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Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, la recensione - NewsCinema
Cocaine: La vera storia di White Boy Rick Cocaine: La vera storia di White Boy Rick

Cinema

Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, la recensione del film con Matthew McConaughey

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Dopo il successo del nostrano La Paranza dei Bambini, il 7 Marzo ci spostiamo oltreoceano per un’altra storia di criminali in erba con Cocaine – La vera storia di White Boy Rick. Sulle note di Johnny Cash inizia il film diretto da Yann Demange, ambientato nella periferia di Detroit degli anni ’80 dove Richard Wershe Junior abita con il padre e la sorella. Matthew McConaughey, nei panni del capo famiglia, commercia in armi e conduce una vita al limite della legalità. Vuole un futuro diverso per i suoi figli, ma le sue azioni sembrano remare nella direzione opposta. Infatti la figlia è una tossicodipendente e Richard, nonostante la sua età, diventa in breve tempo parte attiva nel traffico di droga della zona. Soprannominato White Boy Rick, il quattordicenne viene scelto come informatore sotto copertura dell’FBI e della polizia locale, fino al suo arresto per il commercio di otto chili di cocaina seguito da una condanna all’ergastolo.

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Negli anni ’80 il Presidente Reagan aveva dichiarato guerra aperta alla droga e il caso Wershe è stato uno dei capitoli più oscuri del sistema giudiziario dello stato del Michigan. A soli 17 anni White Boy Rick è stato rinchiuso in prigione ed è uscito solo dopo trent’anni, nel 2017, per delle accuse in parte reali e in parte corrotte da un comportamento ambiguo e in cattiva fede delle forze dell’ordine che lo hanno gettato, in un certo senso, in pasto ai lupi. Demange porta sullo schermo un noir metropolitano coinvolgente che convive con un dramma familiare emotivo e realistico. Interessante l’idea di famiglia che il personaggio di McConaughey insegue disperatamente, scontrandosi però con un’amara realtà. Egli sottolinea più volte l’importanza dell’armonia familiare che sembra essere spesso troppo fragile. Padre e figlio sono protagonisti di uno scambio di ruoli costante nel corso del film, perché Richard è sicuro di quello che vuole e di come ottenerlo, ma la sua storia e la realtà in cui vive non sono pronte a concedergli una vita diversa da quella dei suoi genitori.

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Cocaine: la vera storia di White Boy Rick ricorda molti dei film che esplorano le difficoltà dei giovani nelle periferie americane, coinvolti nel mondo del crimine e del traffico di droga, sottolinenando il lato oscuro del sogno americano. Ma per lo stile di regia, l’attenzione alla colonna sonora e l’equilibrata comunione di dramma e umorismo viene quasi naturale il paragone con il recente Tonya di Craig Gillespie. L’ironia caratterizza diversi passaggi della sceneggiatura, nei confronti verbali tra McConaughey e il giovane Richie Merritt, anche se è Bruce Dern nei panni del nonno di Richard a tenere egregiamente le redini dello humour del film. Il cast infatti è uno dei punti di forza di Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, con un McConaughey che sembra essere rimasto a Dallas Buyers Club e continua a scegliere film impegnati con un’idea chiara per il futuro della sua carriera, iniziata all’insegna della commedia. Questo film dall’anima indie, è adatto a un vasto pubblico e conquista per una storia ben raccontata, ben scritta e recitata, dal sapore urbano e priva di cliché e facile perbenismo.

Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, la recensione del film con Matthew McConaughey
3.6 Punteggio
Pro
Cast, Colonna Sonora, Sceneggiatura
Contro
Poco originale
Riepilogo Recensione
Cocaine: la vera storia di White Boy Rick è un classico biopic che tratta il traffico di droga, la difficoltà di crescere in periferia e analizza l'aspetto più corrotto e stonato dell'America. Ma il regista sceglie un stile urbano intimo per raccontare la storia di White Boy Rick e il risultato è un film coinvolgente e intrigante con un cast di serie A e una colonna sonora che spacca.
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Cocaine: La Vera storia di White Boy Rick – Video recensione

