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Festa del Cinema di Roma

Festival del Cinema di Roma 2012 : sorpresa Tarantino

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Si presenta agguerrito e polemico Marco Muller al pubblico di giornalisti riunito questa mattina presso la Sala Sinopoli dell’Auditorium per la prima e attesissima conferenza stampa di presentazione della settima edizione del Festival del Cinema di Roma, la prima presieduta dallo già storico direttore del Festival del Cinema di Venezia.

Un breve intervento del direttore generale della Fondazione cinema per Roma Lamberto Mancini, che ha presentato questa nuova edizione del festival ponendo l’accento sull’immagine di una Roma che quest’anno vuole presentarsi nuovamente come riferimento per il cinema internazionale, ma anche come volano e motore dell’industria cinematografica italiana, e i dovuti ringraziamenti agli sponsor e i finanziatori istituzionali, completamente assenti in sala, ad opera del Presidente del Festival Paolo Ferrari, è proprio il direttore a prendere la parola illustrando con un orgoglio forse eccessivamente ostentato, il programma di questa sua prima esperienza alla guida del Festival cinematografico romano.

“In quattro mesi e mezzo, senza voler ragionare su grossi cambiamenti strutturali, abbiamo chiuso un programma importante, con la collaborazione di una squadra agguerritissima” e ancora “solo a Roma è possibile realizzare in novembre, tra due festival importanti (Venezia e Berlino ndr.), un festival e un mercato di questo genere”. Esordisce così, il direttore Muller illustrando un programma che quest’anno vanterà 59 lungometraggi in anteprima mondiale ed una notevole serie di opere prime e seconde di cineasti internazionali e nazionali, senza ombra di dubbio l’elemento di maggior novità di questa edizione. Pone poi l’accento sui film di apertura e chiusura, Aspettando il mare di Khudojnazarov e Una pistola in cada mano di Cesc Gay, sottolineandone l’importanza e rilanciando inoltre il fattivo dialogo avuto con le major americane che hanno permesso di portare a Roma opere come Bullet to the Head che avrà come ospite d’onore il suo protagonista, Silvester Stallone.

Un lungo ed articolato intervento quello di Muller, che mette bene in chiaro l’anima di un festival che, pur proiettandosi verso un pubblico vasto e variegato, lascerà ampio spazio alla cinematografia mondiale nel senso più ampio del termine, dalla Cina alle Filippine sono 26 i paesi partecipanti, ma con uno sguardo accorto e attento al cinema italiano più nuovo e innovativo e un ampio spazio dedicato alla speriementazione, attraverso il laboratorio di CinemaXXI : “un cinema forte e propositivo per via del suo andirivieni tra cinema, arti visive, teatro, danza, architettura”, come lo ha definito orgogliosamente Muller, sicuramente la sfida più nuova e soddisfacente di questa settima edizione. Alle domande perplesse e sfrontate dei giornalisti sul rischio che questo festival possa deludere le sue tante aspettative, data, tra le altre, l’assenza dei tanti nomi auspicati alla vigilia, da Lincoln di Spielberg  a Promise Land di Gus Van Sant, il direttore risponde composto ed agguerrito, rilanciando la ricca e variegata portata del suo festival. Se a mancare infatti saranno le star hollywoodiane, eccezion fatta per Stallone, Muller assicura che di nomi illustri Roma ne porterà comunque tanti; in finale si lascia scappare una sorpresa Tarantino senza però lasciarsi volutamente sfuggire se ad accompagnarlo ci sarà il suo attesissimo Django.

Nei locali dell’Auditorium, come sempre durante il corso del festival, verrà allestita una mostra fotografica che quest’anno mostrerà un inedito dietro le quinte di Full Metal Jacket di Stanely Kubrick. Il Festival del Cinema di Roma sarà poi su youtube, con un canale dedicato alla kermesse dove saranno caricati tutti i contenuti multimediali delle serate.

Tra le proposte più interessanti di questo edizione, l’ultimo capitolo della saga di Twilight, The Twilight Saga: Breaking Dawn Part 2, anche se pare improbabile la presenza di Kristen Stewart e Robert Pattinson, il cartoon Le 5 leggende e E la chiamano estate di Paolo Franchi. A presiedere la giura invece Jeff Nichols, autore di Take Shelter e Mud.

