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Recensioni

Sister Act, il brillante musical con Belia Martin e Suor Cristina al Teatro Brancaccio

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Il 10 dicembre ha debuttato al Teatro Brancaccio uno dei musical più amati di sempre: Sister Act. Diretto da Saverio Marconi e interpretato da Belia Martin, Pino Strabioli, Claudia Campolongo, Elisabetta Tulli, Francesca Taverni e Suor Cristina, Sister Act arrangia in chiave moderna l’omonimo film con Whoopi Goldberg e Maggie Smith del 1992. Deloris Van Cartier (Belia Martin) è una cantante di night club che, dopo aver assistito involontariamente ad un omicidio, viene inserita in un programma di protezione testimoni a dir poco alternativo. L’irriverente e incontrollabile Deloris deve infatti rimanere nascosta sotto le mentite spoglie di Suor Maria Claretta nel convento di St. Katherine. La vita monastica ovviamente non si addice alla donna che, ribellandosi alle rigide regole della Madre Superiora (Francesca Taverni), viene costretta a gestire lo stonatissimo coro del convento. Ma Suor Maria Claretta e il suo incontrollabile talento travolgeranno la chiesa con un vortice di ironia, emozioni e tanta buona musica.

sister act centro

Adattare un cult dei musical come Sister Act non era assolutamente facile, eppure Saverio Marconi è riuscito nell’impresa. Caratterizzato da venticinque brani composti da Alan Menken, l’autore di grandi colonne sonore come La bella e la bestia, Aladdin e La sirenetta, e da una protagonista carismatica e divertente come Belia Martin, Sister Act è una brillante opera che non deluderà i fan del cult con Whoopi Goldberg. Il ritmo serrato, le scenografie suggestive, i costumi incredibili e le coreografie semplici e allo stesso tempo efficaci sono i punti di forza di uno show che, nonostante la durata più che considerevole, convince dal primo all’ultimo minuto. Il merito è ovviamente in gran parte di Belia Martin che con il suo irresistibile accento, la sua notevole verve comica e la capacità di affrontare con disinvoltura brani pop, gospel e rnb regala una performance fuori dal comune. Ma non è tutto. Se Francesca Taverni interpreta una Madre Superiora sospesa tra le classicità liriche dei canti monastici e lo spirito rock di alcuni dei brani di Menken, l’ormai celebre Suor Cristina di The Voice sorprende più volte il pubblico con la sua notevole estensione vocale. Le uniche pecche di questo musical sono probabilmente la totale estraneità delle canzoni rispetto alla soundtrack originale del film e un pizzico di caoticità nel secondo atto; ma sono piccoli errori di uno show originale e divertente che regala allo spettatore un’esperienza degna di Broadway.

Sister Act è in scena al Teatro Brancaccio dal 10 dicembre 2015 al 24 gennaio 2016.

Per info e biglietti: www.teatrobrancaccio.it

Segnato da un amore incondizionato per la settima arte, cresciuto a pane e cinema e sopravvissuto ai Festival Internazionali di Venezia, Berlino e Cannes. Sono sufficienti poche parole per classificare il mio lavoro, diviso tra l’attenta redazione di approfondimenti su cinema, tv e musica e interviste a grandi personalità come Robert Downey Jr., Hugh Laurie, Tom Hiddleston e tanti altri.

Recensioni

I nostri fantasmi | In sala il gioiello delle Giornate degli Autori

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i nostri fantasmi

In sala dal 30 settembre 2021, I nostri fantasmi è un esempio e un segnale di quanto il nuovo cinema italiano sappia emozionare e raccontare storie, anche semplici, ma con tocchi originali e freschi. Distribuito da Fenix Entertainment ed Europictures, è stato presentato alle Giornate degli Autori, durante la 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

I nostri fantasmi | La trama

Valerio (Michele Riondino) aveva una moglie, un lavoro e una casa. Quando però la prima scompare, non ci mette molto a perdere gli altri due. E, con essi, anche se stesso. Deciso a non rovinare l’esistenza del figlio Carlo (Orlando Forte), 6 anni, decide di iniziare un gioco.

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Dal sottotetto in cui abitano, rispettando poche ferree regole, Valerio e Carlo spaventano tutti gli inquilini-“invasori” che entrano nella loro ex casa, che rappresenta ovviamente il premio finale. Il giorno in cui però a varcare la soglia sono Myriam (Hadas Yaron) e la piccola Emma, le cose cambiano.

Michele Riondino e Orlando Forte in una scena del film

L’incontro tra i due adulti, vittime dei casi tragici della vita, permetterà a entrambi di percepire uno spiraglio di luce nelle rispettive solitudini. Solo affrontando i propri fantasmi potranno avere una seconda possibilità, ma la strada è costellata di ostacoli.

