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Festival

Giffoni 44°, Alan Rickman porta la magia di Harry Potter tra i ragazzi

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Alla 44° edizione del Giffoni Film Festival è arrivato niente di meno che l’indimenticabile professore di pozioni Severus Piton: Alan Rickman. Attivo nel campo teatrale dagli anni ’70 e protagonista di indimenticabili film del calibro di Trappola di cristallo, Robin Hood – Principe dei ladri e Love Actually Alan Rickman ha raggiunto la popolarità mondiale nel 2001 grazie al ruolo di Severus Piton in Harry Potter e la pietra filosofale che ha continuato a interpretare fino al 2011 anche per i successivi sette film. Accolto da migliaia di ragazzini curiosi di conoscere l’oscuro e “malvagio” Piton Alan Rickman ha raccontato interessanti curiosità sulla sua vita e sulla sua incredibile carriera:

Il tema di questa edizione è Be Different. Si è mai sentito diverso da adolescente?

Si, da ragazzo mi sono sentito spesso diverso, mio padre è morto quando avevo solo sei anni e mia madre ci ha cresciuto da sola. La scuola mi ha aiutato molto a diventare quello che sono ora. Questa è un’epoca in cui i giovani tendono a conformarsi eccessivamente agli altri ed è pericoloso perché molti finiscono con il tentare il suicidio. Il tema Be Different è importante perché costituisce un messaggio fondamentale da trasmettere ai giovani.

Cosa pensa dei nuovi libri di J.K. Rowling e il suo personaggio in Harry Potter può essere definito come shakespeariano?

Mia moglie sta leggendo i nuovi romanzi della Rowling e pensa siano bellissimi. Ma non penso ci possa essere un futuro per il mio personaggio in Harry Potter, da quanto ricordo è morto (ride). In ogni caso in Piton c’è sicuramente un po’ di Amleto, Riccardo 3 e Tito Andronico.

A cosa sta lavorando al momento?

Ho girato Una Promessa di Patrice Lecont che uscirà presto in Italia e ho finito di montare A Little Chaos, un film ambientato alla corte di Luigi XIV a metà strada tra realtà e finzione che chiuderà il Festival di Toronto. Io interpreterò Luigi XIV.

rickmanChe cosa pensa del suo personaggio in Harry Potter?

La Rowling tiene molto al mio personaggio, conosce tutto di lui. Non è un segreto che ogni mossa di Piton sia stata dettata dall’amore.

Come spiega il suo ruolo da villain in molti film?

Innanzitutto l’attore di professione interpreta personaggi buoni e cattivi. E poi nella mia carriera di veri e propri villain ne ho interpretati solo tre. E parlando sinceramente sono tre personaggi molto profondi che non mi sento di giudicare negativamente.

Che differenze trova tra dirigere un film e dirigere uno spettacolo teatrale?

Sicuramente è più difficile dirigere a teatro che nel cinema perché nel cinema ogni regista è circondato da esperti che lo aiutano mentre nel teatro tante persone ti cercano costantemente per avere delle risposte. Inoltre il lavoro cinematografico è una specie di lavoro di gruppo, mentre quello teatrale è più individuale. E poi anche i tempi sono diversi, il teatro occupa sei settimane in tutto mentre per l’ultimo film sono stato impegnato per diciotto mesi.

Preferisce partecipare a film per adulti o per ragazzi?

Se la storia è potente il film ha un impatto sia sugli adulti che sui bambini. Una delle cose più belle del mio mestiere è quando adulti e adolescenti rimangono incantati a fissare lo schermo. Anche se la mia vera passione rimane il teatro.

Come pensa di allontanarsi dal suo ruolo in Harry Potter? E cosa pensa dei giovanissimi interpreti della saga?

Mentre giravo Harry Potter continuavo a fare anche altre cose perché alla fine quei film mi impegnavano solo sei settimane l’anno. Inoltre non mi sono neanche reso conto del loro passaggio alla sfera adulta. Quello che posso dire è che mi sembrava sempre di relazionarmi con i stessi ragazzi con l’unica differenza che usavo un linguaggio più adulto.

 

Segnato da un amore incondizionato per la settima arte, cresciuto a pane e cinema e sopravvissuto ai Festival Internazionali di Venezia, Berlino e Cannes. Sono sufficienti poche parole per classificare il mio lavoro, diviso tra l’attenta redazione di approfondimenti su cinema, tv e musica e interviste a grandi personalità come Robert Downey Jr., Hugh Laurie, Tom Hiddleston e tanti altri.