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

Cinema

La Stanza | un thriller che usa il corpo degli attori per ingannare lo spettatore

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Dallo scorso 4 gennaio è disponibile in streaming su Amazon Prime Video il thriller psicologico La Stanza, film prodotto dalla Lucky Red di Andrea Occhipinti. Terzo lungometraggio per Stefano Lodovichi, autore anche del soggetto, il film si basa su di uno spunto che inizialmente avrebbe dovuto dare origine ad un documentario sugli Hikikomori, ovvero coloro che hanno scelto di ritirarsi fisicamente dalla vita sociale, spesso cercando livelli estremi di isolamento e confinamento. La Stanza è poi diventato un progetto forse ancora più complesso e cinematograficamente ambizioso di quanto inizialmente preventivato.

La Stanza | come una nave in tempesta

Il secondo personaggio che viene presentato, lo Sconosciuto che “invade” la dimora di Camilla il giorno in cui lei ha deciso di farla finita, viene accompagnato dal rombo di un tuono che immediatamente setta l’atmosfera del racconto: la casa in cui si svolgerà la narrazione è subito presentata come una nave in tempesta, in balia delle onde, un luogo precario dove non si è mai al sicuro, dove tutto scricchiola e neanche le pareti sono in grado di nascondere le proprie crepe. Così la gabbia che imprigiona i tre personaggi si presenta come luogo/nonluogo a sé, isola nel cielo, “set spettralvitale” per usare una definizione cara ad Enrico Ghezzi. Ma soprattutto quella entrata in scena, apparentemente illogica ed implausibile, è resa credibile proprio dagli attori in campo. È la loro recitazione a rendere accettabili soluzioni narrative altrimenti improbabili, a cominciare proprio dal pretesto iniziale che sancisce l’entrata dello Sconosciuto nella casa e che innesca l’inizio della trama sceneggiata da Lodovichi con Francesco Agostini e Filippo Gili.

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Il modo in cui Camilla Filippi decide di far entrare lo Sconosciuto nella propria casa (un lugubre b&b in stile art nouveau) suggerisce fin dai primi minuti un senso di consapevolezza e di accettazione che accompagnerà ogni successivo snodo cruciale del film. Lo stesso sentimento di resa che poi, successivamente, spingerà il personaggio di Edoardo Pesce a non farsi troppe domande sulla grande rivelazione finale. Tutti sembrano accettare ipso facto le proprie colpe, sembrano già coscienti del fatto che in qualche modo dovranno espiarle o cercare di rimediare ad esse, inutile fare questioni. Tanto basta per motivare quelle soluzioni, che trovano la loro spiegazione nel modo in cui gli attori le mettono in scena e non nella loro plausibilità narrativa. Tutto questo, infatti, non è raccontato dalla sceneggiatura (che invece in altri momenti interviene a spiegare cose che l’ottima messa in scena forse basterebbe a giustificare), ma semplicemente dal sound-design, dalla recitazione e dal taglio delle inquadrature. Sono i corpi dei protagonisti e il design dell’ambientazione a smentire immediatamente una parvenza di normalità che nessuno può mantenere ma che tutti credono di poter simulare.

Depistare lo spettatore

È come se La Stanza contenesse in sé due film apparentemente diversi e non conciliabili: quello che emerge dalla narrazione e dai dialoghi e quello che invece emerge dalle immagini e dai movimenti dei personaggi, che in ogni momento allontanano l’attenzione dello spettatore da tutti quegli indizi che la sceneggiatura non si fa scrupolo a disseminare per aiutare chi guarda a “comprendere” l’enigma prima che questo venga effettivamente risolto dal film. Una separazione fra ciò che vediamo e ciò che la narrazione vorrebbe farci capire che inganna lo sguardo dello spettatore e lo conduce a conclusioni sbagliate.