Il Festival si svolgerà dal 9 al 17 novembre presso l’Auditorium Parco della Musica.

CONCORSO:

“A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III,” di Roman Coppola, U.S.A

“Lesson of Evil,” Takashi Miike, Giappone

“Ali Ha Gli Occhi Azzurri,” Claudio Giovannesi, Italia,

“E La Chiamano Estate,” Paolo Franchi,.

“Ixjana,” Jozef Skolimowski, Michal Skolimowski, Polania

“Mai Morire,” Enrique Rivero, Messico

“Hand in Hand,” Valerie Donzelli, Francia

“Marfa Girl,” Larry Clark, U.S.A

“The Motel Life,” Gabriel Polsky, Alan Polsky, U.S.A

“Celestial Wives of Meadow Mari,”Alexey Fedorchenko,Russia

“You, Me and Us,” Jacques Doillon, Francia

“Eternal Homecoming,” Kira Muratova, Ucraina

“Il Volto Di Un’altra,” Pappi Corsicato, Italia

FUORI CONCORSO:

“The Gang of the Jotas,” Marjane Satrapi, Francia

“Bullet to the Head,” Walter Hill, U.S.A

“The Lookout,” Michele Placido, Francia

“Mental,” P.J. Hogan, Australia

“Populaire,” Regis Roinsard, Francia

“Rise of the Guardians,” Peter Ramsey, U.S.A

“The Twilight Saga: Breaking Dawn Part 2,” Bill Condon, U.S.A

“A Gun in Each Hand,” Cesc Gay, Spagna

“Waiting for the Sea,”Bakhtiar Khudojnazarov,Russia

PROSPETTIVE ITALIANE:

“Acqua fuori dal ring,” Joel Stangle

“Cosimo e Nicole,” Francesco Amato

“L’isola dell’angelo caduto,” Carlo Lucarelli

“Italian Movies,” Matteo Pellegrini

“La scoperta dell’alba,” Susanna Nicchiarelli

“Razza bastarda,” Alessandro Gassman

“Waves,” Corrado Sassi

 

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Cinema

RomaFF14: Bellissime, Elisa Amoruso indaga il complesso rapporto che si ha con la propria immagine

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Nonostante le vere protagoniste di Bellissime, il nuovo documentario di Elisa Amoruso, siano tre giovani sorelle che vogliono farsi strada nel mondo della moda, è chiaro come in realtà il film sia innamorato della loro madre, donna dal corpo granitico che sembra contenere in sé tutte le contraddizioni che l’indagine filmica vuole mettere in evidenza (e che sono elemento costituivo imprescindibile del rapporto che si ha con la propria immagine e con la propria bellezza, fin da piccolissimi). Così Bellissime, in realtà filmato e completato prima che iniziasse la lavorazione del documentario su Chiara Ferragni, sembra raccontare la stessa storia di Unposted, come se questi due film fossero in realtà episodi di una stessa serie televisiva. Addirittura la Amoruso sceglie gli stessi strumenti (i filmini di famiglia, ad esempio, qui utilizzati in maniera molto più intelligente ed efficace) e pone le stesse domande per raggiungere però un risultato completamente diverso. Ed è proprio attraverso il personaggio di Mamma Cristina che questo documentario raggiunge un obiettivo che invece quello sulla Ferragni sfiorava a malapena. 

Se le immagini sono impietose e ci mostrano una donna che lotta contro la propria età per mantenere un corpo attraente, del tutto corrispondente a quel modello di bellezza che viene richiesto per poter competere nei concorsi, ciò che ci viene raccontato su quella sfida contro se stessi ha invece un valore di segno completamente opposto (quindi positivo). Cristina non rinuncia alla sua passione per la pole dance, non si sottrae a nessuno dei photoshoot che le vengono proposti. Tutte cose a cui ha dovuto rinunciare per colpa (lo apprendiamo dalle sue parole) degli obblighi coniugali prima e genitoriali poi. La donna passa tutto il tempo a spiegare allo spettatore in che modo è riuscita a liberarsi dalla gabbia dello sguardo maschile, domandolo e stuzzicandolo. E in che maniera ha utilizzato la proprio avvenenza per imporre la propria femminilità e non per ridurla a strumento nelle mani degli uomini che le chiedevano di esibirla. Eppure tutto questo, che viene esposto così fieramente dalla madre e con un po’ più di timidezza dalle sue figlie, che in alcuni casi sembrano vittime delle sue stesse aspirazioni, viene costantemente messo in discussione da ciò che vediamo su schermo.

