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Cinema

#iorestoacasa con NewsCinema | Assassinio sull’Orient Express su Rai 1

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Il personaggio di Hercule Poirot ha vissuto incredibili avventure grazie al genio di Agatha Christie, che lo ha utilizzato in ben trentatré romanzi e cinque antologie di racconti. Una ricchissima base letteraria che è servita da base per una altrettanto folta serie di trasposizioni per il piccolo e il grande schermo e che ha consacrato l’iconico investigatore quale degno erede di Sherlock Holmes nell’immaginario comune. Era solo questione di tempo prima che il cinema lo rispolverasse per dare il via ad una nuova saga di adattamenti, e nel 2017 la 20th Century Fox ha affidato il fortunato franchise giallistico ad un regista e attore di razza come Kenneth Branagh, già mago delle trasposizioni shakespeariane, che per l’occasione si è anche riservato il ruolo di protagonista.

Il libro alla base è uno dei più conosciuti dal grande pubblico, ossia quell’Assassinio sull’Orient Express già visto in forma filmica negli anni ’70 per la regia di Sidney Lumet. In occasione della trasmissione televisiva, in prima visione free alle 21.25 su RAI1, andiamone a scoprire i punti di forza.

 Assassinio sull’Orient Express | Una storia dal fascino intramontabile

kenneth branagh

Kenneth Branagh

L’intreccio narrativo creato dalla scrittrice inglese non ha perso un briciolo del suo fascino, con il cospicuo numero di personaggi al centro della vicenda coinvolto in un intrigo a bordo del famoso mezzo di trasporto. L’Orient Express, il treno sul quale i passeggeri, incluso lo stesso Poirot, si trovano a viaggiare è vittima di una sosta forzata dopo che una valanga lo ha fatto deragliare e poco dopo viene ritrovato il corpo senza vita di uno di loro, il losco mercante d’arte Samuel Ratchett. L’uomo è stato brutalmente ucciso con un insolito modus operandi e l’investigatore – che sperava di godersi una tranquilla vacanza – è costretto ad usare il proprio ingegno per scoprire il colpevole.

Durante le indagini Poirot scopre che ognuno degli astanti era in qualche modo collegato al deceduto, il quale in realtà viaggiava sotto falsa identità in fuga da un ambiguo passato, e fatica a decifrare il reale movente del delitto. Il colpo di scena finale si rivela ancor oggi una perfetta macchina chirurgica, capace di soddisfare sia i neofiti che gli appassionati già a conoscenza dell’effettivo epilogo.

Leggi anche: Assassinio sull’Orient Express: quando l’estetica vince sulle emozioni

 Assassinio sull’Orient Express | Una regia raffinata

Branagh regista è da sempre stato un maestro della messa in scena, basti pensare al monumentale adattamento di Hamlet (1996), ben quattro ora nella versione integrale, che restituiva magnificamente il tragico fascino della nota opera del bardo d’Albione. E anche in quest’occasione, complice l’elevato budget a disposizione, fa le cose in grande operando un’intelligente sfruttamento delle sequenze in interno e della relativa ambientazione, trasformando le varie carrozze del mezzo in un perfetto campo espositivo nel quale ricercare indizi e tracciare le proprie conclusioni.

Un’eleganza che si nota anche nella scelta dei costumi e nel modo di gestire l’affiatato cast, rendendo la complessa risoluzione del caso in un appagante esercizio estetico che, complice i flashback rivelatori girati in bianco e nero, mantiene alto il ritmo e la contigua attenzione dello spettatore fino al giungere dei titoli di coda, dove l’epilogo apre al già annunciato sequel.

 Assassinio sull’Orient Express | Un cast delle grandi occasioni

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Johnny Depp

L’ingente sforzo produttivo si nota anche nell’incredibile stuolo di star ingaggiato, capace di far strabuzzare gli occhi per la fama delle star qui protagoniste in ruoli più o meno secondari. Branagh si circonda infatti di noti e affermati colleghi quali Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Penelope Cruz, Willem Dafoe, Daisy Ridley e Judi Dench, riservando anche un ruolo al suo storico collega e amico di vecchia data Derek Jacobi nei panni dell’anziano controllore.

In Assassinio sull’Orient Express ognuno degli interpreti è a proprio agio nelle vesti del relativo alter-ego, merito di una caratterizzazione incisiva che sa come sfruttare al meglio le rispettive peculiarità interpretative, e il mistero è ancor più fitto e insondabile proprio grazie alla totale dedizione degli attori che ben nascondono i propri reali scopi. Una riunione di star che si manifesta quale ulteriore punto di forza di un adattamento classico ed elegante che, pur al netto di una parziale freddezza, vale il tempo speso.

