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Cinema

Millenium – Quello che non uccide, la batgirl sensuale e dark di Fede Alvarez

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I fan dell’universo inquietante e nordico di Stieg Larsson potrebbero interpretare Millenium – Quello che non Uccide come un tradimento, poichè la visione del regista Fede Alvarez sconvolge un po’ la natura originale della storia che è già stata raccontata sul grande schermo dal danese Niels Arden Oplev e da David Fincher. Ma in questo caso vi consigliamo di non fare riferimento al passato cadendo nell’ inutile paragone, per godersi un thriller coinvolgente, intrigante e ricco di azione. In fondo che c’è di male nel puro intrattenimento?

Millenium – Quello che non Uccide arriva nelle sale italiane il 31 Ottobre come adattamento del quarto romanzo della saga Millenium, scritto da David Lagercrantz che ha raccolto l’eredità di Larsson, autore dei primi libri. Dopo Noomi Rapace e Rooney Mara questa volta l’eroina punk Lisbeth Salander è interpretata da Claire Foy, l’attrice inglese che abbiamo ammirato nella serie tv The Crown e nel recente Il Primo Uomo al fianco di Ryan Gosling. Tormentata dal passato, Lisbeth conduce una vita solitaria e complicata come un hacker tosta ed emotivamente paralizzata che ha sete di vendetta. Quando riceve una telefonata da Frans Balder, un ex dipendente della National Security Agency che le chiede di prelevare un importante programma chiamato FireFall dalle banche dati dell’NSA, lei accetta la missione, nonostante la posta in gioco sia molto alta. Questo programma permette di accedere ai codici delle armi nucleari di tutto il mondo e chiunque lo possiede può esercitare un enorme potere. Lisbeth riesce in un primo momento a fare quello che le è stato chiesto, ma poi il suo laptop viene rubato e inizia una caccia incrociata tra varie organizzazioni con un interesse in comune. Tra questi c’è anche Camille (Sylvia Hoeks), la sorella di Lisbeth ma anche la sua nemesi. Le due non si vedono da molti anni, da quando Lisbeth è scappata per sfuggire agli abusi del padre psicopatico, mentre Camille non ha avuto il coraggio di abbandonare la sua vita, restando prigioniera della violenza e del terrore.

Claire Foy in Millenium – Quello che non Uccide

Millenium – Quello che non uccide: Claire Foy eroina dark e sensuale

Fin dalle prime scene del film l’universo maschile è rappresentato in modo negativo, rispettando l’idea di una protagonista tosta e determinata che, come le avventure precedenti, vuole fare giustizia e punire i responsabili di crimini ai danni dell’universo femminile. Solo il giornalista Mikael Blomkvist, interpretato da Sverrir Gudnason che abbiamo in visto nei panni del tennista Borg nel film BorgMcEnroe del 2017, è una presenza virtuosa che aiuta Lisbeth nella sua folle ricerca di una risoluzione. Molti avevano dubbi sulla scelta di Claire Foy come la nuova Lisbeth Salander, ma il suo talento le ha permesso di adeguarsi perfettamente a questo personaggio sensuale, aggressivo e ribelle, mantenendo comunque la sua eleganza e femminilità che è apparsa chiaramente nei suoi ruoli precedenti. La Lisbeth di Alvarez sembra un incrocio tra una misteriosa Batgirl e una versione femminile dell’agente 007, ma funziona, regalando un’esperienza filmica coinvolgente e mozzafiato in un valzer di intrighi, erotismo e complessi confronti personali. Intensa la scena del confronto definitivo tra le sorelle Salander che si esaurisce in un mix di rancore, affetto e rimpianto.

Una commistione di generi orchestrata da Fede Alvarez

Fede Alvarez ha diretto molti film horror come Man in the Dark e il remake del cult La Casa, e per la regia di Millenium – Quello che Uccide non ha abbandonato il suo stile, realizzando un thriller noir che ingloba un film di spionaggio, un poliziesco e persino un dramma familiare. Una commistione di generi che convivono armoniosamente anche grazie a una sceneggiatura brillante che porta avanti tante linee narrative incrociate come a formare una ragnatela di parole, emozioni e rivelazioni. Non mancano immagini forti sullo sfondo di una fotografia metallica, fredda ma allo stesso tempo esteticamente sconvolgente. Paesaggi innevati di ampio respiro entrano in contrasto con locali angusti in cui pulsano luci al neon tra rosa e blu, e il look di Claire Foy rigorosamente nero spicca in ogni inquadratura, come a sottolineare il suo carattere forte e infrangibile che l’ha resa la donna che è adesso. Infine non si può fare a meno di notare l’invasiva presenza della tecnologia, fedele alleata di Lisbeth Salander in ogni suo passo.

