Connect with us
brad pitt ad astra brad pitt ad astra

Cinema

Brad Pitt e l’Oscar | Un amore impossibile

Published

on

Il protagonista più importante della sua generazione. Un attore personaggio fenomenale intrappolato nel corpo di una celebrità di Hollywood. Un interprete sinonimo di celebrità che non ha mai ottenuto il dovuto. Comunque pensi a Brad Pitt, è innegabile che sia un attore che si è ampiamente guadagnato la sua incredibile carriera. Ci ha spesso stupito sul grande schermo e ha raccolto i frutti del suo lavoro come attore e produttore. Ma non tutti i riconoscimenti.

Pitt ha ricevuto un Oscar per la produzione di 12 anni schiavo, vincitore come miglior film del 2014, ma è tornato a casa a mani vuote tutte le volte che è stato nominato come attore. Ma la sua recente nomination come miglior attore non protagonista, per C’era una volta…a Hollywood! potrebbe cambiare finalmente le cose. Nel film di Tarantino egli veste i panni di uno dei personaggi più complessi dell’anno. Appare cool senza sforzo mentre è accattivante e discutibile allo stesso tempo. La sua interpretazione di Cliff Booth dà vita al personaggio con uno stile classico di Tarantino e alcune sfumature minori. È un’impresa incredibile per cui è pronto a vincere l’Oscar come miglior attore non protagonista.

In attesa della notte degli Oscar 2020 ripassiamo tutte le mancate vittorie e mancate nomination di Brad Pitt.

Leggi anche: I 10 migliori ruoli di Brad Pitt

Brad Pitt C'era una volta a Hollywood!

Brad Pitt in C’era una volta a Hollywood!

L’Esercito delle 12 Scimmie: Miglior Attore Non Protagonista

Bruce Willis potrebbe sembrare la star di questo film, ma l’eccentrica performance di Brad Pitt nei panni di uno psicopatico, è il ruolo di spicco del film di Terry Gilliam. La sua interpretazione di Jeffrey Goines è stata inaspettata e virtuosa. Ogni contrazione e balbuzie, ogni gesto e ogni dettaglio ostentato sono perfettamente misurati per trovare l’equilibrio tra gli eccessi e i dettagli coerenti con il personaggio. Ci sono momenti in cui Pitt è praticamente irriconoscibile mentre scompare nel ruolo. È stato almeno nominato per questo film, ma non ha avuto altre soddisfazioni.

brad pitt 12 scimmie

Brad Pitt in L’Esercito delle 12 Scimmie

Seven: Miglior Attore

Pitt haofferto una delle migliori esibizioni della sua carriera come il detective David Mills in Seven e non ha nemmeno ottenuto una nomination. Egli guida in ogni secondo il film di David Fincher, vendendo l’ingenuità del personaggio nel modo più umano possibile. Il suo crescendo di performance brillantemente realizzata con un finale indimenticabile è da crepacuore quando assiste alla terribile tragedia nel finale e si lascia trasportare dal nichilismo infuocato del film.

Curiosità: 10 stoner movie da rivedere

seven Pitt

Brad Pitt e Morgan Freeman in Seven

Fight Club: Miglior Attore Non Protagonista

Nei panni di Tyler Durden Pitt sa come manipolare la sua immagine da ragazzino e renderla qualcosa di inquietante.  Deforma la sua percezione come l’apice della mascolinità per esporre la tossicità di un simile personaggio. Essere assolutamente distrutti assicura che i nostri occhi siano incollati a lui, ma anche completamente vestito è enigmaticamente affascinante. Come nel caso di L’Esercito delle 12 Scimmie, Pitt mostra la sua capacità di vendere un personaggio indifferente, ma qui c’è un forte senso di anarchia senza scopo che rende una performance ancora più minacciosa. Tyler Durden è un personaggio infernale da vendere e Pitt lo fa magistralmente. È una testimonianza del suo lavoro nel film che Tyler può leggere in modo diverso ad ogni rewatch.