Un piccolo gioiello di cinema indipendente

Dopo la brillante prova di In viaggio con Adele, Alessandro Capitani torna dietro la macchina da presa e realizza un altro piccolo gioiello. Il cinema indipendente sembra reclamare a gran voce la pellicola, che alterna bene dramma, commedia e romanticismo.

Michele Riondino e Orlando Forte in una scena del film

Forte delle splendide prove attoriali – il piccolo Forte, alla sua prima apparizione sul grande schermo, è semplicemente perfetto – e dell’eccezionale lavoro fatto sulla colonna sonora – tre canzoni con una carica energica impressionante ad arricchire le delicate note di Michele BragaI nostri fantasmi convince ed emoziona. Ne sono in qualche modo “responsabili” i numerosi rimandi, sparsi qui e là, a opere di grande valore quali per esempio La vita è bella o Jojo Rabbit.

I nostri fantasmi | Tematiche importanti e simbologie efficaci

Al centro della storia si trovano importanti spunti di riflessione, quali il rapporto genitori-figli, la precarietà, la violenza domestica, il passato con le sue ferite, la ricerca di una casa. Capitani firma, a sei mani con Giuditta Avossa e Francesca Scialanca, una sceneggiatura ricca ma non pretenziosa, lineare eppure condita da particolari che le donano unicità.

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Le suggestioni dell’horror si insinuano nella narrazione, reglando una simbologia tanto semplice quanto efficace: ogni volta che scoppia un temporale, si palesa un “fantasma” dei protagonisti. La necessità di affrontarli si fa urgente, ne va della propria sopravvivenza (e non solo).

Ecco perché l’incontro tra Myriam e Valerio si rivela così importante, spingendoli in una direzione che prima contemplavano ma non avevano il coraggio di seguire. Al tempo stesso saranno sempre loro a ispirare il personaggio di Alessandro Haber, il classico vicino impiccione e scorbutico.

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Festival di Venezia

Venezia 78: Old Henry è un western vecchio stile su uno dei grandi miti

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old henry

Scelto tra i titoli fuori concorso, nella Selezione Ufficiale della 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Old Henry è uno di quei western vecchio stile, che non smettono mai di affascinare e ispirare.

Old Henry | La trama

Henry (Tim Blake Nelson) è un agricoltore che apprezza la vita nella quiete del suo ranch e non disdegna la fatica necessaria a mandarlo avanti. Rimasto vedovo e aiutato dal cognato, ha un figlio adolescente, Wyatt (Gavin Lewis), che invece sogna l’avventura e l’azione.

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Un giorno, la monotonia dei due viene interrotta dall’arrivo di un cavallo sellato ma senza padrone. Rinvenendo delle tracce di sangue, Henry decide di cercare l’uomo a cui appartiene l’animale. Curry (Scott Haze) è ferito e in fin di vita, ma il caso vuole che Henry e il figlio si prendano cura di lui.

Spinto da una sorta di umanità conquistata col tempo, e probabilmente anche dalla volontà di tenere la sacca di denaro di Curry per sè, il protagonista proteggerà il giovane, mettendo a rischio più di quanto vorrebbe. Ma nel momento in cui sarà costretto a impugnare di nuovo un’arma, la sua furia non avrà eguali.

Un western d’altri tempi che somiglia a una parabola

La pellicola, scritta e diretta da Potsy Ponciroli, possiede il respiro e l’epicità dei western di un tempo. L’atmosfera di Old Henry è sicuramente tra gli elementi più importanti, che coinvolgono il pubblico e lo immergono all’interno della storia. Come in una vera e propria parabola, il protagonista compie un percorso, arrivando a interpretare un ruolo legato al suo passato ma bandito dal suo presente.

Stephen Dorff in una scena del film

Le azioni che lo hanno condotto a imboccare una strada fatta di tranquillità, lontano dal caos e dalla violenza delle città di frontiera, sono rimaste in attesa. Basta una singola scintilla a riportare in luce quell’animosità, quell’istinto infallibile e implacabile. Ovviamente, trattandosi di un padre, non puà che riguardare la salvezza del figlio.

Old Henry | Tra miti e scontri generazionali

Dal rapporto tra quest’ultimo e il genitore viene fuori tutta una serie di suggestioni, che in qualche modo mettono in luce le differenze generazionali, oltre che i caratteri e le personalità inevitabilmente condizionate dal contesto. I due uomini sono simili sotto molteplici punti di vista, eppure l’esperienza vissuta li conduce spesso su un terreno di competizione.

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Se reali (e realistiche) sono le emozioni chiamate in causa via via che la narrazione prosegue, altrettanto lo sono le gesta e le reazioni dei personaggi, verso un crescendo forse inaspettato ma decisamente eccezionale. Old Henry gioca (e rischia) con i topoi del western – alcuni dei quali tanto delicati quanto cruciali – riuscendo a riproporre il genere al suo massimo splendore.