Berlinale

Berlinale 71: Natural Light, la recensione del film premiato per la regia

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Pellicola che ha debuttato il 2 marzo 2021 in World Premiere alla Berlinale 71, Natural Light è diretto da Dénes Nagy. Durata 103 minuti. Una produzione realizzata con la collaborazione di Ungheria, Francia, Germania e Lettonia, che ha vinto l’Orso d’Argento per la Miglior Regia.

Natural Light: sinossi

Il caporale István Semetka, prima semplice contadino ungherese, si trova in una situazione più grande di lui e contro la sua volontà. Facente parte di un’unità speciale il cui scopo è cacciare partigiani nell’Unione Sovietica ai tempi della Seconda Guerra Mondiale, dovrà fare i conti con il susseguirsi degli eventi, in una morsa che procede per inerzia, tra paure ed impotenza.

Natural Light: recensione

Un war movie che basa la sua funzione primaria non tanto nello scontro, quanto nell’elaborazione personale di un semplice uomo. Il regista ungherese vince meritatamente l’Orso d’Argento proprio per la sua precisa e maniacale direzione. Scenografie accurate, location immersive ed un’attenzione alla ricostruzione storica con l’ausilio esemplare di costumi d’epoca, collaborano all’unisono per dipanare una vicenda che si imprime negli occhi dello spettatore principalmente per goduria visiva. Tecnicamente grandioso, forte di un’estetica calamitica, vive di luci naturali proprio come il titolo suggerisce.

natural light film recensione

Quasi unicamente girato senza l’aiuto di artificiosità, fa della fotografia un enorme punto di forza, spesso sono i focolai, gli incendi, il fuoco stesso l’unica fonte di luce ed è inutile sottolineare la magia che si crea nell’infrangersi sui volti e su ogni superficie, rispecchiando colori impossibili da replicare in modo costruito. Perfetto nel creare un’atmosfera quasi disturbante nella sua sensazionale bellezza, disegna ambientazioni naturali, panoramiche, albe, tramonti che sono quasi un vero e proprio personaggio.

In tutto questo troviamo un dramma, fatto di paure, del superamento di esse e talvolta di immagini qua e là inquietanti, utili a rafforzare ciò che già è potente di suo. Silenzi, sospiri, l’ampio spazio ceduto agli sguardi e ai primissimi piani, che identificano una struttura quasi in sottrazione, in cui la narrazione risulta una rincorsa a vivere il film invece che osservarlo.

Il sonoro in generale è bilanciato accuratamente ed accompagna questi volti consumati, stanchi, sporchi, privati di qualcosa in un percorso visivo cupo e desaturato, in cui la tavolozza sembra avere solo tonalità verdastre, giallognole e marroni. Sbalorditivo dunque principalmente a livello tecnico e per l’essenza che trasmette grazie alla maestria scrupolosa, nel catturare lo spettatore senza alcuna riserva, inutile dire che sul grande schermo ovviamente sarebbe stato superlativo.

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Berlinale

Berlinale 71: Guzen To Sozo (Wheel of Fortune and Fantasy) la recensione

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Guzen To Sozo (Wheel of Fortune and Fantasy) è stato presentato in anteprima mondiale alla Berlinale 71 il 4 marzo 2021. Diretto e scritto da Ryusuke Hamaguchi, il film giapponese della durata di 121 minuti ha vinto l’Orso d’Argento Gran Premio della Giuria.

Guzen To Sozo (Wheel of Fortune and Fantasy) Sinossi

Diviso in tre differenti archi narrativi autonomi, il film racconta personaggi femminili in diverse circostanze: il primo Magic si basa su un triangolo amoroso, il secondo Door Wide Open si incentra su una seduzione fallita ed infine il terzo, Once Again, narra di un incontro inaspettato. 

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Guzen To Sozo (Wheel of Fortune and Fantasy), la recensione

Interessante e ben delineato, il film di Ryusuke Hamaguchi tende a farci assaporare diversi sentimenti, dettati da personalità femminili, ma allo stesso tempo caratteristici di un’identità singola. Queste tre storie partono tutte con la stessa idea di base: raccontare il punto di vista femminile in situazioni totalmente divergenti.

Con questi presupposti però, ciò che si può notare è appunto come tre donne che non condividono alcuna circostanza e calate in contesti differenti, risultino allo stesso modo delicate e riservate nell’elaborazione del caso. Il tempo poi è ben scandito in ognuna delle vicende, è presente una parte introduttiva per poi metterci di fronte ad un doveroso sbalzo temporale ed infine riagganciarsi dopo mesi o anni, con le conseguenze che tutto ciò ha comportato.

