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Venezia 69: To The Wonder, la conferenza stampa

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Si è tenuta alla 69 edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia la conferenza stampa di uno dei film più attesi dell’anno: To The Wonder. Diretto da Terrence Malick e interpretato da Ben Affleck, Rachel McAdams, Olga Kurylenko, Javier Bardem e Romina Mondello, To The Wonder racconta la travagliata storia d’amore di Neil (Ben Affleck) e Marina (Olga Kurylenko), una giovane coppia che decide di trasferirsi dalla Francia in America per iniziare una nuova vita. Giunti in Oklahoma i due lasceranno spazio ai problemi della quotidianità, uniti ad un amore sempre più debole e al terribile spettro della apatia e del tradimento. Potete trovare qui sotto le domande poste dalla stampa internazionale ai produttori Sarah Green e Nicolas Gonda e alle interpreti Olga Kurylenko e Romina Mondello.


Perché non sono venuti a presentare il film Javier Bardem e Ben Affleck?

Nicolas Gonda: Volevano essere qui ma erano entrambi impegnati in altri progetti.

Questo film sembra trattare l’amore precario, ma la frase finale risulta in un certo senso contraddittoria indicando un amore eterno. Perché questa scelta?

Sarah Green: Non c’è una contraddizione in questo, l’amore è l’emozione più misteriosa di tutto. Questa è la storia di due persone che si amano ma che non riescono più a vivere insieme. Tutti possono capire il film in modo diverso ma il senso fondamentale è che vivono meglio separati.

Olga Kurylenko: La gente si separa per molti motivi e non è mai detto che quando accade voglia dire che l’amore sia finito. L’amore è eterno. So che lei lo amerà fino alla morte. Il rapporto tra i due protagonisti è una relazione tra due persone che non riescono a vivere insieme. Per questo si lasciano. Eppure anche dopo la separazione molte volte si rendono conto che si amano ancora. Ciò che ci porta avanti è l’amore, non la quotidianità della vita. Certe volte l’amore può conquistare e vincere tutto. In questo caso però ciò non accade.

Ci sono molti dettagli che non vengono specificati nel film, perché?

Olga Kurylenko: I film di Terry sono molto visivi, tutto arriva attraverso l’immagine e quello che ci ha detto come attori è di lasciar perdere le parole. Mi ha convinto che il silenzio molto spesso è più forte delle parole. Terry riesce a raccontare la storia attraverso le emozioni del corpo, degli occhi senza alcun bisogno di utilizzare i dialoghi tra i protagonisti.

Quanta libertà avete avuto sul set?

Romina Mondello: La cosa bella di lavorare con Terrence è la generosa libertà che da ai suoi attori. È un regista molto attento, a volte descritto come maniacale, un uomo profondo che ama scavare nell’anima, una persona leggera. Sicuramente i suoi film sono opere dotate di immagini meravigliose in cui il corpo e la parola hanno la stessa importanza. Sono in imbarazzo nel dover parlare del film perché non ho ancora avuto la possibilità di vederlo.

Olga Kurylenko: Sono sempre stata una grande fan di Malick. Durante l’audizione è entrato con tranquillità e mi ha lasciato grande libertà di espressione. Da quel momento in poi ho sentito una connessione con lui, una sorta di telepatia. Non doveva guidarmi o parlarmi molto sul set, sapevo esattamente cosa voleva. È un po’ un veggente, una persona profonda che si occupa degli attori con i quali lavora. Ha una sensibilità e intelligenza unica.

Malick ha chiesto a Ben Affleck di leggere Dostoevskij, a voi ha raccomandato qualche ricerca in particolare?


