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Cinema

Venezia 75, Roma: un monumento a Fellini che usa il reale per fare cinema

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Se c’è una cosa che rende davvero straordinario Roma è la maniera con la quale Alfonso Cuarón riesce a rielaborare i propri ricordi (quindi fatti davvero accaduti e legati alla sua infanzia) e la memoria storica del proprio Paese, restituendo comunque allo spettatore una visione idealista del mondo che è propria solo del cinema di finzione e non della realtà che questo mette in scena. Nella nuova opera del regista messicano, che guarda a Fellini nell’uso del bianco e nero e nella messa in scena, c’è quindi una storia inter-classista (non così diversa da quella che già c’era in Y tu mamá tambiénche unisce la medio borghesia ai popolani, i quali sono accolti dai loro “datori di lavoro” con l’amore e la tenerezza che questi sono soliti riservare solo ai loro figli. 

Il quartiere di Città del Messico messo in scena da Cuarón vive in ogni istante di piccoli rumori, di frasi che si sovrappongono a quelle dei personaggi nella cacofonia tipica delle periferie più popolose, di brevi comparse che si affacciano nel campo visivo per uscirne dopo pochi secondi, ma che sono segno di una umanità strabordante che per definizione non può essere tenuta a bada e che neanche il linguaggio del cinema può essere in grado di isolare fuori dalla scena. 

Roma: un film di Cuarón per Cuarón

La ricostruzione degli ambienti messicani degli anni ’70 è talmente precisa e minuziosa da lasciare attoniti: ogni scena è densa di dettagli che si accumulano sullo sfondo e che non sempre servono uno scopo nella narrazione, ma sono i ricordi che Cuarón ha strappato al suo passato per fissarli in 65mm (molti dei mobili utilizzati nelle scenografie sono esattamente quelli che arredavano i posti frequentati decenni fa dal regista). Come già in Gravity, il cineasta messicano non nasconde la propria predilezione verso il genere femminile, il solo in grado di accudire e proteggere, che in ogni modo deve difendersi da quello maschile, distruttivo e mai in grado di unire ma solo di dividere.

Cuarón adotta, con le dovute differenze, un metodo di lavorazione simile a  quello utilizzato nel nostro Paese solo da Matteo Garrone, che parte dalla scelta degli attori (non professionisti) e prosegue con loro un percorso il cui risultato è per forza di cose quello più coerente possibile. La sceneggiatura viene costantemente rimaneggiata a seconda delle esigenze che emergono durante il processo creativo ed ogni scena viene girata in ordine, affinché il percorso degli attori sia lo stesso di quello dei personaggi che interpretano. È anche per questa ragione che le protagoniste di Roma sono dotate di una naturalezza che le rende credibili anche nelle situazioni che, pur prendendo il via da fatti realmente accaduti, sono una trasposizione cinematografica (e quindi artificiosa) degli stessi.

Roma: opera circolare che racchiude la filmografia del suo autore

In Roma ci sono le inquadrature di Y tu mamá también, i piani sequenza tra gli spari che ricordano quelli de I figli degli uomini e persino alcuni secondi estrapolati da Abbandonati nello spazio, che spiegano l’ispirazione che si nasconde dietro Gravity. Quello di Cuarón (qui regista, sceneggiatore, produttore e direttore della fotografia) è quindi anche un film che racchiude la sua filmografia, la rielabora e la restituisce al pubblico. Ed è forse proprio l’origine così personale del progetto ad impedire a questo film di lacerante bellezza di compiere il passo definitivo per elevarsi al di sopra della nostalgia che mette in scena con così tanta passione, ovvero riuscire ad intrecciare le tre storie di Roma (quella della famiglia Cuarón, quella di Cleo e quella del Messico) affinché ciascuna di esse divenga chiave di lettura delle altre due. 

Alla fine, comunque, Roma rimane un affresco di rara efficacia, che comincia con l’acqua di una pozzanghera in cui si riflette la Storia e termina con quella del mare, che invece vorrebbe inghiottire donne e bambini. Persone le cui storie individuali non emergono dalla lettura dei libri di testo ma possono essere consegnate alla memoria di tutti solo attraverso il cinema. 