Appassionato di cinema fin dalla più tenera età, cresciuto coi classici hollywoodiani e indagato, con il trascorrere degli anni, nella realtà cinematografiche più sconosciute e di nicchia. Amante della Settima arte senza limiti di luogo o di tempo, sono attivo nel settore della critica di settore da quasi quindici anni, dopo una precedente esperienza nell'ambito di quella musicale.

Cinema

TFF 38: Fried Barry, la recensione del delirante film di Ryan Kruger

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Diretto, prodotto e sceneggiato da Ryan Kruger, approda al Torino Film Festival edizione n.38, una  commedia fantascientifica intitolata Fried Barry. Il Sud Africa è il paese d’origine e Gary Green il suo protagonista.

Un uomo tossicodipendente e già di suo alquanto svalvolato, almeno all’apparenza, un giorno di punto in bianco viene scelto  dagli extraterrestri come cavia. L’alieno dentro di lui vuole provare dunque ogni tipo di esperienza umana e così come un’ameba l’uomo/alieno inizia a muoversi per inerzia in giro per la città, facendo ogni cosa e lasciandosi trasportare dagli eventi senza capacità di giudizio, finchè l’ospite avrà finito con questo inutile involucro.

Un film assurdo, con poca possibilità di percezione positiva. Tutta colpa o merito (dipende dal personale gradimento) di Ryan Kruger, visto il suo coinvolgimento nell’opera, avendo ricoperto i ruoli di regista, produttore e sceneggiatore. La scrittura come la messa in scena, peccano di banalità e troppo semplicismo; al nostro protagonista succedono cose davvero incredibili, ma non per spettacolarità quanto più per scadente plausibilità, come se ad ogni angolo della strada ci fosse qualcuno che aspetta proprio lui, per fare sesso o regalargli droghe o chissà cos’altro.

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Situazioni impensabili, personaggi strambi e poca cura per le performance attoriali come per il realismo delle azioni che compiono, con errori riconducibili ad un principiante alle prime armi.
Una nota positiva risiede invece nella fotografia, contraddistinta da un tono quasi finto patinato, mediante un uso accurato di luci e colori, che senz’altro esaltano il film perlomeno visivamente. 

Se si volesse provare a fare una sovralettura con l’intento di trovare un significato recondito e strettamente ispirato, si potrebbe parlare del corpo umano come semplice involucro, che viaggia parallelamente all’animo, all’essenza, a ciò che costituisce la coscienza e la volontà di agire.
Oltre a questo, noi umani abbiamo anche limiti dettati dalla nostra fragilità e dall’essere mortali, che gli alieni (almeno quelli di questo film) non sembrano avere. Pertanto da un lato ci si trova di fronte a limiti fisici, dall’altro ad emozioni che invece sono solo nostre, come l’amore, che per un alieno provare potrebbe voler dire godere di autenticità, un potere sconsiderato ed inaspettato agli occhi di un essere superiore.

Sicuramente il protagonista ha un impatto visivo peculiare, sottolineato da questo sguardo sempre allucinato che vanta una valenza macchiettistica, anche forte dell’aspetto fisico stesso dell’attore Gary Green. Detto questo, credo di aver voluto cercare un qualche messaggio un po’ troppo sofisticato per un prodotto delirante che si rivela essere caratterizzato da un potenziale interessante, ma realizzato davvero male, che non credo rimarrà nell’immaginario comune o meglio ci resterà saldo, ma per essere d’esempio quando ci si riferirà a prodotti di qualità infinitamente bassa.

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TFF 38: Regina, la recensione del film

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Direttamente dal 38° Torino Film Festival arriva un dramma tutto nostrano, Regina, diretto da Alessandro Grande e interpretato tra gli altri da Francesco Montanari e Ginevra Francesconi.

Una ragazzina piena di sogni e speranze vive sola col padre dopo la prematura perdita della madre. Il loro è un forte legame, ma tutto si rompe apparentemente quando i due un giorno diventano protagonisti di una situazione più grande di loro, inaspettata. E’ qui dunque che il sogno di fare la cantante, sostenuto dal padre che a sua volta ha dovuto abbandonare il suo di musicista per crescere la figlia, si infrange, perchè non coincide con una confusione mentale ed emotiva, difficile da superare.

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Regina, un dramma realistico ed emozionante


Un film breve, di soli 82”, che racconta una storia complessa, non tanto nella trama quanto nella dinamica dei sentimenti, talmente delicati e intimi da essere difficili da trasmettere appieno agli occhi di chi osserva. Un dramma che sa di vero, intenso, che riesce ad infondere profondità tramite una storia pervasa di denso spessore. Una vita già distrutta da un evento drammatico che non ci viene mostrato ma solo suggerito, va poi incancrenendosi finendo in frantumi grazie al secondo avvenimento, il quale rompe l’equilibrio che i due protagonisti stavano cercando di ricostruire insieme.