L’Assassinio di Jesse James: Miglior Attore

Non c’è dubbio che Pitt avrebbe dovuto almeno essere nominato per L’assassinio di Jesse James di Robert Ford. Questa svista è irrispettosa nei confronti di una delle esibizioni più ingegnose della sua carriera. Come molti dei migliori ruoli di Pitt, la sua interpretazione dell’omonimo fuorilegge è abilmente realizzata attorno al suo personaggio da protagonista e al suo status più che reale. Mentre la tradizione di Jesse James incombe, Pitt trova le sfumature e i momenti dell’umanità nella figura iconica ed è brillantemente risoluto nel farlo. È imponente e deciso senza essere freddo. I dettagli minori si fanno strada sia nella narrazione che nel suo personaggio centrale. La sua interpretazione discreta e sottilmente sbalorditiva è stata facilmente trascurata, ma ciò non lo rende meno sorprendente.

pitt jesse james

Brad Pitt in L’Assassinio di Jesse James

Il curioso Caso di Benjamin Button: Miglior Attore

Questo ha segnato solo la seconda volta che Pitt è stato nominato per una categoria di recitazione, ma ancora una volta l’Academy non ha riconosciuto il lavoro fatto. Nell’epico testamento di Fincher sul significato trovato in una vita vissuta in circostanze particolari, il lavoro di Pitt è ineguagliato e straordinariamente in sintonia con un personaggio che avrebbe dovuto essere una sfida incredibile per l’attore. In Il curioso caso di Benjamin Button, Pitt interpreta l’omonimo protagonista inverso con destrezza e perspicacia. Imprime la meraviglia della giovinezza nel Benjamin più anziano, mentre ordina con attenzione i suoi movimenti in modo da essere in linea con le lotte per vivere in un corpo più vecchio di lui. Interpretare un personaggio nel corso degli anni può essere scoraggiante da solo, ma Pitt ha affrontato sfide senza precedenti come attore ed è stato anche qui all’altezza dell’occasione. Potrebbe non aver vinto l’Oscar, ma si è distinto per aver portato il film di Fincher ad alti livelli al fianco di Cate Blanchett.

Burn After Reading: Miglior attore non protagonista

Nei panni di Chad, Pitt è esilarante nella commedia nera dei fratelli Coen. Il suo tempo sullo schermo è relativamente breve, ma eccelle in ogni occasione per essere stupidamente accattivante e confuso. Questo non è il tipo di performance che tende ad attirare la considerazione dei premi, ma una nomination o nessuna nomination, nulla può togliere alle capacità di Pitt.

moneyball Pitt

Brad Pitt in Moneyball

Moneyball: Miglior Attore

La terza nomination all’Oscar per la recitazione di Pitt è arrivata con il suo ritratto del direttore generale di Oakland A Billy Beane in Moneyball di Bennett Miller. Come prevedibile, Pitt è profondamente consapevole di come regalare momenti di umorismo attraverso gesti sottili come lo sputare un cappuccio della penna. Ma ciò che eleva il suo lavoro è quanto meravigliosamente vissuta e realistica sia la sua esibizione. Pitt dà l’impressione che la mente di Billy stia sempre facendo gli straordinari, che cerchi sempre in silenzio di vedere il quadro completo, che stia affrontando i suoi limiti. Questa performance, insieme al brillante lavoro di Pitt dello stesso anno in The Tree of Life, è un vero segno della sua maturità come attore.

I suoi anni più giovani si sono prestati alla sua capacità di interpretare personaggi maniacali, ma negli ultimi anni egli ha mostrato una comprensione di come infondere saggezza e prospettiva nelle sue interpretazioni di personaggi che hanno vissuto abbastanza a lungo da provare il senno di poi, ma lo fa senza fare affidamento sul sentimentalismo facile. Come con Jesse James e Benjamin Button, Pitt trasmette una sicurezza nel suo personaggio che è incredibilmente affascinante.

Ad Astra: Miglior Attore

Quest’anno l’attenzione della stagione dei premi è giustamente rivolta al lavoro di Pitt in C’era una volta…a Hollywood, ma ciò non dovrebbe mettere in ombra la sua interpretazione genialmente sbalorditiva in Ad Astra. Pitt è perfettamente in sintonia con il film di James Gray e offre una performance impressionante come un astronauta che mette in discussione le aspirazioni e le fonti di conflitto ereditate dal padre assente. Questa è una performance che si basa su un interrogatorio personale sulla mascolinità.

Richiede una profonda comprensione dei gesti sfumati ma performativi di qualcuno intento a mantenere il proprio io interiore nascosto da tutti coloro che lo circondano. Era altamente improbabile che Pitt avrebbe ottenuto una nomination per questo film, ma Ad Astra ha avuto un ruolo inestimabile nel suo incredibile anno passato, e merita di essere ricordato come una delle sue più grandi interpretazioni.