Parte del merito si deve alle incredibili performance attoriali, e ai contributi tecnici ineccepibili: la fotografia a cura di John Matysiak, le musiche di Jordan Lehning, la scelta delle location e la resa scenografica delle suddette.

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Cinema

The Last Duel | un film politico e programmatico con una eccezionale prova di Jodie Comer

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Fedele al suo titolo nella funzione e nella forma, The Last Duel è un film in costante contrasto con se stesso: il sontuoso dramma storico di Ridley Scott offre 152 minuti di tensione dialettica, un lunghissimo tira e molla tra l’epica sincera e la sua revisione ammiccante. Che ci sia un duello lo sappiamo dall’inizio. Lo sappiamo dal titolo, da tutta la promozione e dall’eco del primo film di Ridley Scott (I Duellanti) che risuona ovviamente in questo quarantaquattro anni dopo. Ed è proprio il duello tra Matt Damon e Adam Driver che apre il film, prima dei lunghissimi flashback che spiegheranno le ragioni per cui si è arrivati a quello showdown finale.

Lungo tutta la storia, lo spettatore sa benissimo che tanto alla fine si arriverà ad un duello, lo aspetta ma allo stesso tempo capisce che il vero interesse del film non è lì. Ridley Scott gioca con le attese dello spettatore, soprattutto quello maschile – che non vede l’ora di assistere alla resa dei conti finale tra due guerrieri (maschi) – per raccontargli nel frattempo una storia che riguarda la violenza subita da una donna e le conseguenze di quel trauma su di lei, accusando quella mentalità (solo medievale?) che considera la violenza sul corpo femminile un affronto alla vanità del maschio e lo stupro un crimine contro il legittimo patrimonio di un marito.

Attraverso scene brevi e ampie ellissi vediamo in cinque anni come si è sviluppata (e deteriorata) l’amicizia tra Jean de Carrouges (Matt Damon) e Jacques Le Gris (Adam Driver), i due sfidanti dell’ultimo duello legalmente autorizzato in Francia: prima commilitoni e poi nemici. Motivo di questa rivalità è soprattutto una donna, sposa (ovviamente non per libera scelta) del primo e oggetto del desiderio del secondo. Il film ripropone la stessa vicenda tre volte: prima attraverso lo sguardo di Jean de Carrouges, poi attraverso quello di Le Gris e infine attraverso quello di Marguerite (Jodie Comer).

Se nelle prime due versioni si ripropone uno schema “classico” (ormai vecchio) del cinema americano in costume, in cui due uomini sono al centro di tutto e la questione della violenza sessuale di uno sulla moglie dell’altro è un affare loro, che incide sul loro onore e che devono risolvere necessariamente tra uomini, nella terza versione capiamo la reale intenzione degli sceneggiatori (Matt Damon, Ben Affleck e Nicole Holofcener), cioè farci capire come quel modo di raccontare sia superato e ormai inaccettabile. La terza versione è infatti quella di lei (presentata come la sola attendibile fin dal nome del capitolo che la introduce), quella di una donna devastata dagli eventi narrati, che fino a quel punto sembravano riguardarla come fosse un oggetto.

Pur nella sua rigida e ostentata programmaticità, The Last Duel riesce a dimostrare la propria tesi (chiara fin dall’inizio, scontata e ovviamente inattaccabile) attraverso la prova attoriale di Jodie Comer, bravissima nell’utilizzare espressioni e movenze per suggerire una diversa presenza emotiva nelle tre sequenze che compongono il film (e per rappresentare visivamente la percezione sbagliata che del suo stato d’animo hanno i personaggi maschili). La più grande differenza tra le diverse narrazioni (maschili e femminile) emerge nel modo di recitare di lei: nella scena chiave dello stupro, proposta due volte, prima dal punto di vista dell’assalitore e successivamente dal punto di vista della vittima, è Jodie Comer, attraverso il movimento del proprio corpo, a trovare quell’incredibile dettaglio che il carnefice può strumentalmente usare per giustificare la violenza, appellandosi ad una esitante condiscendenza espressa attraverso un gioco di reciproci inseguimenti (che ovviamente non è davvero tale).

La regia di Ridley Scott, infine, riesce ad evitare che l’atteso duello finale diventi un modo per compiacere lo spettatore che aspettava solo lo spargimento di sangue, il compimento della vendetta, ma trasforma la battaglia in un ulteriore supplizio ai danni della donna, che osserva i due uomini combattere dall’alto di una palafitta di legno (un rogo preventivo) che la tiene sempre in campo, visibile agli occhi di chi guarda.

The Last Duel | un film politico e programmatico con una eccezionale prova di Jodie Comer
3.8 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora
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