Roma – TRAILER

https://www.youtube.com/watch?v=fp_i7cnOgbQ

Studente presso la facoltà di Medicina e chirurgia dell'Università degli Studi di Bari Aldo Moro. Autore di diversi articoli pubblicati su mensili locali quali Bisceglie in Diretta e Il Biscegliese e siti d’informazione online locali e non. Ha collaborato con siti di informazione videoludica, come GameBack, GamesArmy e gamempire.it. Attualmente è redattore di Bisceglie24 e gestisce il blog cinematografico Strangerthancinema.it.

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Cinema

Io non ho mai, la recensione del cortometraggio di Michele Saia

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L’opera prima di Michele Saia, cortometraggio dal titolo Io non ho mai, è innanzitutto un racconto di fisici giovanili e corpi che si muovono nello spazio. Rispettando la tradizione dei film per ragazzi avviata di Rob Reiner, anche il protagonista del corto di Saia dovrà fuggire da altri ragazzi che lo vogliono acchiappare, dovrà saltare, cadere e correre per mettersi al riparo. Sarà lui ad insegnare suo fratello più grande, un ragazzone imponente e grosso ma affetto da ritardo mentale, ad andare in bici nonostante la contrarietà della loro madre. Anche in questo caso, quindi, l’emancipazione passerà attraverso l’utilizzo del proprio corpo, la capacità di coordinazione e l’attività fisica.

È come se il corpo fosse lo strumento attraverso il quale i ragazzini esprimono le loro aspirazioni e i loro sentimenti. Non a caso, quindi, anche la ragazza di cui il protagonista è innamorato sarà caratterizzata innanzitutto da un segno sul viso e questo “difetto” estetico ne determinerà la personalità. Ancora una volta è il corpo che viene prima di tutto il resto. La conosceremo prima attraverso la sua faccia e solo successivamente attraverso le sue parole e le sue intenzioni. 

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Saia, laureato con lode in grafica d’arte e progettazione, sembra ragionare come un regista di cartoni animati. Grazie alla precisa e dettagliata progettazione delle inquadrature, basata sull’utilizzo dello storyboard, ogni scena di Io non ho mai sembra avere alla base un’idea visiva prima ancora che di scrittura. Il modo in cui la macchina da presa si avvicina ai personaggi, invadendo la loro intimità, per poi allontanarsi, come a volerli osservare da lontano senza intromettersi nelle vicende, suggeriscono una consapevolezza ben precisa di voler narrare innanzitutto attraverso le immagini e solo successivamente attraverso i dialoghi e le azioni. Saia utilizza quindi tutti gli elementi propri del mezzo cinematografico per compiere una intelligente sintesi di ciò che vuole veicolare attraverso il racconto.

Così ad esempio il sound design, utilizzato brillantemente per interferire con il realismo delle scene, per suggerire la presenza di qualcosa che non possiamo vedere o per amplificare ed estremizzare i rumori dell’ambiente in cui si svolge l’azione, sembra quasi mettere in discussione la veridicità di ciò che stiamo osservando. Si tratta di un’avventura reale o del ricordo nostalgico, per definizione “manomesso”, di un evento verificatosi nel passato? Questa aleatorietà del racconto, questa vaghezza ricercata, sottolineata dal fatto di non aver dato un nome al ragazzo di cui si narra, contribuisce all’astrazione della vicenda specifica che viene messa in scena e aiuta a rendere universale la condizione di un giovane protagonista alla ricerca di un proprio posto nel mondo e di un modo “giusto” di relazionarsi con gli altri (ma anche con se stesso).

Saia riesce a fare tutto questo senza rinunciare alla ricercatezza formale e al gusto estetico (il “rifugio” dei due ragazzi è un piccolo gioiello andersoniano) e allo stesso tempo riuscendo a trasmettere un genuino senso di avventura, conferendo dinamismo alle scene attraverso i momenti degli attori e quelli della macchina da presa. I protagonisti di Io non ho mai veicolano attraverso la loro presenza scenica le loro ansie e i loro desideri più sopiti. Ogni loro gesto, anche quello apparentemente meno spiegabile, ci rivela qualcosa di loro che prima non sapevamo. E il “vagabondaggio” del giovane protagonista avviene in uno spazio molto più ampio e indefinito di quanto possa essere quello di un piccolo paese di provincia. Un territorio inesplorato ancora da conquistare, un passo alla volta. Da soli o, preferibilmente, assieme alle persone giuste. 

