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Cinema

Boy Erased – Vite Cancellate, la recensione di Victorlaszlo88

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È un dato di fatto che, quando si avvicina il periodo degli Oscar, aumenti esponenzialmente la quantità di biopic in uscita nelle sale. Basti pensare ai recenti Bohemian Rhapsody, Copia Originale, Green Book o, ancora, Vice. Tutti candidati agli scorsi Academy Awards, due dei quali hanno trionfato in più di una categoria. Questo succede perchè con un bipic è più semplice e d’impatto affrontare tematiche sociali fondamentali, per non dire che si hanno più probabilità di entrare nelle grazie della giuria dell’academy. Non tutti i film di questo tipo riescono a ottenere riconoscimenti prestigiosi, ma ciò non significa che non si tratti di opere potenti: è il caso di Boy Erased- Vite Cancellate, scritto e diretto da Joel Edgerton e tratto dall’omonimo romanzo autobiografico di Garrard Conley.

È indubbio che il tema dell’omosessualità e della discriminazione che purtroppo e fin troppo spesso ne deriva, sia quanto mai attuale e spesso enormemente trattato in ogni ambito, ma Edgerton è riuscito a colpire nel segno come poche volte in scena, con una storia cruda ma allo stesso tempo delicata, costellata di odio e coraggio, tragicamente simile a tante altre. A troppe altre, a dir la verità. Non si tratta del semplice tentativo di sbancare in tutte le più importanti premiazioni toccando un tema su cui la sensibilità generale è aumentata – per fortuna – nel corso degli anni, ma di una vera e propria opera di denuncia che punta il dito contro la barbarie della discriminazione violenta, quella che si traveste da fede religiosa e vorrebbe identificare l’omosessualità come malattia, come una terrificante perversione da cui si può guarire.

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Lucas Hedges in una scena di Boy Erased – Vite Cancellate

Al di là di una regia coinvolgente, giocata sui campi lunghi e sugli improvvisi primissimi piani che cercano di immergere lo spettatore nella mente dei personaggi, il punto forte del film sono le interpretazioni intense e incredibilmente partecipate, a partire da quella di Lucas Hedges. Già interprete di Patrick, nipote del protagonista in Manchester by the Sea, l’attore ha incarnato perfettamente Jared Eamon (alter ego dello scrittore del romanzo, Garrard Conley), adolescente omosessuale costretto dal padre, pastore protestante, a sottoporsi a un seminario di cura per il suo presunto peccato. Ciò che colpisce in particolar modo è l’incredibile violenza psicologica di cui è intriso il racconto, acuita da una fotografia fredda e affilata, che colpisce lo spettatore come uno schiaffo a ogni inquadratura. Ogni parola pronunciata dagli aguzzini di Jared, capitanati da quel Victor Sykes interpretato dallo stesso regista, stride nella mente di chi guarda, messo di fronte ad una realtà crudele ma tangibile. Hedges ha saputo restituire il disagio che visse Conley, a cui tentarono di infilare nella testa l’idea che il suo orientamento sessuale non fosse solo sbagliato, ma frutto di una tentazione demoniaca. Si avverte, come una lama rovente, il crescendo del dolore e del disagio del protagonista, in cui ci si immedesima a prescindere dalle espreienze del proprio vissuto, non a caso l’attore è stato candidato ai scorsi Golden Globe come miglior protagonista per questo ruolo.

Il regista qui sceglie di non giudicare direttamente, ma lascia allo spettatore il giudizio finale, mostrando un orrore talmente esagerato da lasciar sperare che si tratti di un eccesso narrativo, ma è palese che invece si stia assistendo alla rappresentazione di atteggiamenti disgustosamente diffusi, soprattutto nella società statunitense degli stati del sud. Il film non vuole nemmeno essere un giudizio rivolto a chi ha fede in Dio, ma a come l’omofobia e altri comportamenti che scaturiscono nella violenza, fisica o psicologica che sia, spesso vengano perpetrati in nome di qualcosa di più grande, che li legittima. Il tema principale è, fondamentalmente l’odio, qui concretizzato in una delle sue tante forme. E, come spesso accade, anche qui i personaggi hanno bisogno di un motivo per rendere giusto quest’odio, per canalizzarlo in qualcosa che aspiri ad una bontà fasulla, meschina, a tratti addirittura spaventosa. Oltre a Hedges è notevole l’interpretazione di Nicole Kidman, nei panni di una madre asservita a un uomo sinceramente convinto della bontà con cui maschera la propria paura e la rabbia che tenta maldestramente di celare, ben al sicuro nella sua fede e nel ruolo di ministro di Dio, nel nome del uale compie azioni avventate e discutibili. La Kidman ha dovuto calarsi in un ruolo difficile, centrale, quello di una donna costretta a rinnegare il sangue del suo sangue, lottando contro il proprio istinto materno.