Olga Kurylenko: Si certo ho dovuto leggere i fratelli Karamazov, L’idiota e Anna Karenina, 3 grandi opere della letteratura russa. È stato bello tornare a quei libri con una maggiore profondità e consapevolezza. Questi libri dovrebbero essere letti ogni dieci anni da tutti.
Romina Mondello: Sono arrivata in Oklahoma dopo i provini che avevo fatto in Italia e l’incontro con Terry a Austin. Malick mi ha chiesto se ero d’accordo con il nome del mio personaggio e la cosa più sorprendente è che ho ritrovato delle caratteristiche di me in Anna, delle cose profonde. Come poteva conoscermi così bene avendo trascorso così poco tempo insieme. Poi ho ricevuto un copione con una descrizione accurata della mia Anna, di come si muove, di come si comporta, del suo rapporto con la vita stessa. Questo personaggio è entrato dentro di me. Sul set mi sono sentita libera di interpretare il personaggio che mi aveva regalato.

Olga Kurylenko: La voce fuori campo è in francese perché Malick cercava originariamente un attrice francese. Io vivo e sono cittadina francese e credo sia questo il motivo per cui ha scelto me. Ha adeguato poi il testo scrivendo che il mio personaggio è nato in Ucraina.

Classe 1988, nato con l'idea del cinema come momento magico, cresciuto con la prassi di vedere (almeno) un film a sera, abituato a digerire qualsiasi tipo di opera (commedia, splatter, dramma, horror) sin dai primissimi anni di età, propenso a scavare nei meandri più nascosti per trovare sconosciute opere horror da torcersi le budella... appassionato, commerciale, anti-commerciale, romantico, seriofilo, burtoniano...disponibile davanti e dietro le quinte e disposto per tutti voi ad intervistare le più grandi celebrità italiane e internazionali... questo è Carlo Andriani ovvero: IO.

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Cinema

TFF 37: un nuovo spazio tematico nella sezione TFFdoc

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Il 37° Torino Film Festival (22-30 novembre) annuncia un nuovo spazio tematico nella sezione TFFdoc dal titolo “L’unica cosa che ho è la bellezza del mondo”, composto da quattro documentari e dalla conversazione con lo scrittore e filosofo Franco “Bifo” Berardi.

Si tratta di un’ulteriore riflessione rispetto a quanto affrontato lo scorso anno nel focus TFFdoc/apocalisse: in questo periodo connotato dall’attesa della catastrofe e angosciato dall’ urgenza di evitarla, TFFdoc ha deciso di concedersi il tempo di fermarsi a contemplare ciò che abbiamo intorno, di godere del piacere dello stare nel mondo.

“L’esaurimento non concerne solo le risorse fisiche ma anche l’energia nervosa della popolazione il cui cervello tende all’ esplosione psicotica” (Franco “Bifo” Berardi, L’esaurimento, Nero Magazine, 2019); noi riteniamo che la bellezza, sottraendoci alla logica dell’accumulo, ci possa salvare.

Incontro con Franco “Bifo” Berardi 

Franco “Bifo” Berardi, l’autore di Dopo il futuro. Dal futurismo al cyberpunk (2013), Il secondo avvento. Astrazione apocalisse comunismo (2018), e Futurabilità (2019), terrà un incontro abbinato alla proiezione del documentario di Christian LabhartPassion – Beetwen Revolt and Resignation, con l’obiettivo di guidare lo spettatore e aiutarlo a orientarsi nella follia del mondo contemporaneo, travolto dal global warming, dal consumo eccessivo di merci, dalle continue guerre “locali” e dalle migrazioni senza sosta, che provocano le diseguaglianze globali.

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Comme si, comm ça diretto da Marie-Claude Treilhou

Nel suo studio pieno di libri Michel Deguy, uno dei più grandi poeti viventi, continua senza tregua a lanciare sfide, a inventare un pensiero critico, a plasmare e trasformare il linguaggio. Adottando la stessa compostezza formale del poeta, il documentario si pone un obiettivo ambizioso: a partire da una conversazione frontale immergersi nel profondo della scrittura poetica, nel vivo del suo pensiero “ecopoeticologico”.

