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Recensioni

L.A.’s Finest | Su Fox arriva lo spin-off di Bad Boys con Jessica Alba

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Da lunedì 9 novembre arriva su Fox (canale 112 di Sky) L.A.’s Finest, con Jessica Alba e Gabrielle Union. Quest’ultima veste i panni di Sydney Burnett, sorella del celebre Mike Burnett, interpretato nei tre capitoli di Bad Boys da Will Smith. Ecco allora che la serie si identifica come spin-off del franchise. Dietro il progetto si piazzano Brandon Margolis e Brandon Sonnier, già sceneggiatori di un grande successo quale The Blacklist.

L.A.’s Finest | Lo spin-off di Bad Boys in onda ogni lunedì su Fox

Ogni lunedì, alle ore 21, andranno quindi in onda due episodi di L.A.’s Finest. La serie si compone di 13 episodi ed è stato purtroppo da poco annunciato che non ci sarà una terza stagione. Un nome eccezionale fa da garante al titolo in questione: Jerry Bruckheimer, produttore anche delle pellicole cinematografiche. La produzione della serie è infatti affidata alla Jerry Bruckheimer Television e a 2.0 Entertainment, in associazione con Sony Pictures Television. In cabina di regia per il pilot siede Anton Cropper, che ha ricoperto infine il ruolo di produttore esecutivo, in compagnia – tra gli altri – delle stesse protagoniste.

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L.A.’s Finest appartiene al più classico e godibile genere dei buddy movies, sulla falsariga di un altro apprezzato prodotto per il piccolo schermo quale Arma Letale, virato qui sul punto di vista femminile. Le due protagoniste sono donne allenate, testarde, coraggiose. Il loro legame si fonda sulla fiducia e su un affetto reale, duraturo, profondo. Entrambe hanno un passato alle spalle difficile, che in qualche modo le ha rese ciò che sono oggi. Il guscio protettivo che si sono create viene via via scalfito dalla capacità di entrambe di lavorarci, con una sensibilità che non prescinde un pizzico di durezza quando necessario.

Jessica Alba e Gabrielle Union, una coppia di badass girl

La forza del progetto è quindi innanzituto da rintracciarsi nell’ottima sintonia tra la Union e la Alba, perfette nell’incarnare i rispettivi personaggi. Il brio e l’ironia contenuti nella sceneggiatura e nel ritratto di ogni situazione e figura che la popola fanno il resto. L’azione è chiaramente al centro delle varie puntate, incentrate su casi specifici e risolti di volta in volta. Nel frattempo si sviluppa la trama in senso orizzontale, ossia costruendo le vicende dei personaggi tassello dopo tassello, così da creare un seguito affezionato tra gli spettatori.

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Jessica Alba e Gabrielle Union in una scena.

Numerose sono le citazioni che si rintracciano qui e là nel corso della narrazione, tra battute o strizzate d’occhio. Ne risulta un prodotto di intrattenimento impeccabilmente ideato per lo scopo. La città degli Angeli, spesso utilizzata per i suoi colori, il clima e le strade ricche di sorprese – vedi per esempio NCIS Los Angeles o C.S.I. Los Angeles – soprattutto da progetti di genere poliziesco, funge da splendida cornice e contenitore. Molto d’effetto anche le aperture di episodio con una carrellata tra skyline e pool party.

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Del cast fanno parte anche Zach Gilford di Friday Night Lights, Ryan McPartlin di Chuck, Duane Martin di Scream 2.

Cinema

TFF38 | Wildfire, due sorelle “contro” l’Irlanda unita

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In concorso al 38esimo Torino Film Festival, Wildfire di Cathy Brady è un’opera prima di altissimo livello. I titoli di testa introducono lo spettatore al contesto nel quale vivono e agiscono le protagoniste. Siamo in Irlanda, in una piccola cittadina dove tutti più o meno si conoscono e le voci circolano liberamente, senza curarsi della loro attendibilità.

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Wildfire | Un ritorno che sconvolge gli equilibri

In questo microcosmo aleggia come immaginabile un sentimento di aggregazione molto forte, dal quale si viene protetti e custoditi, ma che talvolta può condurre a un atteggiamento omertoso e nocivo. Soprattutto per chi è lontano da troppo tempo.

Quando Kelly (Nika McGuigan) torna nella sua terra natale emergeranno gradualmente e irreparabilmente le problematiche legate a ciò. Dopo l’iniziale euforia e la ritrovata tranquillità, arriva il momento delle congetture. E non è mai semplice sopportare dicerie e falsità su se stessi e sulla propria famiglia.

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Nika McGuigan e Nora-Jane Noone in una scena del film

Il discorso della sanità mentale ricorre in varie occasioni, come se fosse una spada di Damocle che pende sulla testa delle protagoniste. Ma la realtà è ben più stratificata.