L’ ennesima batosta di una famiglia spinta a sopportare e subire invece che scegliere, cercando di andare avanti, ma sporcata di menzogne e falsità che fanno da presupposto per cercare di stabilire una normalità. Queste fondamenta sono come un terreno franabile poiché niente è più saldo quando ciò che ti spinge non è sincero. La differenza la fa la propria coscienza, l’onestà che ci caratterizza; non si riesce a tener su una vita con basi fragili.

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Quando si è onesti di natura, non si può fare a meno di essere corretti, prima o poi si deve fare i conti con l’insormontabile peso della propria coscienza o si crollerà come un castello di carte. Il senso di colpa è ben rappresentato in questo film, tramite una ragazzina incapace di sopportare una ulteriore condanna senza colpa, in una vita troppo giovane per essere così già piena di traumi. Anche il feeling tra padre e figlia è perfetto; gli attori protagonisti sono riusciti a rendere l’affiatamento necessario, portando realismo e di conseguenza empatia con lo spettatore.

Peccato per un rallentamento circa a metà durata, delineato anche da un pochino di confusione che a tratti fa perdere man mano di incisività rispetto alla fase iniziale, inciampando su se stesso e perdendo ritmo e dinamicità. Tutto sommato, però, il messaggio arriva forte e chiaro, seppur con qualche difetto, rimane una pellicola da vedere che può toccare corde sensibili negli occhi di chi guarda. 

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TFF38 | Funny Face, storia d’amore muta contro la violenza del Sistema

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A Girl Walks Home Alone at Night, come nell’omonimo film del 2014 di Ana Lily Amirpour. Ma la giovane musulmana di Funny Face, nuovo lavoro dell’americano Tim Sutton, non è una vampira come quella di Sheila Vand, bensì una ragazza in rotta di collisione con gli zii che la ospitano in casa e che vorrebbero imporle un coprifuoco destinato a non essere mai rispettato.

Nelle sue lunghe passeggiate notturne, Zama incrocerà un altro ragazzo inquieto di nome Saul, che come lei lotta contro un potere costituito, quello di chi vuole imporre dall’alto una gentrificazione forzata, espressione di un modello di sviluppo predatorio e violento.

Funny Face | il nuovo film di Tim Sutton

Il nuovo film di Tin Sutton fa di tutto per distinguere nettamente i personaggi: cambia tipo di fotografia a seconda di chi è in scena e pone tra loro e la macchina da presa materiali di separazione diversi (i vetri pulitissimi e oscurati del suv su cui viaggia Jonny Lee Miller, quelli sporchi e opachi della vettura di Saul e Zama). Pur scadendo spesso in similitudini facili e banali (le maschere come lo chador) e affidandosi pigramente ad immagini derivative per descrivere l’avidità delle classi più agiate (sesso e denaro), Funny Face marginalizza le ingenuità della propria scrittura lavorando maggiormente sugli spazi e rendendo le persone che li attraversano semplici fenomeni vibrazionali destinati ad essere abbattuti o, al massimo, impiegati per scopi utili a qualcuno o a qualcosa.

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La forma della città

I due, protagonisti pasolinianamente difensori della “forma della città”, sono agitati da un moto armonico che reagisce ad una perturbazione dell’equilibrio con una accelerazione di richiamo proporzionale allo spostamento subìto, come oggetti ancorati ad una molla. I due seguono traiettorie indefinibili che li fanno avanzare e poi li costringono sempre a tornare sui loro passi. Sutton li segue con la macchina da presa in queste loro lunghe camminate, a volte dalle spalle, a volte attraverso carrelli laterali che ricordano quelli che accompagnavano le passeggiate di Eszter Balint in Stranger Than Paradise di Jim Jarmusch.

La dilatazione dei tempi narrativi

Sutton, al solito, dilata i ritmi del racconto, si emancipa dalla necessità dei dialoghi (come il precedente Dark Knight, anche questo sarebbe ugualmente comprensibile senza di essi) e fa della stilizzazione estrema la sua cifra stilistica. La differenza tra le classi subalterne (gramscianamente “marginali” e mai “fondamentali”, non essendo in grado di competere per l’egemonia) e quelle dominanti sta nel modo in cui si affrontano le cose. Infatti se i due personaggi principali parlano pochissimo e sono mossi da emozioni e pulsioni istintive, che non possono essere spiegate, i ricchi imprenditori che vogliono occupare gli spazi in cui questi si muovono parlano tantissimo e spiegano i loro piani attraverso lunghi monologhi o estenuanti conversazioni.

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