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Venezia 75: Sulla Mia Pelle, Alessandro Borghi: “La storia di Stefano Cucchi è una ferita ancora aperta”

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All’interno della sezione Orizzonti di Venezia 75 è stato presentato in anteprima il film Sulla Mia Pelle, diretto da Alessio Cremonini e interpretato da Alessandro Borghi, Max Tortora e Jasmine Trinca.

Il film distribuito contemporaneamente al cinema da Lucky Red e attraverso il servizio di streaming Netflix a partire dal 12 settembre 2018, racconta il tragico fatto di cronaca che ha coinvolto Stefano Cucchi, giovane geometra romano morto mentre si trovava in custodia cautelare a Regina Coeli. Il regista e il cast hanno incontrato la stampa internazionale durante la conferenza stampa del film ed ecco cosa hanno raccontato.

Alessandro Borghi in Sulla Mia Pelle

Come vi siete rapportati con questa storia di cronaca che ha lasciato il segno?

Alessandro Borghi: La storia di Stefano Cucchi è una ferita ancora molto aperta per la storia del nostro paese. Ero un po’ confuso nel fare questo film perché sono stato emotivamente coinvolto da questa vicenda per tanti anni. Poi però ho pensato che fosse giusto usare il cinema per raccontare una storia che doveva essere raccontata e la sceneggiatura mi ha colpito per il suo rigore e una correttezza nello scandire gli eventi. 

Jasmine Trinca: Interpretare Ilaria Cucchi è stato impegnativo, ma ho voluto affrontare il personaggio non come attrice ma nel rispetto del suo dolore privato. Abbiamo anche lavorato sull’immagine, cercando di raccontare la sfera privata dei legami familiari e l’amore per un fratello che sbaglia e inciampa, verso cui lei è stata anche dura e severa. 

Max Tortora: La misura è fondamentale in una storia così, perché bisogna esserci dentro ma non troppo e affidarsi a ciò che si conosce della storia. Il regista si è fatto da parte per lasciare spazio agli eventi. Ho un affetto per Stefano (Cucchi) da sempre e, in un certo senso, mi sono ritrovato quasi naturalmente in questa storia. 

Milva Marigliano: Lavorare sul dolore di un personaggio e renderlo universale non è facile. Se è realmente esistito poi è più difficile. Anche il dolore ha un suo incanto e in questo film abbiamo lavorato sulla sottrazione, grazie a Cremonini e alla sceneggiatura. Io non sono madre, ma mi piace interpretare questi ruoli perché portano avanti dei dolori e gioie profondissimi. 

Questo è stato un ruolo molto fisico. Ma come ha affrontato l’elemento fede che spesso ricorre nel film?

Borghi: Tutto quello che viene raccontato nel film sono cose dette da fonti vicine a Stefano e varie testimonianze ufficiali. La fede racconta la nuova fase della vita di Stefano, perché lui in quel momento della sua vita stava cercando di cambiare qualcosa, seppur faticosamente. Andava in palestra e si è avvicinato alla fede perché lo faceva sentire meglio. Difficile chiedere perdono ad una famiglia a cui già gliene hai fatte passare molte. Sulla mia Pelle è un racconto oggettivo dei fatti, tra materiale trovato su internet e influenze avute dalla sceneggiatura. Razionalmente in questo film io ho fatto poco. Ho solo seguito il flusso di quello che accadeva a me e a quelli intorno a me. Poi quando ho dovuto affrontare il  dimagrimento e interagire solo con una camera di ospedale è stata la parte più difficile. 

Che lavoro avete fatto sulla sceneggiatura?

Alessio Cremonini: Abbiamo studiato circa 10 mila pagine di verbali con umiltà e senso francescano per capire, senza pregiudizi, cosa era successo, umanamente. Ci si dimentica spesso che le vittime non ci sono più ma gli altri parlano di loro, e un verbale è freddo per far uscire fuori qualcosa. Dovevamo trasformare la carta in carne. Il cinema in questo è magico. Poi abbiamo avuto molti confronti su vari aspetti della storia. 

Quali sono le prudenze da adottare per raccontare una storia come questa, anche visto il processo ancora in corso?

Alessio Cremonini: Sono un garantista perché i film non sono aule di giustizia, ma raccontano delle storie. Nel nostro film c’è una porta che si chiude perché è giusto che i magistrati decidano cosa è successo realmente. Cucchi è dimagrito 7kg in 7 giorni, e qualcosa da dire c’è. 

