la migliore interpretazione maschile a:
Colin Farrell
nel film THE BANSHEES OF INISHERIN di Martin McDonagh (Irlanda, Regno Unito, USA)

PREMIO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA a:
Martin McDonagh
per il film THE BANSHEES OF INISHERIN di Martin McDonagh (Irlanda, Regno Unito, USA)

PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA a:
KHERS NIST (NO BEARS)
di Jafar Panahi (Iran)

PREMIO MARCELLO MASTROIANNI
a un giovane attore o attrice emergente a:
Taylor Russell
nel film BONES AND ALL di Luca Guadagnino (USA, Italia)

Un palmarès anglofono

Leggendo i titoli dei film premiato, è chiaro come la giuria presieduta da Julianne Moore non abbia dato prova di uno sguardo particolarmente variegato, ma anzi di uno estremamente sensibile rispetto a ciò che già conosceva ed era abituata a vedere. Con l’eccezione di Alice Diop (che avrebbe forse meritato il Leone d’Oro)e il suo Saint Omer, la cerimonia di premiazione ha di fatto ribadito quello che già sapevamo e consacrato talenti su cui non c’erano già più dubbi.

È stato così per Luca Guadagnino, che si riconferma ancora una volta autore capace di entrare perfettamente in sintonia con la sensibilità americana, ed è stato così per gli attori, due colonne di Hollywood come Colin Farrell e Cate Blanchett. Logiche identiche ha seguito anche il premio per la sceneggiatura andato a Martin McDonagh, già vincitore di Oscar e quindi autore europeo familiare oltreoceano. Unico non anglofono a farsi strada insieme alla Diop è stato Jafar Panahi, con un film bellissimo ma anche con una storia personale impossibile da ignorare in un festival con questa rilevanza mediatica. 

Un colpo di fulmine per Julianne Moore

Il premio forse più inaspettato è stato proprio il Leone d’Oro a All The Beauty And The Bloodshed di Laura Poitras. Uno dei film più fiacchi di una documentarista che invece nella sua carriera non si è mai limitata a documentare con grande accuratezza le sfide di singole persone contro poteri giganteschi e violenti, ma si è sempre lasciata coinvolgere da esse, fino ad esporsi in prima persona con l’obiettivo di raccogliere materiali che nessun altro avrebbe potuto ottenere rimanendo al di fuori delle storie raccontate.

Si dice, però, che il film sia stato un colpo di fulmine per Julianne Moore, che pare si sia persino commossa al termine della proiezione riservata ai membri della giuria. D’altronde, la storia è piena di premi dati sull’onda dell’emotività e va bene così. La speranza è che questo Leone possa aiutare Laura Poitras nel proseguire la sua opera incredibile di documentazione delle persone che si battono contro stato e istituzioni per finire quasi sempre schiacciati, ma non per questo vinti nell’animo. 

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Cinema

Venezia 79 | All The Beauty And The Bloodshed, la recensione del film Leone d’Oro

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Venezia 79 | All The Beauty And The Bloodshed, la recensione del film Leone d’Oro
3.5 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Vincitrice del Premio Oscar per il miglior documentario con Citizenfour nel 2015 (e nominata per My Country, My Country nel 2017), Laura Poitras è da sempre una regista interessata a scovare le battaglie di individui che, spesso da soli e contando esclusivamente sulle proprie forze, decidono di scagliarsi contro un potere molto più grande di loro. Poitras non solo documenta queste sfide con grande accuratezza, ma si lascia coinvolgere da esse, fino ad esporsi in prima persona e raccogliere così materiali che nessun altro potrebbe ottenere rimanendo al di fuori delle storie raccontate.