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

Cinema

Venezia 78 | tutti i film della prossima edizione del festival

Published

on

Ci siamo: oggi è il giorno in cui si alza il sipario sulla 78esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia con la presentazione del programma ufficiale. Nelle ultime settimane erano già state rese note le prime grandi presenze: Madres Paralelas di Pedro Almodóvar sarà il film d’apertura, mentre l’attesissimo Dune di Denis Villeneuve sarà presentato in anteprima mondiale Fuori concorso. Ecco tutti i film selezionati per il festival.

In Concorso

  • Madres Paralelas – Pedro Almodóvar
  • Mona Lisa and the Blood Moon – Ana Lily Amirpour
  • Un Autre Monde – Stéphane Brizé
  • The Power of the dog – Jane Campion
  • America Latina – Damiano e Fabio D’Innocenzo
  • L’événement – Audrey Diwan
  • Competencia Oficial – Gastòn Duprat, Mariano Cohn
  • Il Buco – Michelangelo Frammartino
  • Sundown – Michel Franco
  • Illusion Perdues – Xavier Giannoli
  • The Lost Daughter – Maggie Gyllenhaal
  • Spencer – Pablo Larraìn
  • Freaks Out – Gabriele Mainetti
  • Qui Rido Io – Mario Martone
  • On the job: The missing 8 – Erik Matti
  • Leave no traces – Jan P. Matuszynski
  • Captain Volkonogov Escaped – Natasha Merkulova, Aleksey Chupov
  • The Card Counter – Paul Schrader
  • È stata la mano di Dio – Paolo Sorrentino
  • Vidblysk – Valentyn Vasyanovych
  • La Caja – Lorenzo Vigas

Fuori Concorso – Fiction

  • Ariaferma – Leonardo Di Costanzo
  • Il Bambino Nascosto – Roberto Andò
  • Les Choses Humaines – Yvan Attal
  • Halloween Kills – David Gordon Green
  • La scuola cattolica – Stefano Mordini
  • Old Henry – Potsy Ponciroli
  • The Last Duel – Ridley Scott
  • Dune – Denis Villeneuve
  • Last Night in Soho – Edgar Wright

Fuori Concorso – Non-fiction

  • Life of Crime 1984-2020 – Jon Alpert
  • Tranchées – Lou Bureau
  • Viaggio nel crepuscolo – Augusto Contento
  • Republic of Silence – Diana El Jeiroudi
  • Hallelujah: Leonard Cohen, a Journey, a Song – Daniel Geller, Dayna Goldfine
  • DeAndrè#DeAndrè, Storia di un impiegato – Roberta Lena
  • Django & Django – Luca Rea
  • Ezio Bosso. Le cose che restano – Giorgio Verdelli

Fuori Concorso – Serie TV

  • Scenes from a Marriage (episodi 1-5) – Hagai Levi

Orizzonti

  • Les Promesses – Thomas Kruithof
  • Atlantide – Yuri Ancarani
  • Miracol – Bogdan George Apeteri
  • Piligrimai – Laurynas Bareisa
  • Il paradiso del pavone – Laura Bispuri
  • Pu Bu – Chung Mong-Hong
  • El hoyo en la cerca – Joaquìn Del Paso
  • Amira – Mohamed Diab
  • À plein temps – Eric Gravel
  • Cenzorka – Peter Kerekes
  • Vera Andrron Detin – Kaltrina Krasniqi
  • Bodeng Sar – Kavich Neang
  • Wela – Jakrawal Nilthamrong
  • El Otro Tom – Rodrigo Plà, Laura Santullo
  • El Gran Movimiento – Kiro Russo
  • Once upon a time in Calcutta – Aditya Vikram Sengupta
  • Nosorih – Oleg Sentsov
  • True Things – Harry Wootliff
  • Inu-oh – Yuasa Masaaki

Orizzonti Extra

  • Land of Dreams – Shirin Neshat, Shoja Azari
  • Costa Brava – Mounia Akl
  • Mama, ya doma – Vladimir Bitokov
  • Ma Nuit – Antoinette Boulat
  • La ragazza ha volato – Wilma Labate
  • 7 prisioneiros – Alexandre Moratto
  • The blind man who did not want to see Titanic – Teemu Nikki
  • La macchina delle immagini di Alfredo C. – Roland Sejko