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Russell Crowe, Nicole Kidman e Lucas Hedges in Boy Erased – Vite Cancellate

Tornando sul personaggio del padre di Jared, è senza dubbio una delle figure più affascinanti del film e interpretato da un Russell Crowe in forma come non si vedeva da anni. Il reverendo è un uomo non cattivo, ma che viene portato a compiere azioni terribili dalle convinzioni in cui è invischiato, dimidiato tra la Fede inossidabile che possiede e l’amore per un figlio che non vuole comprendere, diventando ossessionato dalla sua omosessualità come se fosse l’onta più grande che abbia mai dovuto fronteggiare. L’evoluzione psicologica di padre e figlio va di pari passo e la grandezza del film si colloca proprio nel sezionare clinicamente l’omosessualità di Jared, mostrando l’effetto che ha sul ragazzo e sulle persone che lo circondano. In ruoli minori possiamo trovare anche il brillante giovane regista e attore Xavier Dolan, già visto come interprete in un piccolo ruolo di impresario discografico in 7 Sconosciuti a El Royale e il bassista dei Red Hot Chili Peppers Flea, che qui mostra stupefacenti doti attoriali interpretando il truce responsabile delle attività fisiche nell’istituto degli orrori dove viene internato il protagonista.

Naturalmente anche questo film non è esente da difetti e forse quello più evidente è il tentativo di ammorbidire l’atmosfera glaciale che lo avvolge proprio sul finale, anche se, va detto, si tratta pur sempre di una storia vera e come tale cerca di rimanere fedele a come le cose sono effettivamente andate, ma il problema risiede proprio nella messa in scena degli ultimi minuti, in cui l’evoluzione di alcuni personaggi è fin troppo affrettata. Nonostante questo, le quasi due ore di film scorrono senza che il ritmo ne risulti appesantito, complice anche la colonna sonora di Danny Bensi e Saunder Jurriaans, le cui sonorità si adattano perfettamamente alla drammaticità di quanto raccontato. Insomma, Boy Erased- Vite Cancellate è uno spaccato sulla società contemporanea, che permette allo spettatore di rendersi conto degli orrori di cui è capace l’odio, a prescindere da chi sia il suo bersaglio. E da imparare, ancora, abbiamo molto.

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Cinema

Addio a Kirstie Alley | 5 film e serie tv per ricordare l’attrice scomparsa

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“Kirstie è stata una delle conoscenze più speciali che io abbia mai avuto. Le voglio bene e so che ci rivedremo di nuovo, da qualche parte”. Questa mattina sul profilo social dell’attore americano John Travolta è apparso questo post dedicato a una sua storica partner lavorativa : Kirstie Alley.

L’attrice aveva scoperto solo di recente essere malata e di avere un tumore molto aggressivo. Una malattia che purtroppo è riuscita a spegnere il suo sorriso all’età di 71 anni. Il ricordo dei colleghi è giusto subito dopo il triste annuncio pubblicato dai figli sui social. Il dispiacere dei fan e degli spettatori che avevano imparato ad amare e apprezzare la Alley, per film cult come Senti chi parla, ha fatto il giro del web in tutto il mondo.

Per ricordare la carriera di Kirstie Alley, fatta di alti e bassi, abbiamo deciso di farlo citando 5 titoli – tra serie tv e film – che tra gli anni ’80 e ’90 contribuirono a renderla una tra le attrici maggiormente apprezzate di Hollywood.