Uno scorrere del tempo dunque per valutare gli effetti delle scelte fatte in precedenza. Compromessi, false illusioni, rimpianti, tutti aspetti che sono oltre che femminili, propri di ogni essere umano, perciò è come se il regista avesse voluto metterci davanti semplicemente alla vita stessa, a ciò che può accadere a tutti noi.

Se ci si fa caso ogni mini storia concepisce gli attimi inaspettati, ossia getta le sue fondamenta sul concetto di qualcosa che è involontario, non programmato, succede e basta. Degna di merito la scelta di voler dettare delle linee guida similari per poi ramificarsi in elaborazioni singole, si percepisce in maniera chiara l’intento e questo grazie ad una narrazione fluida e corposa.

Inquadrature spesso statiche, senza bisogno di grandi evoluzioni, riescono a farti empatizzare con i personaggi, la macchina da presa scompare quasi nella totalità del minutaggio, un grande pregio per un genere di film che fa del suo vanto l’immersione dello spettatore nel racconto. Concludendo ciò che si può trovare in questa pellicola è poesia, stupore, sensibilità e tutto questo espresso ai nostri occhi con una morbidezza che non è affatto da tutti.

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Cinema

TFF 38: Fried Barry, la recensione del delirante film di Ryan Kruger

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Diretto, prodotto e sceneggiato da Ryan Kruger, approda al Torino Film Festival edizione n.38, una  commedia fantascientifica intitolata Fried Barry. Il Sud Africa è il paese d’origine e Gary Green il suo protagonista.

Un uomo tossicodipendente e già di suo alquanto svalvolato, almeno all’apparenza, un giorno di punto in bianco viene scelto  dagli extraterrestri come cavia. L’alieno dentro di lui vuole provare dunque ogni tipo di esperienza umana e così come un’ameba l’uomo/alieno inizia a muoversi per inerzia in giro per la città, facendo ogni cosa e lasciandosi trasportare dagli eventi senza capacità di giudizio, finchè l’ospite avrà finito con questo inutile involucro.

Un film assurdo, con poca possibilità di percezione positiva. Tutta colpa o merito (dipende dal personale gradimento) di Ryan Kruger, visto il suo coinvolgimento nell’opera, avendo ricoperto i ruoli di regista, produttore e sceneggiatore. La scrittura come la messa in scena, peccano di banalità e troppo semplicismo; al nostro protagonista succedono cose davvero incredibili, ma non per spettacolarità quanto più per scadente plausibilità, come se ad ogni angolo della strada ci fosse qualcuno che aspetta proprio lui, per fare sesso o regalargli droghe o chissà cos’altro.

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Situazioni impensabili, personaggi strambi e poca cura per le performance attoriali come per il realismo delle azioni che compiono, con errori riconducibili ad un principiante alle prime armi.
Una nota positiva risiede invece nella fotografia, contraddistinta da un tono quasi finto patinato, mediante un uso accurato di luci e colori, che senz’altro esaltano il film perlomeno visivamente. 

Se si volesse provare a fare una sovralettura con l’intento di trovare un significato recondito e strettamente ispirato, si potrebbe parlare del corpo umano come semplice involucro, che viaggia parallelamente all’animo, all’essenza, a ciò che costituisce la coscienza e la volontà di agire.
Oltre a questo, noi umani abbiamo anche limiti dettati dalla nostra fragilità e dall’essere mortali, che gli alieni (almeno quelli di questo film) non sembrano avere. Pertanto da un lato ci si trova di fronte a limiti fisici, dall’altro ad emozioni che invece sono solo nostre, come l’amore, che per un alieno provare potrebbe voler dire godere di autenticità, un potere sconsiderato ed inaspettato agli occhi di un essere superiore.

Sicuramente il protagonista ha un impatto visivo peculiare, sottolineato da questo sguardo sempre allucinato che vanta una valenza macchiettistica, anche forte dell’aspetto fisico stesso dell’attore Gary Green. Detto questo, credo di aver voluto cercare un qualche messaggio un po’ troppo sofisticato per un prodotto delirante che si rivela essere caratterizzato da un potenziale interessante, ma realizzato davvero male, che non credo rimarrà nell’immaginario comune o meglio ci resterà saldo, ma per essere d’esempio quando ci si riferirà a prodotti di qualità infinitamente bassa.

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