Time and Tide diretto da Marleen Van Der Werf

La quiete della natura. Il piacere dello stare nel mondo. La macchina da presa segue i movimenti del vento che accarezza un paesaggio che diviene emotivo.

Últimas Ondas diretto da Emmanuel Piton

Da qualche parte nel nord della Spagna. Un viaggio psicologico e geografico in quei luoghi che sono tornati selvaggi, un’elegia degli esseri che li hanno segnati con il loro passaggio. Un film di fantasmi che raccontano storie di un tempo che non c’è più.

L’ultimu sognu diretto da Lisa Reboulleau

Nel cuore della foresta corsa, nel centro dell’isola, una donna vaga di notte. Le sue partite di caccia sono oniriche e negli occhi delle bestie che uccide le viene rivelato il futuro funesto degli abitanti del suo villaggio. Lei è una mazzera.

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Cinema

RomaFF14: Judy, una toccante Renée Zellweger è Judy Garland nel biopic di Rupert Goold

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judy recensione

A soli tredici anni Frances Ethel Gumm, poi in arte Judy Garland, viene messa sotto contratto dalla MGM e lanciata verso quella che dovrebbe essere una brillante carriera costellata di successi. E i successi arriveranno, in primis quel Mago di Oz che la condurrà attraverso il sentiero dorato e poi sotto i riflettori del successo, ma arriveranno di pari passo anche i tanti fallimenti e momenti bui, a connotare un’esistenza che finirà di brillare precocemente a soli 47 anni.

judy film

Rupert Goold, regista inglese specializzato in teatro, adatta per il grande schermo il dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, e cuce addosso a un’ottima Renée Zellweger i panni “striminziti” di una stella del cinema hollywoodiano “nata in un baule, nelle quinte di un teatrino di provincia”, e schiacciata dalle regole e dai paradossi del suo stesso successo. Raccontando l’ultima tournee della diva nel night club londinese Talk of the Town, Goold tratteggia la stella, il talento, la voce luminosa, ma anche tutte le ansie, le dipendenze, le depressioni sperimentate a ciclo continuo dall’attrice statunitense. Nel mondo patinato dello spettacolo e sotto le luci di proscenio, Judy racconta i risvolti tragici della storia di una bambina cresciuta troppo in fretta, svezzata a regole ferree e pillole (per spezzare la fame, dormire, tranquillizzarsi – dipendenze poi mai del tutto abbandonate) divenuta una giovane diva osannata ma letteralmente sbranata dai propri demoni interiori e dalla sofferenza. Una sofferenza a cui nemmeno l’amore viscerale per i figli o per l’ultimo marito Micky Deans riuscirà a strapparla. 

Curiosità: Tutti i volti di Londra al cinema

Renée Zellweger si cala a pieno regime, con trasporto e partecipazione espressiva ed emotiva nella bravura così come nei tic e nel male di vivere della celebre interprete di Dorothy, e ne porta alla luce tutti i tratti salienti di quella profonda insicurezza e senso di smarrimento che ne sanciranno poi l’uscita di scena e la precoce scomparsa. Sempre più dipendente da alcol e pillole, meno affidabile e assicurabile, e dunque spendibile per il mercato del crudele e impietoso showbiz, la minuta Judy pagherà a proprie spese il conto di quel mondo luccicante che non ammette fragilità, tentennamenti, diversità, e che è pronto a darti il benservito tra uno spettacolo e l’altro.

Renee Zellweger Judy

Renee Zellweger in Judy

Goold dal canto suo dirige con sensibilità e trasporto, sfruttando l’alternanza di tempi storici che tra ’39 e ’69 sanciscono inizio e fine di questa vita drammatica, il dettaglio (la vita privata) e la panoramica (la vita pubblica) di un’eroina bella e fragile, avvolta dalle spire del successo e rimasta molto probabilmente impigliata in quella ricerca del sogno e di quel luogo magico, oltre l’arcobaleno, dove i sogni riescono in qualche modo anche a diventare realtà (senza che la realtà torni poi a spezzarli) “Somewhere over the rainbow Way up high And the dreams that you dream of Once in a lullaby”. 