Dopo Snowden e Assange, stavolta la sua attenzione è stata catturata da Nan Goldin, fotografa di fama mondiale che nel 2017 ha reso pubblico il suo percorso di riabilitazione dalla dipendenza dal farmaco OxyContin, assunto come antidolorifico per una tendinite di cui soffriva. Dopo essersi disintossicata, Goldin è venuta a conoscenza delle responsabilità della famiglia Sackler, proprietaria della società Purdue Pharma, nell’epidemia di oppioidi che aveva colpito gli Stati Uniti dalla metà degli anni Novanta, causando migliaia di decessi per overdose da farmaco. Da quel momento, è diventata una delle attiviste più note nella campagna di sabotaggio contro la filantropia tossica dei Sackler, che ha contribuito a smascherare le istituzioni che per anni sono state complici nell’accettare le loro donazioni e, attraverso l’azione diretta, a convincere molti musei e università in tutti il mondo a rifiutare i finanziamenti dei Sackler e a tagliare i legami con la famiglia.

All The Beauty And The Bloodshed | il film Leone d’Oro di Venezia 79

È chiaro fin da subito che stavolta, a differenza che nei lavori precedenti, in All The Beauty And The Bloodshed c’è un livello di immedesimazione che in passato non c’era, che Laura Poitras rivede in Nan Goldin la stessa sua voglia di fare attivismo attraverso il proprio medium di riferimento. Tutta la carriera di Poitras, d’altronde, ha cercato di far passare l’idea che la dissidenza fosse il miglior modello di cittadinanza attiva. Che le persone a cui ispirarsi fossero quelle che, come ci ricordano Taylor e Coetzee, vengono diffamate dai loro contemporanei e vendicate dai posteri. «Dopo tutto», ha scritto un altro grande dissidente come Solženicyn, «ci siamo abituati a considerare come valore solo il valore in guerra, quello che tintinna con le medaglie. Abbiamo dimenticato un altro concetto: il valore civile. Questo è tutto ciò di cui abbiamo bisogno ed è esattamente ciò che non abbiamo»

Nan Goldin, come Laura Poitras, non ha schermi: è dentro, è immersa in ciò che fotografa-riprende. Non «abita la distanza» (per usare un termine del filosofo Pier Aldo Rovatti) ma anzi la prossimità, con tutti i rischi, anche di incolumità personale, che ciò comporta. Entrambe non usano la macchina fotografica (o la cinepresa) come uno strumento per vedere il mondo, rimanendo nascoste e difese dietro l’apparecchio, ma per penetrare nelle situazioni, per registrare la lotta mentre si fa. Prendendo spunto dalla retrospettiva dedicata alla fotografa dal Moma di New York (con più di 700 fotografie a colori montate in sequenza filmica), Laura Poitras cerca di tracciare la parabola di una generazione, quella degli anni Ottanta, avida di vita e disperata, uccisa dall’Aids e dalle droghe, capace di amare e di sognare l’impossibile.

Per fare questo, mette in scena lo «slideshow di una vita», in cui il racconto autobiografico gioca continuamente tra il dentro e il fuori, si intreccia con quello di tutta la sua «tribù» di amici, parenti, amanti. Nan Goldin, non è un caso, ha sempre presentato il proprio lavoro come una classica proiezione di diapositive, simile a quelle – inceppamenti e inconvenienti tecnici compresi – con cui si intrattenevano nel salotto di casa i propri conoscenti al rientro da un viaggio. Ha scelto coscientemente di utilizzare, quindi, una modalità di presentazione “illustrativa”, ma vicina all’esperienza di tutti. All The Beauty And The Bloodshed riprende quella stessa modalità di presentare l’immagine allo spettatore, correndo il rischio però di perdere il carattere pulsante del cinema di Laura Poitras e allo stesso tempo di intellettualizzare troppo il gesto di ribellione di Nan Goldin, rendendolo qualcosa di distante e difficilmente replicabile.

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Cinema

Venezia 79: ATHENA, quattro fratelli un unico destino

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Athena è stato presentato il 2 settembre in concorso alla 79ª edizione del Festival di Venezia. Si tratta di una produzione interamente francese e verrà distribuito su Netflix dal 23 settembre. Racchiuso in appena 97 min, è diretto e in parte sceneggiato e prodotto dal regista francese classe ‘81 Romain Gavras.

Athena, di cosa parla?

