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Venezia 69: To The Wonder, la conferenza stampa

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Venezia 69: To The Wonder, la conferenza stampa

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Si è tenuta alla 69 edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia la conferenza stampa di uno dei film più attesi dell’anno: To The Wonder. Diretto da Terrence Malick e interpretato da Ben Affleck, Rachel McAdams, Olga Kurylenko, Javier Bardem e Romina Mondello, To The Wonder racconta la travagliata storia d’amore di Neil (Ben Affleck) e Marina (Olga Kurylenko), una giovane coppia che decide di trasferirsi dalla Francia in America per iniziare una nuova vita. Giunti in Oklahoma i due lasceranno spazio ai problemi della quotidianità, uniti ad un amore sempre più debole e al terribile spettro della apatia e del tradimento. Potete trovare qui sotto le domande poste dalla stampa internazionale ai produttori Sarah Green e Nicolas Gonda e alle interpreti Olga Kurylenko e Romina Mondello.


Perché non sono venuti a presentare il film Javier Bardem e Ben Affleck?

Nicolas Gonda: Volevano essere qui ma erano entrambi impegnati in altri progetti.

Questo film sembra trattare l’amore precario, ma la frase finale risulta in un certo senso contraddittoria indicando un amore eterno. Perché questa scelta?

Sarah Green: Non c’è una contraddizione in questo, l’amore è l’emozione più misteriosa di tutto. Questa è la storia di due persone che si amano ma che non riescono più a vivere insieme. Tutti possono capire il film in modo diverso ma il senso fondamentale è che vivono meglio separati.

Olga Kurylenko: La gente si separa per molti motivi e non è mai detto che quando accade voglia dire che l’amore sia finito. L’amore è eterno. So che lei lo amerà fino alla morte. Il rapporto tra i due protagonisti è una relazione tra due persone che non riescono a vivere insieme. Per questo si lasciano. Eppure anche dopo la separazione molte volte si rendono conto che si amano ancora. Ciò che ci porta avanti è l’amore, non la quotidianità della vita. Certe volte l’amore può conquistare e vincere tutto. In questo caso però ciò non accade.

Ci sono molti dettagli che non vengono specificati nel film, perché?

Olga Kurylenko: I film di Terry sono molto visivi, tutto arriva attraverso l’immagine e quello che ci ha detto come attori è di lasciar perdere le parole. Mi ha convinto che il silenzio molto spesso è più forte delle parole. Terry riesce a raccontare la storia attraverso le emozioni del corpo, degli occhi senza alcun bisogno di utilizzare i dialoghi tra i protagonisti.

Quanta libertà avete avuto sul set?

Romina Mondello: La cosa bella di lavorare con Terrence è la generosa libertà che da ai suoi attori. È un regista molto attento, a volte descritto come maniacale, un uomo profondo che ama scavare nell’anima, una persona leggera. Sicuramente i suoi film sono opere dotate di immagini meravigliose in cui il corpo e la parola hanno la stessa importanza. Sono in imbarazzo nel dover parlare del film perché non ho ancora avuto la possibilità di vederlo.

Olga Kurylenko: Sono sempre stata una grande fan di Malick. Durante l’audizione è entrato con tranquillità e mi ha lasciato grande libertà di espressione. Da quel momento in poi ho sentito una connessione con lui, una sorta di telepatia. Non doveva guidarmi o parlarmi molto sul set, sapevo esattamente cosa voleva. È un po’ un veggente, una persona profonda che si occupa degli attori con i quali lavora. Ha una sensibilità e intelligenza unica.

Malick ha chiesto a Ben Affleck di leggere Dostoevskij, a voi ha raccomandato qualche ricerca in particolare?


Olga Kurylenko: Si certo ho dovuto leggere i fratelli Karamazov, L’idiota e Anna Karenina, 3 grandi opere della letteratura russa. È stato bello tornare a quei libri con una maggiore profondità e consapevolezza. Questi libri dovrebbero essere letti ogni dieci anni da tutti.
Romina Mondello: Sono arrivata in Oklahoma dopo i provini che avevo fatto in Italia e l’incontro con Terry a Austin. Malick mi ha chiesto se ero d’accordo con il nome del mio personaggio e la cosa più sorprendente è che ho ritrovato delle caratteristiche di me in Anna, delle cose profonde. Come poteva conoscermi così bene avendo trascorso così poco tempo insieme. Poi ho ricevuto un copione con una descrizione accurata della mia Anna, di come si muove, di come si comporta, del suo rapporto con la vita stessa. Questo personaggio è entrato dentro di me. Sul set mi sono sentita libera di interpretare il personaggio che mi aveva regalato.

Olga Kurylenko: La voce fuori campo è in francese perché Malick cercava originariamente un attrice francese. Io vivo e sono cittadina francese e credo sia questo il motivo per cui ha scelto me. Ha adeguato poi il testo scrivendo che il mio personaggio è nato in Ucraina.