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Se infatti, seguendo con freddezza e distacco lo svolgimento del racconto, si potrebbe indovinare la risoluzione finale prima che essa venga esplicitata, i tre interpreti riescono, attraverso il loro atteggiamento ambiguo e le loro espressioni, a depistare lo spettatore, rendendo i propri personaggi difficilmente inquadrabili. In questo senso è encomiabile il lavoro svolto da Guido Caprino, capace, esclusivamente attraverso le movenze e la mimica, di ingannare il pubblico e convincerlo ad immaginare tutt’altro profilo per il suo personaggio Sconosciuto, la cui faccia è paradossalmente una maschera che ne nasconde le reali sembianze.

Tra metafora e pericolo palpabile

In linea con il gusto predominante nell’horror moderno (specialmente in quello indie americano), La Stanza fa della sua trama una enorme metafora per raccontare qualcos’altro. Nonostante ciò, Lodovichi si impegna affinché il significato allegorico del suo film non inghiotta tutto il resto. Così le violenze narrate (anche semplicemente a parole e avvenute fuori scena) sono perpetrate da persone in carne ed ossa e lasciano vere ferite sul corpo di chi le subisce. Tutti i dolori sperimentati dai personaggi sono visibili attraverso i tagli e gli sfregi che hanno lasciato sulla loro pelle. La sofferenza fisica, a cui recentemente il cinema ha preferito paure impalpabili ed invisibili, è tornata ad occupare un ruolo di primo piano in questo tipo di storie.

Anche per questo, La Stanza si rivela un ottimo prodotto di genere. Uno che, nonostante qualche ingenuità, funziona proprio perché Lodovichi sembra sapere perfettamente dove un film come il suo non può permettersi di sbagliare.

La Stanza | il trailer del film

Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, la recensione del film con Matthew McConaughey
3.6 Punteggio
Pro
Cast, Colonna Sonora, Sceneggiatura
Contro
Poco originale
Riepilogo Recensione
Cocaine: la vera storia di White Boy Rick è un classico biopic che tratta il traffico di droga, la difficoltà di crescere in periferia e analizza l'aspetto più corrotto e stonato dell'America. Ma il regista sceglie un stile urbano intimo per raccontare la storia di White Boy Rick e il risultato è un film coinvolgente e intrigante con un cast di serie A e una colonna sonora che spacca.
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Cinema

Ma Rainey’s Black Bottom | l’ultima apparizione di Chadwick Boseman

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La versione cinematografica dell’opera teatrale di August Wilson del 1982 segna l’ultima apparizione di Chadwick Boseman, giovanissimo attore tragicamente scomparso quest’anno a causa di un tumore. Il film è ora disponibile su Netflix.

Ma Rainey’s Black Bottom | razza e potere

Didascalico e teatrale, ma anche ferocemente e violento nella sua densissima narrazione: Ma Rainey’s Black Bottom, disponibile su Netflix, è un’opera di passione e dolore. Il film segue le vicissitudini di un gruppo di musicisti afroamericani in uno studio di Chicago di proprietà di ricchi industriali bianchi in una giornata soffocante negli anni ’20, in attesa che la leggendaria cantante blues Gertrude “Ma” Rainey si presenti con il suo entourage in modo da poter completare la sessione di registrazione del suo nuovo album. La traccia principale dell’album è anche il suo successo dal vivo, Black Bottom di Ma Rainey, quello per cui è conosciuta da tutti. Ma un trombettista invadente della band (Levee) insiste affinché venga registrata la sua versione del pezzo. Una discussione agguerrita su come arrangiare ed eseguire il brano diventa un confronto su razza, sesso e potere.

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L’addio a Chadwick Boseman

Impossibile, guardando il film, non pensare al fatto che quella in Ma Rainey’s Black Bottom sia l’ultima apparizione di Boseman sullo schermo: un glorioso spettacolo per congedarsi dalle scene. Lui e Viola Davis sono entrambi oggetti inamovibili del racconto e forze irresistibili della narrazione. Ironicamente, entrambi si preoccupano tantissimo dei propri piedi. Il povero Levee ha appena speso ogni centesimo per un paio di scarpe luccicanti e fiero le mette sempre in mostra, saltellando e ballando come un ragazzino. I piedi di Ma Rainey, invece, sono tutt’altro che a loro agio. La vediamo scendere le scale del suo hotel con grande difficoltà, eppure la sua andatura ondeggiante e pesante è ciò che impone la sua autorità sugli altri. Può indossare un paio di comode pantofole da interno in studio e si muove solo quando lo decide lei. 