Lo sapevi che: Il Mago di Oz diventa un film horror

Nell’adattamento per il grande schermo del dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, Rupert Goold dirige un’ottima Renée Zellweger in Judy, che racconta l’ultima tournee di Judy Garland attraverso luci e ombre di un talento precocemente spezzato dalla malia controversa del successo. Un biopic onesto che ripercorre il sentiero di un’esistenza tragica senza insistere nel pietismo o nel sentimentalismo, ma cercando piuttosto di disegnare il complesso ritratto di bambina, e poi donna, nascosti dietro al volto inquieto della diva.

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Cinema

RomaFF14: Honey Boy, l’infanzia traumatica di Shia LaBeouf

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Otis (interpretato dai bravi Noah Jupe nella versione bambina e Lucas Hedges in quella adulta) è un dodicenne prodigio, un talento indiscusso sui set, ma anche un Honey Boy (dolce bambino) come lo chiama il padre alcolista e tossicodipendente (interpretato da Shia LaBeouf) che gli fa da accompagno e “manager”. Padre e figlio vivono in un comprensorio popolare circondati da prostitute e gente che, proprio come loro, vive alla giornata e si ritrova sempre nello stesso cortile.

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Honey Boy

Divenuto adulto e alle prese con un’avviata carriera da stuntman ma una vita sempre più scombinata, Otis ripercorrerà mentalmente l’infanzia turbata e disturbante vissuta accanto a quel padre problematico e incapace di fare il genitore, e proiettata tutta nel sogno di sfondare mettendo a frutto il suo talento per riscattare quella vita ai margini e anche in qualche modo l’esistenza di quel padre sgregolato e “bambinesco” ma in fondo buono. Cresciuto troppo in fretta e costretto nel paradosso a fare da genitore al proprio padre (sostenendolo anche economicamente con il suo lavoro sul set) Otis è bambino di grande sensibilità e talento che incanalerà nella sua vita adulta tutte le intemperie e le fratture di quell’infanzia, caratterizzata dalla mancanza di punti di riferimento adulti e affidabili, e dalla mancanza di una famiglia unita e di amorevole supporto. 

Storia di formazione autobiografica scritta dallo stesso attore Shia LaBeouf durante un periodo di in clinica per disintossicarsi dall’alcol, Honey Boy è una dura storia di precoci talenti e infanzie spezzate che trova in Shia LaBeouf (estremamente in parte nei panni del padre) e nel piccolo Otis (sguardo a un tempo dolce e sveglio)  il giusto confronto emotivo per parlare in maniera toccante ma non retorica, coinvolgente ma non ricattatoria di famiglie disfunzionali e rapporti padre-figlio burrascosi. Una tematica già ampiamente affrontata nel cinema (più o meno indipendente) ma che nell’occhio dell’esordiente regista israelo-americana Alma Har’el (già autrice di video musicali e documentari) lo sguardo giusto e il giusto equilibrio tra partecipazione e oggettività per indagare il cuore di quelle mancanze che creano dipendenze, e di quei circoli esistenziali viziosi che più si originano precocemente e più sono – in assoluto – difficili da spezzare.

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Lucas Hedges nel film Honey Boy

Alma Har’el realizza un’opera intima e a suo modo toccante che parla di metabolizzazione del dolore, di imparare a lasciar andare il rancore, e di quel “seme che deve distruggersi per diventare fiore”. Un film piccolo ma onesto che ha tutte gli elementi del film indipendente di qualità e che poggia gran parte del suo carattere emotivo sull’interpretazione funzionale di Shia LaBeouf e del piccolo Noah Jupe.

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