Millenium – Quello che no uccide non si può definire un sequel, un remake o un reboot, perchè ha una sua identità separata e, anche chi non conosce il mondo di Larsson, può vederlo film partendo da zero.

Millenium – Quello che non uccide, la batgirl sensuale e dark di Fede Alvarez
4 Punteggio
Pro
Claire Foy, Estetica suggestiva, Ritmo serrato e coinvolgente
Contro
Storia già nota, Flashback
Riepilogo Recensione
Un film di puro intrattenimento che coinvolge dall'inizio alla fine. Un'avventura ricca di azione con una protagonista sensuale e tosta che guida la narrazione senza paura come una versione femminile di 007.
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Il trailer di Millenium – Quello che non Uccide

 

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

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Cinema

Cannes 75 | Crimes of the Future è l’attesissimo ritorno al cinema di David Cronenberg

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Cannes 75 | Crimes of the Future è l’attesissimo ritorno al cinema di David Cronenberg
3.5 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Da sempre il cinema di David Cronenberg si basa sull’assunto che gli esseri umani sono costantemente creati e ricreati dalle loro stesse invenzioni. Se il mito della fondamentale universalità del genere umano è solo il prodotto di un auspicio dei filosofi settecenteschi, la realtà psicologica di un individuo non è una cosa “naturale”, ma dipende dal modo in cui l’ambiente, e quindi anche le estensioni tecnologiche dell’uomo, lo condizionano. Crimes of the Future – nessuna relazione con l’omonimo film del 1969 – si inserisce nel filone di RabidVideodromeInseparabili ed eXistenZ: racconta il prototipo di una nuova umanità in transito, soggetta ad un processo di metamorfosi sublimante che lavora sul desiderio di diventare diversi da ciò che si è sempre stati.

Ma come in quei precedenti film, anche questo non è interessato solo al corpo nel suo mutamento privato, colto nella sua fisiopatologia più intima, ma anche all’utopia dei corpi e degli organismi al plurale, predicata da gruppi di attivisti malati, assuefatti alla loro patologia, che lottano affinché questa si possa diffondere al resto dell’umanità. È un film in cui i corpi si trasformano e acquisiscono nuovi organi, escrescenze e cisti diventano accessori alla moda da esibire (ma d’altronde già Seth Brundle de La Mosca ebbe l’idea di creare un piccolo museo della sua anatomia). Un body-horror in cui il bisturi diventa un sex-toy e l’autopsia un happening a cui presenziare con un cocktail in mano.

Lunga vita alla nuova carne

La creazione estetica si è sempre maggiormente identificata, almeno dalle avanguardie in poi, con l’azione proiettiva del performer, con una sua sempre più accesa, onnicomprensiva e vorace espressività. Guardando dentro sé e riemergendo fuori di sé, il performer si esprime in un prodotto, ovvero l’estensione vettoriale di sé nel mondo. Cronenberg esaspera questa vettorializzazione, dal momento che il vero e proprio atto alla base delle performance messe in scena nel film, cioè la crescita di un organo e la successiva sovrapposizione di un disegno sulla sua faccia esterna, è negato agli occhi di chi guarda, che diventa semplice testimone della fase estrattiva, quella in cui il prodotto (precedentemente realizzato) viene prelevato ed esposto, già non più funzionale, solo presenza estetica. Lo scopo pubblico della performance diventa così quello di esteriorizzare la proliferazione del proprio organismo, della rimozione da sé di organi potenzialmente pericolosi, che il performer ha accolto dentro di sé. È la sensibilità chirurgia di  Kiki Smith, che vede il corpo non in maniera organica e unitaria, ma come fragile assemblaggio di contenitori di fluidi.