Una situazione esplosiva

Ma rifiuta furiosamente la nuova versione, intuendo – accuratamente – che accettarla significherebbe mettersi in secondo piano e che Levee potrebbe così usare il prestigio guadagnato come trampolino di lancio per la propria celebrità. L’unico maschio che può permettersi di farsi bello con la sua musica è il nipote adolescente Sylvester (Dusan Brown), che lei capricciosamente vuole rendere showman, nonostante la balbuzie. Per aumentare la tensione, la splendida ragazza di Ma, Dussie Mae (Taylour Paige), è pericolosamente innamorata di Levee. Tutti elementi che determineranno una situazione destinata ad esplodere in uno splendido finale.

Cocaine: La vera storia di White Boy Rick, la recensione del film con Matthew McConaughey
3.6 Punteggio
Pro
Cast, Colonna Sonora, Sceneggiatura
Contro
Poco originale
Riepilogo Recensione
Cocaine: la vera storia di White Boy Rick è un classico biopic che tratta il traffico di droga, la difficoltà di crescere in periferia e analizza l'aspetto più corrotto e stonato dell'America. Ma il regista sceglie un stile urbano intimo per raccontare la storia di White Boy Rick e il risultato è un film coinvolgente e intrigante con un cast di serie A e una colonna sonora che spacca.
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Cinema

Mark Hamill | il racconto personale sul duo comico Stanlio e Ollio [VIDEO]

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Un nome iconico del mondo di Star Wars, Sir Mark Hamill di recente ha espresso di provare una vecchia passione per un duo molto noto: Stanlio e Ollio. La dichiarazione è avvenuta attraverso un video pubblicato su YouTube, Turner Classic Movies. Scopriamo cosa è stato detto dall’ex interprete dello jedi Luke Skywalker in questo contenuto che potrete vedere in alto nell’articolo.

Il videomessaggio di Mark Hamill

Il racconto personale del celebre attore di Hollywood, lo ha visto ricordare un particolare momento della sua vita. Quando era solo un ragazzino, abitava a pochi passi dalla scuola e per pranzo era solito tornare a casa. In questo momento di pausa dallo studio, tra un boccone e un altro, si dedicava mezz’ora in compagnia di Stanlio e Ollio.

Nonostante le difficoltà a causa dei cambi di residenza con i suoi genitori, Mark trovava un valido rifugio in quel duo comico. Grazie a loro, indirettamente, il piccolo Hamill riuscì a farsi degli amici, commentando insieme a loro alcune gag viste il giorno prima. Sebbene fosse un bambino, la sua ammirazione per Stan Laurel e Oliver Hardy, riguardava anche il modo di recitare e di amalgamare le due comicità, rendendo ogni scenetta unica tra loro e super divertente.

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stanlio e ollio newscinema compressed

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La coppia storica: Stanlio e Ollio

La chimica tra la coppia comica più celebre del mondo ha visto la produzione di qualcosa come oltre 100 film nel corso della loro carriera. Il loro modo di lavorare, sempre in maniera impeccabile e al limite della perfezione, doveva avere solo un unico pensiero: rendere il tutto esplosivo. Schiaffi, calci, balletti diventati iconici e sguardi verso il pubblico sono solo alcuni dei punti che arrivarono a conquistare il cuore del giovane Hamill.

A distanza di molti anni, lo stesso dichiarò: “Ho un debito di gratitudine nei confronti di Stanlio e Ollio, ho rubato tutto quello che potevo. Si prende ispirazione dai migliori, e loro erano i migliori. I migliori attori sono quelli che non vedi recitare, ma che sono semplicemente loro stessi.

Un aspetto verissimo e che porta il pubblico di tutte le età ad amarli ancora di più è la consapevolezza che in quelle scenette non vi era mai cattiveria nonostante i litigi. Un esempio assolutamente da seguire.

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