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Senti chi parla (1989)

Una trilogia composta da Senti chi parla, Senti Chi Parla 2 e Senti Chi Parla Adesso! rimasta nel cuore degli spettatori di tutte le età, grazie alla presenza di Kirstie Alley e John Travolta. In Italia a restare indimenticabile il doppiaggio divertentissimo dei due bambini, affidato alle voci di Paolo Villaggio e Anna Mazzamauro. La donna in carriera Mollie dopo una notte di passione in ufficio con un suo cliente, resta incinta di Michey. Peccato che l’uomo, nonostante le tante promesse, appena viene a sapere di questa gravidanza, decide di lasciarla e di non voler sapere nulla del figlio.

Decisa a dare alla luce il piccolo, dopo aver incontrato solo casi umani, alla fine è proprio il neonato a farla avvicinare a un tassista di nome James (John Travolta). I due iniziano a frequentarsi sempre di più, portando l’uomo ad affezionarsi anche al piccolo. Quando la serenità sembrava aver bussato alla loro porta, il ritorno del padre biologico di Michey porta James ad andare via. Dopo un iniziale tentennamento, Mollie capisce che in realtà è proprio il tassista l’uomo che vuole al suo fianco e come padre del suo primogenito.

Cin Cin (1982-1993)

Conosciuta con il titolo di Cheers, questa sitcom americana è andata in onda per ben 11 anni con 270 episodi in totale, rappresentando il trampolino di lancio della carriera di Kirstie Alley. Ambientata a Boston, nelle varie puntate sono ambientate in un bar di Boston chiamato Cheers. Un luogo nel quale vengono raccontate le varie storie dei clienti. Toccante e incredibile è stato il messaggio scritto dall’ex collega Sam Malone questa mattina, pubblicato sul sito Deadline.

“Era l’episodio in cui Tom Berenger faceva la proposta di matrimonio a Kirstie, e lei continuava a dire di no anche se voleva disperatamente dire di sì. Kirstie era stata fantastica in quell’episodio. La sua abilità nell’interpretare una donna sull’orlo di una crisi di nervi era sia commovente che esilarante. Mi fece ridere trent’anni fa, quando girammo quell’episodio, e mi ha fatto ridere oggi altrettanto forte. Quando sono sceso dall’aereo, ho saputo che era morta. Sono così triste e grato per tutte le volte che mi ha fatto ridere. Ho mandato un messaggio di affetto ai suoi figli. Come sapevano molto bene, la loro mamma aveva un cuore d’oro. Mi mancherà”.

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La madre di David (1994)

Il film racconta la storia di Sally Goodson, madre di un ragazzo autistico di nome David. Rimasta da sola a New York, dopo essere stata tradita e abbandonata dal marito e padre del giovane e dalla figlia Susan, si trova a dover crescere suo figlio, mostrandosi molto protettiva e attenta. Sfortunatamente, a distruggere il suo precario equilibrio familiare, è l’arrivo di un’assistente sociale, Gladys Johnson che la informa del ricovero in una casa di cura di David.

Grazie alla sorella Bea, Sally inizia a uscire con un venditore di carta da parati, John Nils, il quale riesce anche a far lavorare David, nonostante la sua patologia. A rendere ancora più complessa la loro situazione, la decisione definitiva del ricovero del ragazzo nella struttura e il trasferimento di Sally. Questo ruolo le permise nel 1995 di ricevere una candidatura ai Golden Globe come miglior attrice in una miniserie.

Matrimonio a quattro mani (1995)

Diretto da Andy Tennant, le ragazze e i ragazzi nati a metà tra gli anni ’80 e ’90, avranno sicuramente visto questo film almeno una volta. Ispirato alla storia raccontata nel lungometraggio Il cowboy con il velo da sposa (1961), vede Kirstie Alley interpretare il ruolo di Diane Barrows, impiegata in un orfanatrofio. Un giorno, mentre la donna si trova in campeggio insieme ai suoi ragazzi, due ragazzine identiche, si incontrano e decidono di unire le loro forze per cambiare rispettivamente le loro vite. Tra l’altro, le bambine sono le gemelle Ashley e Mary-Kate Holsen, all’apice della loro carriera di bambine prodigio.