Proiezioni Speciali

  • Le 7 giornate di Bergamo – Simona Ventura
  • Il cinema al tempo del Covid – Andrea Segre
Continue Reading

Cinema

Cannes 74, intervista a Zhao Liang: “Come ho realizzato il mio film tra Chernobyl e Fukushima”

Published

on

La sezione Cinema for the Climate organizzata per la 74esima edizione del Festival di Cannes ha ospitato I’m so sorry, il nuovo film (ma sarebbe meglio dire “saggio per immagini”) di Zhao Liang, già in Concorso al Festival del Cinema di Venezia con l’acclamato Behemoth. La nuova opera del cineasta cinese riflette sulle conseguenze dell’energia nucleare, cominciando dai danni causati sull’ecosistema e raccontando poi il disperato tentativo di quelle pochissime persone che, nella zona di esclusione di Chernobyl, così come nelle zone più vicine al luogo del disastro di Fukushima, hanno tentato di rimediare con le loro singole forze, ripartendo letteralmente dal proprio orticello, a qualcosa di estremamente più grande di loro.

Zhao Liang ha raccontato a NewsCinema le difficoltà che ha dovuto affrontare nel realizzare le numerose scene del suo nuovo film nelle zone di esclusione di Chernobyl e Fukushima e le sensazioni provate ascoltando le testimonianze delle persone che hanno deciso di rimanere a vivere in quelle aree in completa solitudine.

L’idea del film nasce da una esperienza personale. Puoi dirci qualcosa a riguardo?

Nel 2017 stavo effettuando delle ricerche per un nuovo film nella mia città natale di Dandong, nella provincia di Liaoning. Mentre stavo riposando a casa, il lampadario e il ventilatore hanno cominciato ad oscillare e l’intero edificio a tremare. Pensavamo fosse un terremoto, ci siamo spaventati e mia nipote ha trascinato immediatamente la nonna al piano di sotto. Solo il giorno successivo abbiamo appreso dalla stampa estera che si trattava di una bomba atomica lanciata dalla Corea del Nord. La distanza tra il luogo dell’esplosione e Dandong era di circa 450 chilometri. Il frammento del lampadario tremolante presente nel film è ispirato a questa esperienza personale, che è stata poi anche la ragione per cui ho deciso di realizzare l’intero progetto. 

Quali sono state le difficoltà maggiori che hai dovuto affrontare durante le riprese nelle zone di esclusione e nelle aree contaminate? 

Poiché non c’era protezione contro le radiazioni, il massimo che potevamo fare era prevenire l’inalazione di particelle che trasportavano radiazioni nel corpo. Portavo sempre con me un Contatore Geiger per calcolare la quantità totale di radiazioni. Se superava il valore entro un certo periodo di tempo, dovevamo andarcene. Pertanto, abbiamo dovuto girare il più rapidamente possibile nelle aree ad alta radiazione. Ad esempio, nelle aree incontaminate di Fukushima, la radiazione era circa 30 volte superiore al normale. A Chernobyl invece, mi sono fatto aiutare da una guida esperta che conosce ogni angolo delle zone ad alta radiazione, che sono molto pericolose se si rimane troppo a lungo senza un contatore Geiger.

Nella centrale nucleare che sta per essere smantellata in Germania (una operazione che richiederà ancora diversi anni, ndr), dovevamo cambiarci i vestiti ogni volta che entravamo e uscivamo dal sito. Il tempo di ripresa è stato anche lì molto limitato, a causa delle operazioni di svestizione e vestizione che ne assorbivano molto. Anche l’attrezzatura fotografica doveva essere regolarmente controllata. In alcune aree, il treppiede non poteva toccare il suolo, perché c’era la possibilità di far uscire così qualche traccia di polvere. Anche i lavoratori dovevano seguire rigorosamente ogni procedura. I loro corpi vengono trafitti da proiettili invisibili ogni giorno: mi chiedo cosa li motivi a rimanere e a lavorare lì.