Siamo in Francia, un ragazzo viene ucciso durante uno scontro a fuoco con la polizia, questo giovane uomo ha 3 fratelli e uno di loro decide di iniziare una rivolta anarchica al fine di trovare risposte e ottenere i nomi degli agenti coinvolti. Da qui un massacro su più fronti che vedrà una famiglia pian piano disgregarsi, in una lotta tanto interiore quanto pubblica.

Athena, la recensione

Un destino, degli ideali chiari e tanta voglia di vendetta all’interno di un contesto turbolento. Tre fratelli tormentati ognuno dai propri demoni interiori, ma uniti da un amore familiare indelebile, si battono in una cieca lotta, tanto concettuale quanto fisica, affrontando le circostanze in modi completamente differenti e rischiando tutto e senza margine di manovra.

Ostinata ricerca della verità o di una qualche forma di giustizia, questa è la ramificazione che Athena insegue fin da subito verso un finale inaspettatamente rivelatore, che tinge un war-urban movie di un retrogusto thriller.

Morte, lacrime e disperazione disegnano un accurato disordine, un caos costruito sull’attuazione di una legge personale, un proprio credo fatto di violenza e rivoluzione. La pellicola è fin da subito un turbinio adrenalinico di sequenze, una guerra a colpi di piani sequenza totalmente immersivi ed interminabili, impreziositi da performance attoriali sbalorditive.

Ad incorniciare questa intrigante struttura possiamo ammirare una regia salda, che con fermezza articola musiche, colori, giochi di ombre, fumo e luci che scandiscono un ritmo incessante attraverso schieramenti di oscurità e chiarore. Inquadrature che inseguono personaggi come a volerli rendere totalmente focus della scena, mostrandoceli di spalle nel loro intento di compiere azioni decise.

Un impianto sonoro essenziale e rallenty funzionali, vengono poi inseriti nei momenti più adatti, tra occhi spietati e sguardi impauriti che descrivono sapientemente gli attriti di una famiglia, unita dal sangue ma separata nei principi.

Una madre come unica risorsa, un punto comune utile a calmare tre uomini travolti dagli eventi, che finisce per regalare parallelismi attuali efficaci in un film colmo di potenziali riflessioni socio-politiche, non trascurabili. Difficile cambiare il proprio destino, quando il futuro lo scrivi col sangue. Scelte sbagliate portano a conseguenze catastrofiche ed è esattamente lo stesso effetto domino che si chiede allo spettatore con questo Athena.

L’escalation empatica costante porterà ad un finale commovente, responsabile di una profonda e intensa ricerca di sviluppo concreto che arriva a insidiarsi nella mente di chi guarda, pur essendo lontano da quelle realtà.

Rabbia e sconvolgimenti emotivi in un contesto irrimediabile, delineano una porzione di vita che ci viene raccontata partendo da un forte trauma, in cui si tenta (non sempre riuscendoci), di tutelare i rapporti umani come quelli civili. La rivolta che colpisce Athena diviene a un certo punto ingestibile e colpevoli da un lato le melodie e dall’altro le scelte registiche, questa vera e propria fortezza inaccessibile ma sotto assedio, richiama assonanze dell’immaginario comune.

Il Signore degli anelli in primo luogo è di certo un elemento istintivamente riconducibile quando vediamo il preludio dello scontro armato, mentre in parallelo giunge chiara e lampante l’associazione visiva a Cesare de Il pianeta delle scimmie osservando Karim e le dinamiche da leader che gli gravitano attorno.

Sorprendente infine nella sua conclusione, che innalza ancor di più il contesto narrativo portando succulente riflessioni da maturare, questo nuovo lavoro di Gavras può senza dubbio essere additato come uno dei prodotti più interessanti provenienti dalla nuova edizione del Festival di Venezia.

Deciso, feroce, violento ma al tempo stesso estremamente delicato, sa parlarci di attualità in un modo insolito, inscenando una guerra su più fronti che procede però in un’unica direzione.

Colmo d’amore, protezione e spirito fraterno, ci suggerisce che a volte i pregiudizi e le apparenze non sono gli elementi a cui dar fede, ancor di più nel mondo odierno fatto di false speranze, nascoste dietro una corteccia di spudorato dissenso.

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