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Festa del Cinema di Roma

Willem Dafoe al Festival di Roma: “Non esiste un altro P.S. Hoffman”

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La nona edizione del Festival Internazionale del Film di Roma volge al termine con la simpatia di Ficarra e Picone, ma anche con un ricordo di Phillip Seymour Hoffman, scomparso improvvisamente lo scorso Febbraio. La Notorious Pictures ha presentato per l’occasione La Spia – A Most Wanted Man, il film diretto da Anton Corbijn, che segna l’ultima interpretazione dell’attore e sarà nelle sale italiane a partire dal 30 Ottobre 2014. Morto a sole due settimane dalla fine delle riprese del film, Hoffman ha diviso la scena con Rachel McAdams, Robin Wright, Daniel Bruhl e Willem Dafoe. Quest’ultimo, insieme al regista, è stato ospite del festival, per raccontare l’esperienza sul set di questo film che segue le orme del precedente La Talpa di Tomas Alfredson, ispirato anch’esso ad un romanzo di John Le Carrè, per una storia di spionaggio e thriller politico.

talpa2Sono stato molto contento che il film fosse già finito prima della sua morte, per non prendere certe decisioni in fase di montaggio. Rivedere il film dopo è stato molto difficile. Il film, con questo triste evento, ha assunto un peso che non ci aspettavamo e che non volevamo. Alcune persone hanno tracciato similitudini tra la sua vita privata e questo film e, vedendolo dopo, si potrebbe notare un’intensità della sua performance un po’ particolare” ha dichiarato Anton Corbjin, mentre Dafoe ha aggiunto: “Non ho più visto il film dopo la sua morte, l’ultima volta è stata al Sundance Film Festival. Phil è morto due settimane dopo il film. Ricorderò sempre il lavoro fatto con lui“. Ambientato tra Amburgo e Berlino, il film racconta la vicenda di un misterioso uomo in fuga, di nome Issa. Vagabondando per la città, quest’ultimo finisce a casa del boxer Melik Oktay e sua madre, entrambi residenti turchi-musulmani ad Amburgo. I due, senza saperlo, innescano una catena di eventi che coinvolgono le agenzie di intelligence di tre paesi. Issa, che afferma di essere uno studente musulmano di medicina, è, in realtà un terrorista ricercato e il figlio del colonnello dell’Armata Rossa Grigori Karpov, la cui notevole eredità è tenuta nascosta in una banca di Amburgo. “Il film è ambientato ad Amburgo perché la storia del libro è ambientata lì. Come regista è stato fantastico lavorare in quella città, perché non è usata solitamente per le riprese di film. Ogni luogo era bello perché nuovo all’occhio dello spettatore, fresco e senza ricordi di altri film. Per un regista è un grande dono. Il film ‘American Friend’ di Wim Wenders nel 1970 è stato girato lì, ma oggi di solito la città è usata per le serie tv” ha spiegato Corbjin, facendo anche riferimento al problema della lingua in cui girare i dialoghi del film. “Con Philip abbiamo parlato molto prima di iniziare le riprese, soprattutto della scelta della lingua da utilizzare nel film. In Schlinder’s List per esempio, parlano un inglese con un accento tedesco, e noi abbiamo seguito quella strada. Con diversi attori tedeschi doveva esserci una certa continuità. Willem (Dafoe) è un anglo austriaco nella storia, che ha studiato ed è cresciuto presumibilmente in un collegio, quindi parla un inglese perfetto, mentre per Phil e Rachel abbiamo lavorato molto sull’accento. Il personaggio di Hoffman è una persona che continua a credere nell’umanità,  un personaggio immerso nel lavoro, non islamofobo e che non ha molta cura di se stesso perché preso da altro. L’accento è stato fondamentale per lui, perché era il suo primo ruolo europeo“.