Alessandro Borghi: Abbiamo fatto il film senza curarci del mondo fuori. Il film cerca di fornire gli strumenti per farsi un proprio pensiero su questa storia. Abbiamo trovata una dimensione meravigliosa per raccontare una storia vera, rigorosa e precisa senza rischiare di vederlo solo a casa nostra. 

Tutto è molto realistico. Il personaggio di Marco però è stato creato nel calvario di Cucchi o no?

Alessandro Borghi: Io ho chiesto a Alessio quale fosse la sua idea e lui mi ha detto di farlo come veniva e vedere gli altri come lo percepivano. Io l’ho immaginato come un suo rifugio mentale.

Come è stata la trasformazione fisica?

Alessandro Borghi: Devo ringraziare Giulia Mecozzi, nutrizionista e psicologa, che mi ha seguito in un processo di poco meno di tre mesi. Ho furbamente sfruttato un altro film che ho girato con Matteo Rovere, per cui ho passato due mesi nel bosco per un ruolo molto dinamico che ha richiesto un certo allenamento. Alla fine del film avevo perso 9 chili e ne mancavano altrettanti, quindi ho mangiato davvero poco e sono diventato più antipatico, ma questo mi ha costretto ad avere a che fare con me stesso in un modo del tutto nuovo. Nell’ultima settimana pesavo 62kg ed è stato molto difficile, ma bisogna avere un obiettivo per farlo. In tutto ho perso 18 kg.

 

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

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Jojo Rabbit | La recensione del film di Taika Waititi

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jojooo

Candidato a numerosi Oscar, Jojo Rabbit è stato il film vincitore della “sceneggiatura non originale”. Sicuramente uno dei film migliori della scorsa annata.

Jojo Rabbit | La sinossi del film

Un bambino tedesco, fanatico nazista che ha come amico immaginario Hitler, passa le sue giornate all’addestramento per giovani nazisti. La sua vita cambia quando scopre che la madre nasconde in soffitta una ragazza ebrea.

Jojo Rabbit | La recensione del film

Taika Waititi crea una favola nera e sconfigge il nemico attraverso l’uso dell’ironia con cui ridicolizza un’ideologia assurda. In “Jojo Rabbit” Hitler è una presenza solo nella mente di Jojo, che quindi diventa allegoria di un’ideologia soffocante e manipolatoria che cerca di corrompere gli animi innocenti: i bambini. Bambini che vengono preparati alla guerra ed educati all’odio e al pregiudizio. Jojo è combattuto, inizierà infatti a provare simpatie per la ragazza ebrea nascosta nella sua casa nonostante il suo ossessivo fanatismo e l’incessante rievocazione (attraverso la figura idealizzata di Hitler) dei falsi principi con i quali è stato cresciuto.

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Proprio grazie all’inizio di questa particolare amicizia e grazie all’amore della madre Jojo riuscirà ad aprire gli occhi, ad uscire dalla caverna da cui era prigioniero e iniziare finalmente ad essere libero. Il regista presta particolare atenzione ai protagonisti: il personaggio di Jojo fa riflettere lo spettatore: come si può giudicare un bambino nazista dopo che esso è stato educato alla guerra? Jojo è lo specchio delle conseguenze dell’odio. Davanti ad un bambino che loda il fuhrer lo spettatore non resta indifferente.

Le altre due protagoniste sono due donne forti. Rosie, la mamma di Jojo, è la rappresentazione dell’amore materno, di un’amore paziente, incondizionato e spesso sofferto in quanto apparentemente impotente. Rosie, infatti, ha una diversa ideologia morale e politica rispetto a suo figlio eppure, senza costrizione, cerca di impartirgli insegnamenti completamenti diversi da quelli nazisti. Poi c’è Elsa, una ragazza ebrea forte e coraggiosa ma anche molto sensibile capace di vedere la bontà di Jojo che si cela sotto la divisa nazista. Tutti gli attori hanno interpretato benissimo le loro parti, nota di merito alla bravissima Scarlett Johansson. Grazie alla scenografia e alla splendida fotografia Waititi ricrea le atmosfere fiabesche e colorate di Wes Anderson che segnano un netto contrasto con la guerra e l’oppressione che aleggiavano in quegli anni.