Segnato da un amore incondizionato per la settima arte, cresciuto a pane e cinema e sopravvissuto ai Festival Internazionali di Venezia, Berlino e Cannes. Sono sufficienti poche parole per classificare il mio lavoro, diviso tra l’attenta redazione di approfondimenti su cinema, tv e musica e interviste a grandi personalità come Robert Downey Jr., Hugh Laurie, Tom Hiddleston e tanti altri.

Cinema

TFF 38: Fried Barry, la recensione del delirante film di Ryan Kruger

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Diretto, prodotto e sceneggiato da Ryan Kruger, approda al Torino Film Festival edizione n.38, una  commedia fantascientifica intitolata Fried Barry. Il Sud Africa è il paese d’origine e Gary Green il suo protagonista.

Un uomo tossicodipendente e già di suo alquanto svalvolato, almeno all’apparenza, un giorno di punto in bianco viene scelto  dagli extraterrestri come cavia. L’alieno dentro di lui vuole provare dunque ogni tipo di esperienza umana e così come un’ameba l’uomo/alieno inizia a muoversi per inerzia in giro per la città, facendo ogni cosa e lasciandosi trasportare dagli eventi senza capacità di giudizio, finchè l’ospite avrà finito con questo inutile involucro.

Un film assurdo, con poca possibilità di percezione positiva. Tutta colpa o merito (dipende dal personale gradimento) di Ryan Kruger, visto il suo coinvolgimento nell’opera, avendo ricoperto i ruoli di regista, produttore e sceneggiatore. La scrittura come la messa in scena, peccano di banalità e troppo semplicismo; al nostro protagonista succedono cose davvero incredibili, ma non per spettacolarità quanto più per scadente plausibilità, come se ad ogni angolo della strada ci fosse qualcuno che aspetta proprio lui, per fare sesso o regalargli droghe o chissà cos’altro.

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Situazioni impensabili, personaggi strambi e poca cura per le performance attoriali come per il realismo delle azioni che compiono, con errori riconducibili ad un principiante alle prime armi.
Una nota positiva risiede invece nella fotografia, contraddistinta da un tono quasi finto patinato, mediante un uso accurato di luci e colori, che senz’altro esaltano il film perlomeno visivamente. 

Se si volesse provare a fare una sovralettura con l’intento di trovare un significato recondito e strettamente ispirato, si potrebbe parlare del corpo umano come semplice involucro, che viaggia parallelamente all’animo, all’essenza, a ciò che costituisce la coscienza e la volontà di agire.
Oltre a questo, noi umani abbiamo anche limiti dettati dalla nostra fragilità e dall’essere mortali, che gli alieni (almeno quelli di questo film) non sembrano avere. Pertanto da un lato ci si trova di fronte a limiti fisici, dall’altro ad emozioni che invece sono solo nostre, come l’amore, che per un alieno provare potrebbe voler dire godere di autenticità, un potere sconsiderato ed inaspettato agli occhi di un essere superiore.

Sicuramente il protagonista ha un impatto visivo peculiare, sottolineato da questo sguardo sempre allucinato che vanta una valenza macchiettistica, anche forte dell’aspetto fisico stesso dell’attore Gary Green. Detto questo, credo di aver voluto cercare un qualche messaggio un po’ troppo sofisticato per un prodotto delirante che si rivela essere caratterizzato da un potenziale interessante, ma realizzato davvero male, che non credo rimarrà nell’immaginario comune o meglio ci resterà saldo, ma per essere d’esempio quando ci si riferirà a prodotti di qualità infinitamente bassa.

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Cinema

TFF 38: Regina, la recensione del film

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Direttamente dal 38° Torino Film Festival arriva un dramma tutto nostrano, Regina, diretto da Alessandro Grande e interpretato tra gli altri da Francesco Montanari e Ginevra Francesconi.

Una ragazzina piena di sogni e speranze vive sola col padre dopo la prematura perdita della madre. Il loro è un forte legame, ma tutto si rompe apparentemente quando i due un giorno diventano protagonisti di una situazione più grande di loro, inaspettata. E’ qui dunque che il sogno di fare la cantante, sostenuto dal padre che a sua volta ha dovuto abbandonare il suo di musicista per crescere la figlia, si infrange, perchè non coincide con una confusione mentale ed emotiva, difficile da superare.

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Regina, un dramma realistico ed emozionante


Un film breve, di soli 82”, che racconta una storia complessa, non tanto nella trama quanto nella dinamica dei sentimenti, talmente delicati e intimi da essere difficili da trasmettere appieno agli occhi di chi osserva. Un dramma che sa di vero, intenso, che riesce ad infondere profondità tramite una storia pervasa di denso spessore. Una vita già distrutta da un evento drammatico che non ci viene mostrato ma solo suggerito, va poi incancrenendosi finendo in frantumi grazie al secondo avvenimento, il quale rompe l’equilibrio che i due protagonisti stavano cercando di ricostruire insieme.