Tutto ciò che a parole sembra così giusto e liberatorio (e sicuramente in parte lo è davvero), si deve confrontare con ciò che poi effettivamente vediamo, che non sempre riesce a risultare così attraente come invece il racconto delle intervistate suggerirebbe. Elisa Amoruso non vuole affermare una propria certezza, bensì utilizza il mezzo a propria disposizione per mettere in scena una complessità che emerge proprio tra le contraddizioni delle protagoniste.

In una scelta di montaggio molto intelligente, il film alterna le immagini di un casting andato male, in cui una delle ragazze viene rimproverata di fingere le proprie emozioni e di piangere sotto sforzo, a quelle dell’intervista organizzata per il film a sua madre, che si commuove davanti alla telecamera ricordando la sua infanzia e i suoi genitori. Pare una cosa banale e invece in un semplice stacco di montaggio si nasconde la domanda che Bellissime pone ai suoi spettatori. Quanto di quello che ci viene raccontato corrisponde alla realtà e quanto invece fa parte di una narrazione che le intervistate si sono costruite per loro? E fin dove la “verità” imposta dalle immagini è più credibile rispetto a quella raccontata da Mamma Cristina?

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Cinema

RomaFF14: Judy, una toccante Renée Zellweger è Judy Garland nel biopic di Rupert Goold

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judy recensione

A soli tredici anni Frances Ethel Gumm, poi in arte Judy Garland, viene messa sotto contratto dalla MGM e lanciata verso quella che dovrebbe essere una brillante carriera costellata di successi. E i successi arriveranno, in primis quel Mago di Oz che la condurrà attraverso il sentiero dorato e poi sotto i riflettori del successo, ma arriveranno di pari passo anche i tanti fallimenti e momenti bui, a connotare un’esistenza che finirà di brillare precocemente a soli 47 anni.

judy film

Rupert Goold, regista inglese specializzato in teatro, adatta per il grande schermo il dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, e cuce addosso a un’ottima Renée Zellweger i panni “striminziti” di una stella del cinema hollywoodiano “nata in un baule, nelle quinte di un teatrino di provincia”, e schiacciata dalle regole e dai paradossi del suo stesso successo. Raccontando l’ultima tournee della diva nel night club londinese Talk of the Town, Goold tratteggia la stella, il talento, la voce luminosa, ma anche tutte le ansie, le dipendenze, le depressioni sperimentate a ciclo continuo dall’attrice statunitense. Nel mondo patinato dello spettacolo e sotto le luci di proscenio, Judy racconta i risvolti tragici della storia di una bambina cresciuta troppo in fretta, svezzata a regole ferree e pillole (per spezzare la fame, dormire, tranquillizzarsi – dipendenze poi mai del tutto abbandonate) divenuta una giovane diva osannata ma letteralmente sbranata dai propri demoni interiori e dalla sofferenza. Una sofferenza a cui nemmeno l’amore viscerale per i figli o per l’ultimo marito Micky Deans riuscirà a strapparla. 

Curiosità: Tutti i volti di Londra al cinema

Renée Zellweger si cala a pieno regime, con trasporto e partecipazione espressiva ed emotiva nella bravura così come nei tic e nel male di vivere della celebre interprete di Dorothy, e ne porta alla luce tutti i tratti salienti di quella profonda insicurezza e senso di smarrimento che ne sanciranno poi l’uscita di scena e la precoce scomparsa. Sempre più dipendente da alcol e pillole, meno affidabile e assicurabile, e dunque spendibile per il mercato del crudele e impietoso showbiz, la minuta Judy pagherà a proprie spese il conto di quel mondo luccicante che non ammette fragilità, tentennamenti, diversità, e che è pronto a darti il benservito tra uno spettacolo e l’altro.