Jojo Rabbit non regala solo risate ma anzi riesce a creare un giusto connubio tra commedia e drammaticità alternando momenti emozionanti e commoventi a momenti divertenti ma anche riflessivi, il tutto con il sottofondo di una colonna sonora pazzesca. Molti dettagli del film sono importanti, come ad esempio la danza che viene citata più volte e rappresentata come atto liberatorio ma anche l’amore per la vita.
Taika Waititi continua il viaggio cinematografico intrapreso da Chaplin più di settant’anni fa con Il grande dittatore sconfiggere la guerra con l’umanità, l’odio con l’amore.

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Cannes 2020 | Annunciata la selezione ufficiale del festival che non ci sarà

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cannes 2020

Thierry Frémaux l’aveva detto ed è stato di parola, seppur la dichiarazione sia parso più uno sfoggio personale atto a celebrare il Festival del cinema per eccellenza – che di certo non aveva bisogno di superflui lustrini – che un effettiva risposta al forzato annullamento di Cannes 2020 a causa dell’epidemia di Covid-19. In ogni caso il delegato generale ha annunciato ieri, insieme al presidente del festival Pierre Lescure, la selezione di titoli che era stata prevista per l’edizione di quest’anno: film che potranno essere presentati o concorrere in altre kermesse (la grande rivale Venezia esclusa) o distribuiti direttamente in sala a patto di portare con loro il marchio Cannes. Un totale di 56 titoli – nessun italiano – annunciati senza la sezione nella quale avrebbero dovuto gareggiare, con ben quindici esordi e sedici produzioni a marchio femminile. Ma vediamo insieme una panoramica delle pellicole più interessanti che avrebbero dovuto originariamente vedere la prima luce delle sale sul suolo d’Oltralpe.

Da Wes Anderson a François Ozon

the french dispatch

The French dispatch

Il film più atteso dalla critica e dal pubblico era sicuramente The French Dispatch di Wes Anderson, pronto ad accompagnarci nelle dinamiche relazionali della sezione francese di quotidiano americano con il supporto di un cast delle grandissime occasioni (capitanato dai suoi feticci Bill Murray, Owen Wilson e Adrien Brody). Ma la lista di grandi autori è lunghissima, da François Ozon con il viaggio nostalgico in un’estate degli anni ’80 di Été 85 al “doppio” Steve McQueen con Mangrove and Lovers Rock – facenti parte di un progetto antologico per BBC Films -, da Thomas Vinterberg che in Druk – Another Round torna a collaborare col fido Mads Mikkelsen a Bruno Podalydès con Les Deux Alfred.

Leggi anche: Cannes 2019, i film e le star più attese in questo nuovo giro di Croisette

Dall’Oriente con furore

peninsula

Peninsula

Ma è soprattutto il cinema orientale a pagare il prezzo più alto: nell’edizione successiva al trionfo di Parasite (2019) erano molte infatti le proposte “con gli occhi a mandorla” pronte a caratterizzare le varie sezioni. Sia dal punto di vista più spettacolare, con Peninsula di Yeon Sang-ho – sequel dell’instant cult Train to Busan (2016) che avrebbe fatto saltare dalla sedia i critici più abbottonati, che da quello più intimista e crepuscolare: la lunga lista include i nuovi lavori di maestri/e conclamati quali Hong Sang-soo (con Heaven), Naomi Kawasi (True mothers), Im Sang-soo (Évent), oltre alla visione globale di Septet: The Story Of Hong Kong, che ripercorre la storia del cinema dell’ex colonia britannica attraverso lo sguardo di sette grandi registi come Ann Hui, Johnnie To, Tsui Hark, Sammo Hung, Yuen Woo-Ping, Patrick Tam e Ringo Lam.

Non manca l’animazione, con il nuovo atteso lavoro della Pixar ossia il Soul diretto da Pete Docter – recentemente autore dell’ottimo Inside out (2015) e l’ultimo film dello studio Ghibli firmato dal figlio d’arte Goro Miyazaki, il fantastico Aya and the Witch. Tra i debutti d’eccellenza dietro la macchina da presa citiamo il Failing di Viggo Mortensen: anche lui, come i suoi colleghi esordienti e meno famosi, avrebbe forse voluto vivere l’emozione della “prima volta” in maniera ben diversa.

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Paolo Sorrentino | I 50 anni del regista italiano

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paolo sorrentino

Ha compiuto mezzo secolo l’appena trascorso 31 maggio uno dei registi italiani capaci di ridare lustro e risalto al nostro cinema, ossia Paolo Sorrentino. Napoletano verace e rimasto orfano in età adolescenziale di entrambi i genitori, cresciuto col mito di Maradona e con una parallela carriera da scrittore, Sorrentino ha definitivamente conquistato il pubblico mondiale con La grande bellezza (2013), capace di vincere sia l’Oscar che il Golden Globe per il miglior film straniero, consacrando infine il suo particolarissimo stile che pure è ancor oggetto di diatribe tra sostenitori e detrattori. In occasione di questa importante ricorrenza, ripercorriamone insieme le fasi più importanti della carriera.