L’ ennesima batosta di una famiglia spinta a sopportare e subire invece che scegliere, cercando di andare avanti, ma sporcata di menzogne e falsità che fanno da presupposto per cercare di stabilire una normalità. Queste fondamenta sono come un terreno franabile poiché niente è più saldo quando ciò che ti spinge non è sincero. La differenza la fa la propria coscienza, l’onestà che ci caratterizza; non si riesce a tener su una vita con basi fragili.

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Quando si è onesti di natura, non si può fare a meno di essere corretti, prima o poi si deve fare i conti con l’insormontabile peso della propria coscienza o si crollerà come un castello di carte. Il senso di colpa è ben rappresentato in questo film, tramite una ragazzina incapace di sopportare una ulteriore condanna senza colpa, in una vita troppo giovane per essere così già piena di traumi. Anche il feeling tra padre e figlia è perfetto; gli attori protagonisti sono riusciti a rendere l’affiatamento necessario, portando realismo e di conseguenza empatia con lo spettatore.

Peccato per un rallentamento circa a metà durata, delineato anche da un pochino di confusione che a tratti fa perdere man mano di incisività rispetto alla fase iniziale, inciampando su se stesso e perdendo ritmo e dinamicità. Tutto sommato, però, il messaggio arriva forte e chiaro, seppur con qualche difetto, rimane una pellicola da vedere che può toccare corde sensibili negli occhi di chi guarda. 

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Cinema

TFF38 | Funny Face, storia d’amore muta contro la violenza del Sistema

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A Girl Walks Home Alone at Night, come nell’omonimo film del 2014 di Ana Lily Amirpour. Ma la giovane musulmana di Funny Face, nuovo lavoro dell’americano Tim Sutton, non è una vampira come quella di Sheila Vand, bensì una ragazza in rotta di collisione con gli zii che la ospitano in casa e che vorrebbero imporle un coprifuoco destinato a non essere mai rispettato.

Nelle sue lunghe passeggiate notturne, Zama incrocerà un altro ragazzo inquieto di nome Saul, che come lei lotta contro un potere costituito, quello di chi vuole imporre dall’alto una gentrificazione forzata, espressione di un modello di sviluppo predatorio e violento.

Funny Face | il nuovo film di Tim Sutton

Il nuovo film di Tin Sutton fa di tutto per distinguere nettamente i personaggi: cambia tipo di fotografia a seconda di chi è in scena e pone tra loro e la macchina da presa materiali di separazione diversi (i vetri pulitissimi e oscurati del suv su cui viaggia Jonny Lee Miller, quelli sporchi e opachi della vettura di Saul e Zama). Pur scadendo spesso in similitudini facili e banali (le maschere come lo chador) e affidandosi pigramente ad immagini derivative per descrivere l’avidità delle classi più agiate (sesso e denaro), Funny Face marginalizza le ingenuità della propria scrittura lavorando maggiormente sugli spazi e rendendo le persone che li attraversano semplici fenomeni vibrazionali destinati ad essere abbattuti o, al massimo, impiegati per scopi utili a qualcuno o a qualcosa.

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La forma della città

I due, protagonisti pasolinianamente difensori della “forma della città”, sono agitati da un moto armonico che reagisce ad una perturbazione dell’equilibrio con una accelerazione di richiamo proporzionale allo spostamento subìto, come oggetti ancorati ad una molla. I due seguono traiettorie indefinibili che li fanno avanzare e poi li costringono sempre a tornare sui loro passi. Sutton li segue con la macchina da presa in queste loro lunghe camminate, a volte dalle spalle, a volte attraverso carrelli laterali che ricordano quelli che accompagnavano le passeggiate di Eszter Balint in Stranger Than Paradise di Jim Jarmusch.

La dilatazione dei tempi narrativi

Sutton, al solito, dilata i ritmi del racconto, si emancipa dalla necessità dei dialoghi (come il precedente Dark Knight, anche questo sarebbe ugualmente comprensibile senza di essi) e fa della stilizzazione estrema la sua cifra stilistica. La differenza tra le classi subalterne (gramscianamente “marginali” e mai “fondamentali”, non essendo in grado di competere per l’egemonia) e quelle dominanti sta nel modo in cui si affrontano le cose. Infatti se i due personaggi principali parlano pochissimo e sono mossi da emozioni e pulsioni istintive, che non possono essere spiegate, i ricchi imprenditori che vogliono occupare gli spazi in cui questi si muovono parlano tantissimo e spiegano i loro piani attraverso lunghi monologhi o estenuanti conversazioni.

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