Renee Zellweger Judy

Renee Zellweger in Judy

Goold dal canto suo dirige con sensibilità e trasporto, sfruttando l’alternanza di tempi storici che tra ’39 e ’69 sanciscono inizio e fine di questa vita drammatica, il dettaglio (la vita privata) e la panoramica (la vita pubblica) di un’eroina bella e fragile, avvolta dalle spire del successo e rimasta molto probabilmente impigliata in quella ricerca del sogno e di quel luogo magico, oltre l’arcobaleno, dove i sogni riescono in qualche modo anche a diventare realtà (senza che la realtà torni poi a spezzarli) “Somewhere over the rainbow Way up high And the dreams that you dream of Once in a lullaby”. 

Lo sapevi che: Il Mago di Oz diventa un film horror

Nell’adattamento per il grande schermo del dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, Rupert Goold dirige un’ottima Renée Zellweger in Judy, che racconta l’ultima tournee di Judy Garland attraverso luci e ombre di un talento precocemente spezzato dalla malia controversa del successo. Un biopic onesto che ripercorre il sentiero di un’esistenza tragica senza insistere nel pietismo o nel sentimentalismo, ma cercando piuttosto di disegnare il complesso ritratto di bambina, e poi donna, nascosti dietro al volto inquieto della diva.

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Cinema

RomaFF14: Honey Boy, l’infanzia traumatica di Shia LaBeouf

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honey boy recensione

Otis (interpretato dai bravi Noah Jupe nella versione bambina e Lucas Hedges in quella adulta) è un dodicenne prodigio, un talento indiscusso sui set, ma anche un Honey Boy (dolce bambino) come lo chiama il padre alcolista e tossicodipendente (interpretato da Shia LaBeouf) che gli fa da accompagno e “manager”. Padre e figlio vivono in un comprensorio popolare circondati da prostitute e gente che, proprio come loro, vive alla giornata e si ritrova sempre nello stesso cortile.

honey boy

Honey Boy

Divenuto adulto e alle prese con un’avviata carriera da stuntman ma una vita sempre più scombinata, Otis ripercorrerà mentalmente l’infanzia turbata e disturbante vissuta accanto a quel padre problematico e incapace di fare il genitore, e proiettata tutta nel sogno di sfondare mettendo a frutto il suo talento per riscattare quella vita ai margini e anche in qualche modo l’esistenza di quel padre sgregolato e “bambinesco” ma in fondo buono. Cresciuto troppo in fretta e costretto nel paradosso a fare da genitore al proprio padre (sostenendolo anche economicamente con il suo lavoro sul set) Otis è bambino di grande sensibilità e talento che incanalerà nella sua vita adulta tutte le intemperie e le fratture di quell’infanzia, caratterizzata dalla mancanza di punti di riferimento adulti e affidabili, e dalla mancanza di una famiglia unita e di amorevole supporto. 

Storia di formazione autobiografica scritta dallo stesso attore Shia LaBeouf durante un periodo di in clinica per disintossicarsi dall’alcol, Honey Boy è una dura storia di precoci talenti e infanzie spezzate che trova in Shia LaBeouf (estremamente in parte nei panni del padre) e nel piccolo Otis (sguardo a un tempo dolce e sveglio)  il giusto confronto emotivo per parlare in maniera toccante ma non retorica, coinvolgente ma non ricattatoria di famiglie disfunzionali e rapporti padre-figlio burrascosi. Una tematica già ampiamente affrontata nel cinema (più o meno indipendente) ma che nell’occhio dell’esordiente regista israelo-americana Alma Har’el (già autrice di video musicali e documentari) lo sguardo giusto e il giusto equilibrio tra partecipazione e oggettività per indagare il cuore di quelle mancanze che creano dipendenze, e di quei circoli esistenziali viziosi che più si originano precocemente e più sono – in assoluto – difficili da spezzare.

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Lucas Hedges nel film Honey Boy

Alma Har’el realizza un’opera intima e a suo modo toccante che parla di metabolizzazione del dolore, di imparare a lasciar andare il rancore, e di quel “seme che deve distruggersi per diventare fiore”. Un film piccolo ma onesto che ha tutte gli elementi del film indipendente di qualità e che poggia gran parte del suo carattere emotivo sull’interpretazione funzionale di Shia LaBeouf e del piccolo Noah Jupe.

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