Alyssa è sul punto di andare a vivere con il padre e l’odiosa futura moglie Clarice. Mentre Amanda, sta per essere presa in affidamento da una famiglia, nota per adottare i ragazzi da sfruttare nella sua azienda. Intanto, Diane dopo aver conosciuto Roger (Steve Guttenberg), il padre di Alyssa, inizia a provare una simpatia ricambiata per l’uomo. Ma a un passo dalle nozze qualcosa di inaspettato cambia le sorti di tutti i protagonisti.

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Fat Actress (2005)

Tra gli ultimi lavori di Kirstie Alley, appare la sitcom americana Fat Actress andata in onda su Fox Life. Basata parzialmente su fatti legati alla vita dell’attrice americana, nei sette episodi sono intervenuti colleghi e colleghe famosi come John Travolta, Kelly Preston, Larry King, Carmen Electra e tanti altri. Il cuore della sceneggiatura, come viene mostrato anche nella locandina, è il rapporto conflittuale tra la Alley e l’aumento di peso, reo di averle impedito di avere una carriera più soddisfacente.

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Cinema

Saint Omer | la recensione del film di Alice Diop, gran premio della giuria a Venezia

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Saint Omer | la recensione del film di Alice Diop, gran premio della giuria a Venezia
4 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

All’origine di Saint Omer c’è l’ossessione per una fotografia pubblicata su Le Monde nel 2015: un’immagine in bianco e nero rubata da una telecamera di sorveglianza della Gare du Nord di Parigi, che mostrava una donna spingere la carrozzina di sua figlia. Due giorni prima della pubblicazione di quella foto, il corpo di una neonata era stato trovato sulla spiaggia di Berck-sur-Mer, restituito dalle onde alle sei del mattino. Fabienne Kabou, dottoranda, intellettuale, aveva abbandonato la propria bambina di quindici mesi lasciandola morire, per poi confessare l’omicidio tirando in ballo le sue zie in Senegal, autrici secondo lei di un sortilegio, un incantesimo, nei suoi confronti.

Il primo lungometraggio di “fiction” di Alice Diop (ma il suo cinema sfugge alla tirannia dei generi), al materiale proveniente dalla realtà (il film restituisce la veridicità dei testi del processo rimaneggiati con le co-sceneggiatrici Amrita David e Marie NDiaye), aggiunge l’elemento di finzione che permette allo spettatore di avvicinarsi al caso raccontato. Lo fa inventando il personaggio di Rama (Kayije Kagame), evidente proiezione della stessa regista, professoressa di letteratura e scrittrice che assiste al processo di una madre infanticida con lo scopo di scrivere una rivisitazione contemporanea del mito di Medea ispirandosi a quei fatti di cronaca.

Saint Omer | gran premio della Giuria a Venezia

È già nei primissimi minuti che assistiamo a una delle sue lezioni, presentata al pubblico con una sequenza che contiene in sé il progetto estetico e morale del film. Sui filmati d’archivio delle donne rasate durante la Liberazione francese, Rama legge un brano di Hiroshima mon amour di Duras e trascende così, attraverso le immagini, l’individualità del racconto fatto con le parole, l’intimità di una donna umiliata trattenuta nella singolarità della scrittura. E non a caso lo fa con un testo a cui sono state tolte le immagini (quelle di Resnais) che lo liberavano. Alice Diop punta molto sul fuori campo, orchestrando al di fuori dell’inquadratura una sinfonia di voci e di culture che si contraddicono e tormentano con il loro giudizio questa donna insieme razionale e plasmata da un’immaginario sfuggente e mitologico.

Saint Omer è infatti un film di parole e di linguaggio, in cui un’imputata racconta con il proprio lessico forbito (un dettaglio sorprendente per l’uditorio razzista e chiuso del tribunale) la sua vita prima dell’atto criminoso che l’ha trascinata davanti a un giudice. In quella storia, gli spettatori vorrebbero trovare gli indizi per “spiegare” il suo gesto omicida, ma il film disinnesca progressivamente questo desiderio di verità processuale creando un’intesa sempre più sincera tra la donna che parla e chi la sta ascoltando. L’impenetrabilità dell’accusata spingerà la giovane scrittrice a riflettere sulla sua stessa ambiguità nei confronti della maternità e a fare i conti con l’insondabile mistero di essere madre. 