Come un aruspice, Cronenberg interroga le viscere deformi che sopravvivono e si oppongono al lento decadimento dal mondo, ribellandosi al corpo che li dovrebbe contenere, libere di crescere, di occupare il vuoto delle cavità riempiendolo di un nuovo significato pulsante, tangibile, vitale. L’esame delle viscere (ancora nel  corpo o già estratte: adhaerentia o erepta exta) è il preludio di un presagio, serve a comprendere meglio ciò che sta fuori dal corpo. Il cinema cronenberghiano prende atto che sulla Terra c’è un nuovo “regno” che si è aggiunto a quelli minerale, vegetale o animale: è il regno sintetico, quello che i sapiens hanno creato attraverso la ricombinazione e la produzione di materiali. Un regno che ha ormai superato in termini quantitativi l’insieme della biomassa dei viventi animali e vegetali e che quindi reclama nuovi spazi dove esistere.

Ed è per questo che tutto ciò che gli essere umani hanno proiettato fuori, deve essere riassorbito dai tessuti in un processo che è già inesorabilmente in corso (come testimonia la recente rilevazione di microplastiche nel sangue effettuata dagli scienziati dell’Università di Amsterdam). Di plastica è però anche tutto il film: lo sono i macchinari che aiutano il protagonista a dormire e a mangiare, lo sono gli organi che vengono prelevati dal suo corpo, lo è un’ambientazione esplicitamente finta, teatrale, spettralmente inabitata. I personaggi si muovono anch’essi come performer, abitano uno spazio che non sembra essere fatto per essere abitata. Cronenberg ragiona sul destino di un mondo che non si vede, che sembra essere stato anch’esso rimosso attraverso un’operazione chirurgica. Allo spettatore non rimane che la contemplazione della cicatrice, del taglio che ha estirpato tutto ciò che c’era prima di questo futuro così desolante e cedevole.

Gli abitanti del futuro cronenberghiano sono ormai immuni da qualsiasi forma di dolore: si perforano, si lacerano e si feriscono senza che nulla provochi loro alcun tipo di sofferenza. In egual modo, chi guarda rimane indifferente davanti ad un picacismo innocuo, privo dell’ansia della recisione e della lesione. Le operazioni chirurgiche che si svolgono in pubblico, nella loro finzione esibita, non seducono e non spaventano, creano una distanza che annulla il pericolo. “Non ho più dimestichezza con il vecchio sesso”, dice Saul Tenser in una frase del film, rispondendo al desiderio di Timlin. Eppure quel bacio così appassionato tra i due, con la lingua di lei che cerca di raggiungere quel groppo (o ulteriore organo?) che blocca la gola di lui, rendendo difficoltoso il respiro, è una delle scene più belle di Crimes of the Future. Una in cui il corpo umano, senza futuristiche protesi, si impone sul dominio del sintetico.

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Cinema

Cannes 75 | R.M.N. di Cristian Mungiu è uno studio rigoroso e preciso dei nuovi populismi

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Cannes 75 | R.M.N. di Cristian Mungiu è uno studio rigoroso e preciso dei nuovi populismi
4 Punteggio
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Sceneggiatura
Cast
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Nel villaggio della Transilvania in cui si svolge l’ultimo film di Cristian Mungiu, dal titolo emblematico di R.M.N, che è sia acronimo che indicazione toponomastica, non si parla solo romeno, ma anche l’ungherese e il tedesco. Persino il francese, residuo di una influenza europea, e l’inglese, la lingua globale per eccellenza. Ma in quella che appare una situazione ideale, di pacifica convivenza, di conquistato multiculturalismo, ogni lingua segue in realtà una precisa gerarchia. Dire “ti amo” in ungherese non implica l’assunzione di una responsabilità come dirlo in romeno. Molti cittadini sono capaci di passare da un idioma all’altro, ma sono disposti a farlo “solo quando serve” e quando la situazione lo richiede.

L’arrivo di alcuni impiegati dallo Sri Lanka, assunti da un locale panificio grazie a dei finanziamenti dell’Unione Europea, solleva l’indignazione degli abitanti del villaggio e scoperchia il razzismo che era stato solo momentaneamente nascosto sotto il tappeto (il paragone, fatto sempre con accezione negativa dalla popolazione, è immediatamente quello con “l’invasione dei rom”). In questo contesto, un bambino di otto anni che non parla, figlio di uno dei tanti protagonisti di un film corale pensato per non avere un punto di caduta facilmente identificabile, sembra più il simbolo di una presa di posizione, di un’attesa consapevole, piuttosto che di un mutismo patologico da far verificare da un medico.