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E’ stato un attore che ho sempre ammirato” ha raccontato Willem Dafoe ricordando il collega scomparso, continuando “Lui era uno di quei casi di attore americano che nasce a teatro, arriva al cinema e poi torna a teatro. Aveva sempre progetti al teatro e io mi identifico molto con questo. Ha iniziato con ruoli di persone che ispiravano simpatia, ruoli da vittima e poi il suo repertorio si è espanso, ha assunto maggiore gravitas ed è stato un esempio di sviluppo positivo. Era una persona alla mano, non presuntuoso, ma diretto e capiva cosa serviva per collaborare e creare qualcosa. Non esiste un tipo alla Phillip Seymour Hoffman, era particolare e aveva questa capacità di essere forte nella sua performance, solido e nello stesso tempo flessibile per essere trasformato in  qualsiasi ruolo”. Nella sua carriera anche Dafoe ha dato prova di una certa versatilità, non solo per il tipo di ruolo, ma anche per la trasformazione da protagonista a personaggio di supporto e viceversa. Riflettendo su questi passaggi della sua natura professionale, l’attore ha spiegato: “Ogni progetto è diverso, devi immaginarti le tue responsabilità per un determinato film e ruolo che devi fare. Il mio compito è capire il mio spazio nella storia, se esagero con un piccolo ruolo non funziona, ma se come protagonista non faccio abbastanza, non funziona lo stesso. Devo individuare il mio posto in quel mondo creato dal regista o dallo sceneggiatore. E capire come quello si adatta alla mia immaginazione. Per Pasolini ho fatto tanta ricerca per un lungo periodo, per entrare nel suo modo di pensare e di essere”.
Era importante che questo risultasse un film autunnale, per questo la gamma di colori è fatta di gialli, marroni e rossi. Il film doveva parlare dell’autunno dell’umanità” ha sottolineato infine il regista, aggiungendo che La Spia – A Most Wanted Man è “un film estremamente attuale, anche perché Hoffman non c’è più. Io ho cercato di trasferire le cose del libro nel film, ma ci sono una serie di intrecci complessi da raccontare“.

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

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Maledetta Primavera | Tramonto di un’estate anni Ottanta

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Inserito nella sezione Riflessi della 15esima edizione della Festa del Cinema di Roma, Maledetta primavera narra le vicende di Nina (la bravissima e convincente Emma Fasano) e della sua famiglia, durante una fase di ricerca di nuovi equilibri, a ridosso di un’estate sul finire.

Maledetta primavera | Elisa Amoruso parla di amore, famiglia, estate

Prendendo in prestito la celebre canzone di Loretta Goggi, Elisa Amoruso confeziona un’opera semplice, delicata, incantevole. E la dedica alla sua famiglia, spunto principale per dare vita ai suoi personaggi.

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Micaela Ramazzotti in una scena del film.

Dopo il discusso documentario Ferragni, Unposted, presentato alla Mostra del Cinema di Venezia, la regista originaria di Roma, classe 1981, porta sullo schermo un trio di giovanissimi, composta da un fratello (Federico Ielapi), una sorella maggiore e la sua amica. Viene così a innescarsi un doppio binario su cui la pellicola scivola via, mentre sullo sfondo si consumano le vicende degli adulti.

Leggi anche: Una Famiglia, la recensione del film di Sebastiano Riso

Al centro di Maledetta primavera c’è soprattutto Nina. Da una parte il rapporto con il fratello minore, che tenta di proteggere e crescere a modo suo, con le sue possibilità (essendo comunque una ragazzina); dall’altra il legame con Sirley (Manon Bresch), nato con un iniziale litigio e poi sbocciato in qualcosa di più di una semplice amicizia.

Lo sguardo adolescenziale accompagna lo spettatore

Attraverso lo sguardo della giovane protagonista veniamo in contatto con la sua realtà, che non ha nulla di particolare o speciale, se non che è la sua. L’esistenza è uno snodo cruciale soprattutto all’età in cui si trovano Nina e Sirley, in piena fase adolescenziale e alle prese con situazioni familiari non proprio stabili.

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Emma Fasano e Manon Bresch in una scena del film.