Su una piattaforma di cemento nell’ex sito di test nucleari sovietici in Kazakistan, la mia cinepresa non funzionava. Registrava per quattro secondi e poi si spegneva. Quando ho spostato la camera a due metri di distanza dalla piattaforma di cemento, sono stato in grado di filmare normalmente e mi sono chiesto se quel problema fosse dovuto alla presenza di radiazioni. Più tardi, di nuovo, in macchina, il mio contatore Geiger ha cominciato a suonare. Era molto rumoroso. Ho controllato le mie scarpe e c’era del materiale nero carbonizzato simile al silicone sotto la suola. Me ne sono sbarazzato rapidamente e sono tornato in macchina. Il contatore Geiger è diventato silenzioso. C’era sempre molta apprensione quando mettevamo piede su quelle aree. 

Quanto tempo hai passato con i solitari abitanti delle zone di esclusione? Cosa ti ha colpito di loro al punto da filmarli per lunghi minuti, in una estenuante sfida con il loro sguardo?

Non ho potuto spendere molto tempo con loro, perché nelle zone contaminate mi erano stati concessi solo quattro giorni di riprese alla settimana. Con ciascuno dei protagonisti, ho avuto quindi solo qualche giorno di tempo. Quello che mi ha colpito di loro è stato il profondo attaccamento alla casa in cui sono cresciuti e invecchiati, il loro ottimismo e il loro amore. Quando ho incontrato Maria, nella zona di esclusione Chernobyl, ho percepito una profonda solitudine. È l’unica persona rimasta nel villaggio. Si potrebbe pensare che vivere in quelle condizioni, nel totale isolamento dal mondo, conduca ad una progressiva perdita di cognizione del tempo. E invece Maria controllava sempre l’ora con un vecchio Nokia e aveva piccoli orologi dappertutto, appesi al muro e sui comodini. Il tempo era un compagno per lei. L’attesa. E nel film ho cercato di catturare il passare del tempo nell’aria. Ho chiesto all’interprete e alla troupe di andarsene e sono rimasto solo con lei. A volte, dopo aver fatto partire la ripresa, me ne andavo anch’io.

Le immagini delle manifestazioni ambientaliste in Germania sono tra le poche immagini di speranza del film. Pensi che in Europa ci sia una sensibilità diversa rispetto alle tematiche ambientali grazie ai movimenti giovanili di protesta?

È fondamentale che i giovani scendano in strada per protestare contro la timidezza con cui i governi stanno affrontando il problema climatico. Sono manifestazioni che rendono le persone consapevoli e attente a questo tipo di argomenti. È molto importante quello che è stato fatto da un movimento globale come Fridays for Future, prima per raggiungere la gente comune e poi per incidere sulle decisioni politiche. 

Come sei riuscito a bilanciare la tua aspirazione poetica, quindi di astrazione, con la necessità di comunicare in maniera molto diretta il destino a cui il mondo sta deliberatamente decidendo di andare incontro?

Il cinema è prima di tutto arte: il linguaggio poetico può toccare profondamente l’anima delle persone. Mi piace sperimentare con le immagini e intendo esprimere i miei pensieri innanzitutto attraverso un linguaggio cinematografico, quindi poetico per definizione. Fare un buon film è come chiudere un cerchio.

Continue Reading

Cinema

Cannes 74 | perché la Palma d’Oro a Titane è una notizia dirompente

Published

on

È un gesto di immaginazione e coraggio (i due elementi essenziali per il cinema secondo Marco Bellocchio, premiato con la Palma alla carriera) quello che ha consegnato la Palma d’oro della 74esima edizione del Festival di Cannes al secondo lungometraggio di Julia Ducournau.

Titane non corrisponde alla banale idea che tutti, nel bene e nel male, hanno di quel premio: quella del grande film umanista diretto da un cineasta già ampiamente riconosciuto da dieci, venti o trent’anni (Nuri Bilge Ceylan, Ken Loach, Bong Joon-ho, Kore’eda, per citare esempi recenti). Julia Ducournau è una regista relativamente poco conosciuta a livello internazionale, che Thierry Frémaux ha voluto premiare inserendola in Concorso dopo l’esordio di Raw (presentato sempre a Cannes nel 2016 nella Semaine de la critique) e sulla quale il Festival ha esplicitamente scommesso.