IO NON HO MAI – trailer – from Michele Saia on Vimeo.

Photo Credit: Barbara Tucci e Gianluca Scerni

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Cinema

Wild Mountain Thyme, arriva il film tratto dal romanzo di John Patrick Shanley con Emily Blunt e Jamie Dornan

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Emily Blunt e Jamie Dornan sono i protagonisti del film Wild Mountain Thyme di John Patrick Shanley. Dall’Academy Award®, il Tony Award e il vincitore del Premio Pulitzer John Patrick Shanley  arriva il romanzo lirico Wild Mountain Thyme, un adattamento del suo successo di Broadway Outside Mullingar. Il film è interpretato da Emily Blunt, Jamie Dornan, Jon Hamm, Dearbhla Molloy e Christopher Walken.

Anthony (Dornan) sembra sempre essere al lavoro nei campi, sfinito a causa del padre che non  perde occasione per sminuirlo (Walken). Ma ciò che veramente lo preoccupa è la minaccia di suo padre di lasciare in eredità la fattoria di famiglia a suo cugino americano Adam (Hamm). All’inizio Rosemary (Blunt) sembra provare rancore per essere stato svergognato da Anthony durante l’infanzia, ma le scintille tra di loro manterrebbero un falò ardente per tutta la notte. Sua madre Aoife (Molloy) si sforza di unire le famiglie prima che sia troppo tardi.

Il film è stato girato tra l’Irlanda e New York.

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Emily Blunt, Jamie Dornan e Jon Hamm

Wild Mountain Thyme è stato sviluppato da Mar-Key Pictures ed è prodotto da Leslie Urdang di Mar-Key, Anthony Bregman di Likely Story, Michael Helfant e Bradley Gallo di Amasia Entertainment, Alex Witchel e Martina Niland di PoElmilyrt Pictures. Andrew Kramer, Jonathan Loughran e Stephen Mallaghan saranno i produttori esecutivi. Il film è finanziato da Amasia Entertainment, Aperture Media Partners e Loughran / Mallaghan.

Bleecker Street ha acquisito i diritti di distribuzione negli Stati Uniti e Lionsgate UK ha acquisito i diritti del Regno Unito. HanWay Films gestisce le vendite e la distribuzione internazionale e CAA Media Finance ha gestito i diritti degli Stati Uniti e ha negoziato l’accordo con Bleecker Street insieme a Andrew Kramer di Loeb & Loeb.

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Bad Boys For Life, il grande ritorno della coppia Smith/Lawrence nel primo trailer

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Bad Boys for Life, Will Smith e Martin Lawrence nel nuovo trailer italiano del terzo capitolo della saga, diretto da Adil El Arbi & Bilall Fallah. Il film al cinema dal 23 gennaio 2020 prodotto da Sony Pictures e distribuito da Warner Bros. Entertainment Italia.

A più di vent’anni dall’uscita dell’iconico Bad Boys, Will Smith e Martin Lawrence di nuovo insieme nel nuovo trailer dell’atteso terzo capitolo della saga, Bad Boys for Life. I due attori tornano a interpretare i ruoli di Mike Lowrey e Marcus Burnett nel film diretto da Adil El Arbi & Bilall Fallah. Prodotto da Sony Pictures e distribuito da Warner Bros. Entertainment Italia, il film sarà nelle sale italiane dal 23 gennaio 2020. Nel cast anche Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig, Charles Melton, Paola Nunez, Kate Del Castillo, Nicky Jam, Joe Pantoliano.

I Bad Boys Mike Lowrey (Will Smith) e Marcus Burnett (Martin Lawrence) di nuovo insieme per un’ultima corsa nell’atteso Bad Boy for Life.

 

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