Il peso del passato e la ricerca della verità

Ed ecco che interviene il passato a dare in qualche modo una spiegazione a tanti gesti, alla tragedia che ha segnato per sempre la storia di Lauren (Nora-Jane Noone) e Kelly. Le ferite che si portano dietro sono probabilmente non rimarginabili, sebbene abbiano tentato l’una la fuga e l’altra la rimozione.

Eppure la ricerca della verità non si interrompe nemmeno quando rischia di portarle sull’orlo della distruzione. É un percorso a ritroso, a scavare nei loro ricordi e nella vita della loro amatissima madre. Un cappotto rosso e una lista della spesa sono gli unici oggetti rimasti tra quelli appartenuti alla donna, conservati gelosamente e spesso fonte di un dolore inconoscibile.

L’emozione esplode nell’ascoltare la voce registrata durante una giornata di totale spensieratezza: prima che l’infanzia delle giovani venisse improvvisamente spezzata dalla violenza della vita, c’erano due bambine con la loro mamma che si godevano la gioia delle piccole cose.

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Nika McGuigan e Nora-Jane Noone in una scena del film

L’amore di una sorella che salva la vita

Crescendo Lauren e Kelly hanno preso strade diverse, perdendo parte del legame che avevano da piccole. Per questo hanno bisogno di tempo, per ritrovare ciò che le univa, l’amore incondizionato, profondo e salvifico di una sorella. E, così facendo, ricompongono anche la loro anima.

Il mondo esterno ci prova in tutti i modi a colpirle, ma la loro forza va oltre. Oltre gli insulti, i pregiudizi, le menzogne. In una delle scene più toccanti e travolgenti di Wildfire, Lauren e Kelly ballano come se non ci fosse un domani: è una danza selvaggia, liberatoria, intima; un momento necessario e fondamentale, durante il quale arrivano addirittura a respirare in sincrono.

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La Brady canalizza l’intensità del racconto nelle gesta di queste due donne, negli sguardi e nelle fisicità che si relazionano con l’ambiente circostante – a volte accogliente, altre ostile. Il film è dedicato alla memoria della McGuigan, scomparsa all’età di soli 33 anni e qui alla sua ultima apparizione.

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Cinema

TFF 38 | Gunda, parabola animalista tra poesia e realismo

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Il nuovo film di Viktor Kosakovskiy è stato definito da Paul Thomas Anderson come “ciò a cui tutti dovremmo aspirare come registi e pubblico”. Joaquin Phoenix l’ha voluto co-produrre. Adesso è al Torino Film Festival, che si svolgerà online fino al 28 novembre. Ecco cosa rende Gunda così speciale.

Gunda al Torino Film Festival

Cosa è Gunda? Un film in bianco e nero senza esseri umani e senza parole, in cui nessuno parla perché gli unici essere viventi in campo sono gli animali di una fattoria. Al centro del racconto c’è una scrofa che ha appena dato alla luce dei cuccioli. In teoria sarebbe un documentario, ma nella pratica è qualcosa di totalmente diverso: è un film fatto di immagini riprese davvero e non “messe in scena”, prive di una trama e di un intreccio di finzione, ma che finge di essere ambientato in un unico cortile (quando invece sono almeno tre ambienti diversi) e in più è caratterizzato da una cura pazzesca per l’estetica e da un lavoro sul sonoro (dichiaratamente falso e ritoccato) che lo proiettano su un altro livello, che non è quello della documentazione, bensì quello della trasfigurazione della realtà in qualcosa di differente.

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Cinema di prossimità

Pensare la prossimità significa pensare l’eccedenza di senso, poiché quando si è in una tale condizione di vicinanza il pensiero pensa più di quanto possa pensare. Il sensibile non si pone così in opposizione al razionale, non costituisce quella dimensione che la riflessione può arginare e dominare o il negativo che la conoscenza riordina nel sapere, ma, un’originaria affezione, relazione con gli altri (in questo caso gli animali del film), che è espressione e linguaggio. Pertanto la scelta di concentrare l’attenzione sulla sensazione che immagini come quelle di Gunda producono senza raccontare davvero qualcosa, descrive la sensibilità come l’accadere di un contatto e, per questo, viene pensata innanzitutto attraverso il senso del tatto e della vicinanza a ciò che si osserva.

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La prossimità si colloca in questo accadere «senza intenzione», perché l’evento dell’avvicinarsi agli altri è originario, primario, rispetto a qualsiasi “coscienza di” da parte dello spettatore. Ma prossimità, in senso propriamente cinematografico, implica anche un’esclusione dal campo del visibile. Per questo alcune informazioni sugli animali ripresi da Kosakovskiy sono nascoste quando la macchina da presa si avvicina ai soggetti che deve riprendere e si rivelano solo successivamente: le etichette degli animali, così come le recinzioni che ne delimitano la libertà. 

Appeal commerciale?