Maledetta primavera si sviluppa nell’arco di qualche giorno di settembre, tra l’inizio della scuola e le ultime puntate al mare. Il mood è quello classico degli anni Ottanta. E ciò appare evidente non solo dai dettagli che compongono la cornice, quanto dal respiro che possiede la storia. Sembra di tornare indietro nel tempo ed è un piacere per gli occhi, la mente, il cuore.

Il ritorno agli anni Ottanta

Nel momento in cui partono le note della canzone da cui il titolo del film – durante una delle scene più belle e toccanti – viene automatico mettersi a cantare insieme ai protagonisti. Una serie di sensazioni ci attraversano, dalla gioia alla malinconia, dal rimpianto al ricordo. E così si innesca anche un legame con le figure dentro lo schermo, in maniera naturale e crescente.

Bravissimi e concreti, gli attori della pellicola rappresentano il valore aggiunto. La Amoruso sa come valorizzare loro e ciò che hanno a disposizione. Non a caso Micaela Ramazzotti esibisce una delle sue migliori performance. Lo sguardo della macchina da presa rende la poesia contenuta nei piccoli gesti, lo sbocciare della bellezza in un periodo di scoperte quale è l’adolescenza.

Leggi anche: Ammonite | Alla Festa del Cinema di Roma l’atteso titolo che non convince

Sebbene non riservi grosse sorprese e anzi appaia abbastanza lineare, il progetto affronta questioni importanti e sfaccettate, con una sensibilità e un’onestà di fondo più che apprezzabili.

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Ammonite | Alla Festa del Cinema di Roma l’atteso titolo che non convince

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Ammonite è la storia di Mary Anning (Kate Winslet), paleontologa britannica molto rinomata ma poco considerata nel mondo scientifico, popolato e governato da soli uomini. Da quando poi si dedica alla madre, ormai anziana, non ha più molti stimoli. Quando irrompono nel suo negozio i coniugi Murchinson (James McArdle e Saoirse Ronan), la sua routine cambierà irrevocabilmente.

Leggi anche: Ammonite | Il trailer mostra Kate Winslet e Saoirse Ronan all’opera

La pellicola diretta da Francis Lee è stata presentata alla 15esima edizione della Festa del Cinema di Roma, oltre che al Toronto Film Festival, ed è vagamente ispirata alla reale figura della Anning, vissuta tra la fine del Settecento e metà Ottocento.

Ammonite | Storie di solitudini che si incontrano e si incrociano nella prima metà dell’Ottocento

Mary e Charlotte sono donne estremamente sole. Nessuna delle due per propria scelta, ma perché i casi della vita a volte sanno essere molto duri. La prima soffre ancora a causa di un rifiuto risalente a un periodo passato; la seconda vorrebbe tornare a provare una qualche emozione, ma il lutto che l’ha colpita e l’uomo alla quale è sposata non glielo permettono.

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Kate Winslet e Saoirse Ronan in una scena del film.

Ecco allora che dall’incontro cambia qualcosa per entrambe, un meccanismo a lungo inceppato si sblocca, scatta una strana e inaspettata scintilla. Il tutto avviene in maniera sin troppo lento e graduale, tanto che per buona parte della pellicola si avverte la sensazione di essere in una sorta di limbo. Se non che, nel momento clou, i sensi esplodono e nulla sarà più come prima.

Tra attrazione e sofferenze, i sentimenti travolgono come un fume in piena

Il sentimento travolge le protagoniste come un fiume in piena, eppure, ad eccezione di alcune scene alquanto spinte, non arriva a toccare lo spettatore. Si resta estranei a quanto accade sullo schermo, poco partecipi delle vicende che ivi prendono forma. Probabilmente si deve anche alla costruzione di queste due figure non proprio coinvolgenti.

Mary è chiusa nel suo dolore e nella sua routine, di cui sembra essersi fatta lei stessa schiava; Charlotte all’opposto appare talvolta incomprensibilmente “su di giri”. Manca quindi un appiglio forte e solido per far sì che scatti una qualche forma di attrazione o interesse alla storia.