R.M.N. | risonanza dei mali di una nazione

L’anamnesi da fare è ben diversa e non è un caso che Murgiu scelga la Transilvania come ambientazione del suo film. A Băile Tuşnad (in rumeno) o Tusnádfürdő (in ungherese), villaggio di duemila abitanti, quasi tutti magiari, il premier ungherese Viktor Orban organizza ogni anno, a fine luglio, una “università pubblica” – così viene definita – che è anche ovviamente palcoscenico per discorsi programmatici e grandi annunci. È lì, infatti, che nel 2018 enucleò i principi della sua “democrazia illiberale”, dove il termine “illiberale”, nella propaganda orbaniana, coincide con un processo di affrancamento dai fondamentali ideologici del liberalismo europeo.

Tenere costantemente alta la tensione tra le minoranze sparse nei diversi Paesi un tempo afferenti alla Grande Ungheria è una tattica efficacemente utilizzata per lusingare l’elettorato più nazionalista, ma anche la stessa Romania non è immune da simili istanze identitarie. La Camera dei deputati nel 2020 ha istituito il “Giorno del Trattato del Trianon” (4 giugno), sebbene l’acquisizione della Transilvania – ferita mai risanata nella storia dell’Ungheria – venisse già ricordata con la “Giornata della Grande Unione” (1 dicembre) sin dal 1989. Quello che in Ungheria è un giorno di dolore in cui si osserva solennemente un minuto di silenzio, è invece un giorno da celebrare e onorare (doppiamente) secondo il Parlamento romeno.

Narrazioni tossiche e nuovi populismi

Ovviamente la democrazia illiberale teorizzata da Orban considera l’immigrazione come un pericolo e come uno strumento nelle mani di non meglio identificati poteri globali per favorire la transizione verso un’era “post-cristiana e post-nazionale” (per usare le sue parole specifiche) e per compiere definitivamente “il piano Soros” (anche qui, citando testualmente il premier ungherese). La discussione pubblica riguardante il destino dei tre immigrati arrivati nel villaggio si alimenta proprio di queste leggende metropolitane, di bugie, notizie false, argomentazioni capziose e desiderio di prevaricazione. Un’atmosfera incendiaria su cui soffia un nuovo populismo che non è specificatamente ungherese-romeno, ma accomuna diversi Paesi europei.

È per questo che Mungiu dispone tutto il suo film affinché si arrivi ad un momento – un fenomenale consiglio cittadino messo in scena con camera fissa e senza tagli per circa quindici minuti – in cui sono le immagini, nella loro capacità di astrazione, a comunicare il senso profondo di un racconto che non può rimanere relegato nella sua specificità territoriale. Mungiu sceglie con attenzione chi tenere fuori dalla ripresa (il sindaco e il parroco, accondiscendenti, se non proprio conniventi, con gli xenofobi) e chi tenere in scena. Chi inquadrare in primo piano (due amanti clandestini il cui amore diventa palese proprio mentre infuria il dibattito) e chi sullo sfondo.

Quello di Mungiu è un film profondamente pessimista, ma anche capace di indicare senza esitazione dove riporre quel poco di fiducia che rimane. Nell’Unione Europea, a cui si devono le possibilità di crescita e di scambio culturale. Nelle donne, che appaiono quasi sempre risolute e gestiscono l’unica reale attività economica del villaggio. Nelle future generazioni, terrorizzate dalla violenza e non virilmente affascinate da essa. Tutto questo, ancora una volta, appare evidente nell’inquadratura collettiva, vera chiave di decodifica di un film che invece si chiude nell’ambiguità di un misticismo che disarma e rende palese l’impotenza davanti alle sfide e all’irrazionalità del presente.

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Mission: Impossible Dead Reckoning | Il primo teaser trailer ufficiale

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Arriverà al cinema nel 2023 Mission: Impossible Dead Reckoning, il settimo capitolo della celebre saga action con Tom Cruise girato in parte anche in Italia. Qui sotto potete vedere le primissime immagini nel teaser trailer ufficiale.

Diretto da Christopher McQuarrie questo nuovo film di Mission: Impossible sarà al cinema in Italia con Eagle Pictures e nel cast, oltre a Tom Cruise, troveremo Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Hayley Atwell, Shea Whigham, Pom Klementieff, Esai Morales, Henry Czerny, Rob Delaney, Cary Elwes, Indira Varma, Mark Gatiss, Charles Parnell, Greg Tarzan Davis e Frederick Schmidt.

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