Gli inizi e i primi successi

L’esordio effettivo avviene all’età di ventiquattro anni con il cortometraggio, co-diretto a quattro mani, Un paradiso (1994) – incentrato su un uomo prossimo a suicidarsi – e in quel periodo collabora come ispettore di produzione per progetti altrui, un’esperienza considerata poco soddisfacente, e nelle vesti di sceneggiatore (scrisse anche alcuni episodi della serie tv La squadra).

Bisogna attendere la fine degli anni ’90 per il primo lavoro interamente suo, il corto L’amore non ha confini (1998) dove il suo approccio alla macchina da presa comincia già ad emergere tra sussulti surrealisti e omaggi a classici del cinema. Inizia così la collaborazione con la Indigo Films, proseguente a tutt’oggi, e tre anni dopo realizza un’operazione sociale contro la dipendenza delle droghe per la regione Lombardia, La notte lunga (2001).

il divo

Il divo

Arriva così il momento del debutto nel lungometraggio con L’uomo in più (2001), presentato a Venezia con ottimi riscontri e vincitore di un Nastro d’Argento, che segna anche l’inizio della sua fruttuosa collaborazione con Toni Servillo. Un sodalizio che si ripeterà nel successivo Le conseguenze dell’amore (2004) e ormai si può effettivamente parlare di una poetica “sorrentiniana”, con la critica che lo celebra in forma sempre maggiore (il film vince tra i tanti 5 David di Donatello) e il pubblico che si accorge del regista.

L’amico di famiglia (2006) non bissa il successo del predecessore ma ormai il cineasta si è fatto un nome e i grandi Festival fanno a gare per contendersi i suoi nuovi lavori. Il primo grande exploit, entrato nell’immaginario collettivo anche per via del tema trattato, è sicuramente Il divo (2008), dove il fido Servillo veste i controversi panni di Giulio Andreotti: vincitore del Gran Premio della Giuria a Cannes, è il definitivo spartiacque della carriera, ora senza più freni inibitori, ed esalta allo stato puro la sua iconica cifra stilistica.

Leggi anche: Loro 1, la recensione del film di Paolo Sorrentino

La consacrazione e gli ultimi lavori

la grande bellezza

La grande bellezza

Arriva il momento per il primo lavoro in lingua inglese, con una star quale Sean Penn e un cast delle grandi occasioni (Frances McDormand e Harry Dean Stanton tra i tanti) che prendono parte a This must be the place (2011), malinconica storia di una rockstar del passato che si mette alla ricerca di un criminale di guerra nazista.

Ideale preambolo a quanto avverrà due anni dopo, quando La grande bellezza (2013) “fa il botto” e agguanta a distanza di poche settimane il Golden Globe e l’Oscar: nonostante la critica italiana fosse divisa, è un plebiscito da parte degli spettatori, che lo premiano con incassi record. Ormai tutti lo cercano e vogliono lavorare con lui, come dimostra il secondo progetto internazionale Youth – La giovinezza (2015), dove si trova a dirigere interpreti del calibro di Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano e Jane Fonda.

the young pope

The Young Pope

Il suo ultimo lavoro per il grande schermo è stato il dittico di Loro (2018), diviso appunto in due episodi e raccontante la figura di Silvio Berlusconi e le conseguenti derive del berlusconismo: un progetto ambizioso ma altrettanto incapace di mettere d’accordo le varie voci critiche.

Nel frattempo però Sorrentino era partito all’assalto del piccolo schermo, dove con la serie The Young Pope ha portato nuova linfa agli standard televisivi: un progetto irriverente e sontuoso impreziosito dalle performance di Jude Law, Diane Keaton e Silvio Orlando, a cui seguirà nei primi mesi di quest’anno la seconda stagione ribattezzata The New Pope con l’importante aggiunta nel cast di John Malkovich. Tra i nuovi progetti in cantiere vi è il film biografico Mob Girl, previsto in uscita per quest’anno – ma ritardato dall’emergenza Covid-19 – e raccontante la storia vera di una donna (Jennifer Lawrence) diventata informatrice per l’FBI.

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