Titane | una operazione di immagine per il Festival

Premiare un film così eccessivo e divisivo, più sorprendente che veramente compiuto, imperfetto (come ha detto la stessa Ducournau sul palco, indicando la perfezione come un vicolo cieco), è anche una grande operazione di immagine per il Festival di Cannes. La decisione della giuria rivendica vigorosamente da ora in poi una predilezione del festival francese per gli autori emergenti, dal momento che Julia Ducournau non è solo la seconda donna a ricevere la Palma dopo Jane Campion, ma anche fra i premiati più giovani (dopo Steven Soderbergh a 26 anni e Emir Kusturica a 31).

Il suo film è sempre ad un passo dalla grandezza, dal riuscire a coinvolgere davvero lo spettatore nello spettacolo dell’assurdo e dell’ironico, a spiazzarlo davvero con nuove possibilità di mutazione e manipolazione del corpo. Rende fecondo il desiderio sessuale di Crash di Cronenberg (la protagonista rimane incinta di una Cadillac) e opera un cambio di genere sulla rossa fiammeggiante Christine di Carpenter (rendendola maschile).

Che film è?

È un cinema di corpi, quello di Julia Ducournau. E così il suo Titane è innanzitutto un racconto di due corpi sofferenti che si sfiorano e si amano (quello della ballerina-killer-figlia di Agathe Rousselle e quello del bodybuilder-pompiere-papà di Vincent London). Corpi che si uniscono nella danza, danneggiati prima dal mondo e poi da chi li abita, animali che si annusano, si riconoscono, si avvicinano per affrontare meglio ciò che resta da vivere. Titanici nel senso dato da Esiodo: costretti a τιταίνειν (sforzo) e τίσις (punizione). La protagonista inizialmente usa il suo corpo per eccitare, seguendo le convenzioni della sessualizzazione del corpo femminile, ma finisce poi per dover camuffare il proprio sesso, picchiandosi per modificare i propri connotati e utilizzando crudeli sistemi meccanici per nascondere la sua gravidanza.

Si ha l’impressione, come nei film di Tsukamoto, che il corpo di ogni personaggio possa essere dilaniato, strappato, mozzato, mozzicato e stracciato con il minimo sforzo e in qualsiasi momento. È il primo Tsukamoto (adesso più interessato alla mutilazione) quello a cui guarda Ducournau, il cinema che negli anni Novanta raccontava in maniera stupefacente la mutazione della carne, il corpo come elemento generativo e transitorio, soggetto a continue trasformazioni. Titane, come già prima aveva fatto Raw, mette in scena il costante pericolo che minaccia l’integrità della pelle e degli organi attraverso tagli, invasioni chirurgiche e penetrazioni dolorose. Ma stavolta la transitorietà è totale: coinvolge ogni aspetto dell’esistenza umana (ovviamente anche il genere) e non è esclusivamente un fatto esteriore.

Divisioni in giuria

Nella medesima direzione della Palma d’oro vanno il Grand Prix a Juho Kuosmanen (al suo secondo lungometraggio dopo La vera storia di Olli Mäki, presentato anch’esso a Cannes nel 2016 in Un Certain Regard) per il suo film Hytti nro 6, fenomenale versione nordica di Prima dell’alba di Richard Linklater, e il premio per la miglior sceneggiatura al quarantaduenne Ryusuke Hamaguchi (nuovo talento del cinema giapponese, anche lui coccolato dal Festival, che gli aveva già riservato il Concorso nel 2018 per Asako I & II). Così il Premio della Giuria, che non aggiunge molto alla gloria di Apichatpong Weerasethakul, che lo aveva già ottenuto nel 2004 per Tropical Malady prima di vincere la Palma per Lo zio Boonmee, viene assegnato ex-aequo a Memoria (il film di Weerasethakul, appunto) e ad Ahed’s Knee di Nadav Lapid. Radicalismo e ricerca estetica: abbinarli è anche, per la giuria, un modo per occupare un preciso territorio cinematografico.

Allo stesso tempo, però, è evidente dal palmares che la giuria ha avuto molti contrasti e ha dovuto premiare tutto: quattro film ad ex aequo raccontano bene le divergenze che devono essere emerse in fase di valutazione. Come lo racconta bene il fatto che i due vincitori del Gran Prix siano due film narrativamente lineari (Hytti n.6 e A Hero) e i due vincitori del premio della giuria siano invece due film sperimentali (Ahed’s Knee e Memoria). Evidentemente vi erano due correnti contrastanti tra i giurati e Spike Lee così ha accontentato entrambe.

Continue Reading
Advertisement

Facebook

Advertisement

Popolari