Andando avanti nella visione è infatti sempre più evidente che una gran parte del successo americano e dello status che questo film ha conquistato dalla Berlinale al Festival di Torino (non a caso è stato acquistato da Neon, società che ha distribuito in America film come I, Tonya, Parasite, Vox Lux, Honeyland o Borg McEnroe) viene dal suo essere in maniera indiretta una grandissima parabola vegana. Era infatti da parecchi anni che Viktor Kosakovskiy cercava di mettere insieme il budget per il film. Ci è riuscito solo quando Joaquin Phoenix ha deciso di accettare l’Oscar con un discorso animalista che l’ha reso il vegano più noto del pianeta.

I co-produttori hanno fatto di tutto per raggiungerlo e lui, viste le prime immagini e capito il punto del film, l’ha immediatamente appoggiato diventando produttore esecutivo. Ma l’endorsement più pesante è stato forse quello di Paul Thomas Anderson, che l’ha definito: “Puro cinema, un film dentro il quale tuffarsi. È spogliato fino ai suoi elementi essenziali, senza interferenze. È quello a cui tutti dovremmo aspirare sia come pubblico che come filmmaker – immagini e sonoro messi insieme per raccontare una storia profonda e potente senza fretta. Le immagini strabilianti e il sono uniti al cast migliore possibile formano più una pozione che un film”. Neon ha ovviamente inserito la dichiarazione di Anderson nel trailer del film, facendone uno dei principali strumenti di promozione.

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Cinema

La vita davanti a sé | la recensione del film Netflix con Sophia Loren

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Diretta dal figlio adorato Edoardo Ponti, Sophia Loren è il fulcro attorno a cui ruota il film La vita davanti a sé, disponibile in streaming su Netflix. La leggendaria attrice veste i panni di Madame Rosa, anziana donna ed ex prostituta che accoglie un bambino immigrato con cui costruisce un rapporto di amicizia inusuale e sincero.

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Madame Rosa, elegante e truccata a ricordare un passato vissuti intensamente, conduce mano nella mano un bambino africano, dall’espressione decisa e ironica, attraverso la sua giovane età. Sophia Loren è tornata in scena con un film da protagonista, dopo tanti anni, tenendo idealmente la mano del figlio Edoardo Ponti, regista e sceneggiatore, insieme a Ugo Chiti, de La vita davanti a sé, nuovo adattamento del romanzo omonimo di Romain Gary, pubblicato in Italia da Neri Pozza, con un personaggio già portato sullo schermo nel 1977 da Simone Signoret, vincitore del César e del David.

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Il ritorno di Sophia Loren

Il personaggio della Loren una ex prostituta (ruolo ovviamente non sconosciuto all’attrice), una sopravvissuta dell’Olocausto perseguitata da vecchi traumi e caratterizzata da una durezza che viene da una vita difficile (non a caso, il suo ruolo più noto, La ciociara, aveva a che fare con i traumi, la violenza subita e la necessità di scendere a patti con essa). È lei ad accogliere in casa bambini orfani oppure figli di prostitute in attività, che gestisce, sfama, dando loro un luogo sicuro dove stare e dove poter essere educati. Lei, che in passato ha interpretato quella che forse è la madre per antonomasia, Filumena Marturano, adesso si trova ad interpretare una madre surrogata.

La vita davanti a sé mette Sophia Loren nella posizione di interpretare un ruolo in costante relazione con quelli più famosi della sua carriera, che sembra sommare diversi aspetti della recitazione che l’hanno resa una icona del cinema mondiale. E la cosa più interessante del film di Ponti è proprio la sua volontà di dimostrare che per una star del calibro di sua madre l’età non conta nulla, che c’è una dote naturale, poi affinata nel tempo, che è quella della presenza scenica. Un’attrice come Sophia Loren è arrivata ad essere quella che è perché in grado di calamitare l’attenzione di chiunque, di intrattenere e interessare solo per il fatto di esserci. E questo è un talento che non si dimentica né si perde, indipendentemente da quanto si scelga di rimanere lontani dalle scene.

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Un film dal sorriso bonario

Eppure La vita davanti a sé troppo spesso confonde la semplicità con il grossolano didascalismo, in un ritratto di facile retorica alla costante ricerca di un bonario sorriso, sempre sospeso in aria, non riuscendo a problematizzare (quindi a rendere cinematografici) conflitti e convivenze. Il film Netflix è un veicolo perfetto per Sophia Loren (come spesso sono stati i film, anche i migliori, che l’hanno avuta protagonista) e le rende un buon servizio. È lei ad emergere come la componente migliore dell’impresa: nonostante negli ultimi 20 anni abbia recitato pochissimo, è così in forma che pare non abbia fatto altro in tutto questo tempo. Questo, però, non basta a risollevare un film che sembra non sfruttare mai i propri elementi di interesse, lasciandoli sul tavolo.

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