Alice Diop costruisce attorno a Laurence una specie di fortezza, uno scudo con cui respingere le osservazioni più invasive e violente del giudice e del pubblico ministero. Le riprese statiche lunghe e ininterrotte di Claire Mathon ne sono un esempio. La scelta di riprendere la donna sola al banco dei testimoni – e non allontanarsi mai mentre racconta la sua storia – ha un significato etico, che le garantisce la visibilità e l’attenzione che le sono state negate, ma allo stesso tempo il progressivo avvicinamento della macchina da presa al suo volto garantisce la “protezione” necessaria rispetto allo sguardo esigente dello spettatore, alla sua curiosità aggressiva e al suo scrutinio intransigente. 

Alice Diop tra realtà e finzione narrativa

Diop non sminuisce in alcun modo il crimine di Laurence né, alla fine, rende le motivazioni dietro a quel gesto più comprensibili di quanto non lo fossero all’inizio. Chiarire o assolvere non è ciò che il film vuole fare. Con il passare dei giorni e man mano che il processo si avvicina alla sua conclusione, la telecamera di Mathon si sofferma sempre di più su Rama mentre ascolta la testimonianza dell’imputata quasi in uno stato di trance.

Intellettuale francese di origini senegalesi, che porta in grembo un bambino di razza mista, i parallelismi tra lei e Laurence sono terribilmente vividi e Saint Omer costruisce tra loro un canale di comunicazione quasi telepatico, innescando flashback (alla Duras-Resnais, appunto) che spingono Rama a fare i conti con la propria identità fratturata, con i due inconciliabili mondi che abita. Eppure il film ha l’abilità di rendere questo riconoscimento universale: la catarsi che raggiunge mentre il team legale della difesa pronuncia il proprio discorso finale tocca da vicino tutti coloro che lo ascoltano e non solo chi è direttamente chiamato in causa dall’arringa.

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Improvvisamente Natale: video intervista a Diego Abatantuono, Violante Placido e Sara Ciocca

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Questa mattina è stato presentato in anteprima a Milano, il film Improvvisamente Natale diretto da Francesco Patierno e interpretato da Diego Abatantuono, Violante Placido, Lodo Guenzi, Anna Galiena, Antonio Catania, Sara Ciocca, Michele Foresta, Gloria Guida, Paolo Hendel e con la partecipazione straordinaria di Nino Frassica. Adatto a tutta la famiglia, questa commedia natalizia sarà disponibile dal 1° dicembre su Prime Video.

La video intervista con il cast

A un mese dal Natale, questo pomeriggio abbiamo avuto modo di scambiare quattro chiacchiere con Diego Abatantuono, Violante Placido e la giovane attrice Sara Ciocca. Se volete ascoltare i loro aneddoti personali legati al Natale e in che modo considerano la famiglia raccontata nel film, cliccate nel player in basso.

Leggi anche: Diego Abatantuono presenta Belli di papà: “Chiedete ai miei figli se sono stato un bravo padre”

Leggi anche: McMafia: la recensione d’autore di Francesco Patierno in esclusiva per NewsCinema

Improvvisamente Natale | La sinossi ufficiale

Per Chiara (Sara Ciocca) il Natale è un momento speciale, ancor più di quanto lo sia per ogni bambino. Ogni anno, infatti, il Natale è anche l’occasione per rivedere l’adorato nonno Lorenzo (Diego Abatantuono), proprietario del delizioso alberghetto d’alta montagna che ospita i festeggiamenti della famiglia.

Quest’anno, però, i genitori di Chiara, Alberta (Violante Placido) e Giacomo (Lodo Guenzi), hanno deciso di mettersi in macchina sotto il sole bollente d’agosto, per una visita fuori stagione a Lorenzo, perché hanno bisogno di lui per dare a Chiara l’amara notizia: si stanno separando. Forse, se glielo dicesse lui, la piccola soffrirebbe meno…

Il nonno, già in crisi perché rischia di dover vendere il suo amato hotel, accetta l’ingrato incarico di dare la notizia alla nipotina, ma prima vuole regalarle l’ultimo Natale felice… a Ferragosto!

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