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Saoirse Ronan e Kate Winslet in una scena del film.

Eppure le basi per una buona riuscita il progetto le dimostrava tutte. Ammonite risulta invece un melodramma in costume dei più banali, monotoni, pesanti. La lunghezza della pellicola (118 minuti) non aiuta la fruizione, sebbene sia forse necessaria al tipo di sviluppo prescelto per la narrazione.

Nonostante le premesse, Ammonite non convince

La Winslet e la Ronan hanno senza dubbio dato prove migliori nel corso della loro carriera, ma il problema sta nella sceneggiatura e non nelle loro interpretazioni. Entrambe svolgono il compito a loro assegnato come sanno fare, ma non è sufficiente.

Leggi anche: The Courier | Dal Sundance alla Festa del Cinema di Roma il nuovo film con Benedict Cumberbatch

Sia però chiaro che il progetto ha delle potenzialità intrinseche, e chiunque riuscisse a trovare un aggancio di qualsivoglia tipo potrebbe anche ricavarne del piacere. A livello stilistico, visivo, per esempio, il film è più che notevole. Ciò in cui è carente è purtroppo il contenuto. Ed è una grave mancanza.

L’unica scena davvero di impatto è forse quella di chiusura, dentro la quale tutti gli elementi convergono a trasmettere un’emozione.

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The Courier | Dal Sundance alla Festa del Cinema di Roma il nuovo film con Benedict Cumberbatch

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Presentato nella Selezione Ufficiale della 15esima edizione della Festa del Cinema di Roma, The Courier è il nuovo film con Benedict Cumberbatch. L’attore celebre per aver interpretato Sherlock Holmes nella serie targata BBC, veste qui i panni di Greville Wynne, un uomo d’affari britannico, che venne reclutato durante il periodo della Guerra Fredda per fare da tramite con una preziosa fonte dell’Unione Sovietica, Oleg Penkovsky (Merab Ninidze).

Dietro la macchina da presa il londinese Dominc Cooke, che ritrova Cumberbatch sul set dopo averlo diretto nella miniserie The Hollow Crown.

The Courier | Dai grandi classici del passato un’opera debitrice al mood di un’epoca e al coraggio di uomini straordinari

The Courier esibisce e sfrutta il suo impianto classico per far emergere al massimo la portata della storia. Ed è una scelta che ripaga. La pellicola riporta alla mente alcuni grandi classici degli anni Settanta – vedi per esempio La conversazione di Francis Frod Coppola – e si nutre di quell’aplomb, permettendo allo spettatore di goderne una volta ancora.

Leggi anche: Benedict Cumberbatch sorpresa Doctor Strange

Va altresì riconosciuta l’oculatezza nel non tradire lo spirito del racconto e dei sui protagonisti. Sono infatti loro a guidare e canalizzare i nostri sguardi, le nostre reazioni emotive e le riflessioni che al termine della visione prenderanno forma.

In tal senso la bravura degli interpreti – Cumberbatch e Ninidze – si rivela imprescindibile. Incarnando alla perfezione i rispettivi ruoli e svestendosi completamente di qualsiasi presunzione, i due attori portano sullo schermo una realtà potente e tangibile. Che si tratti di un preciso momento storico piuttosto che di un altro, poco conta, perché alla base di tutto sembra esserci un’altra volontà: raccontare il lato umano.

Uomini cruciali alla scoperta di nuovi importanti legami sullo sfondo della Guerra Fredda

Al di là della loro importanza a livello politico e della loro determinazione nel cambiare le sorti dell’umanità, gli uomini e le donne al centro delle vicende hanno avuto delle vite, dei legami, delle ambizioni, dei desideri. La forza, e probabilmente anche l’originalità, di The Courier vanno rintracciate proprio da questo punto di vista. Assistiamo alla nascita e allo sviluppo di un’amicizia incredibile, rara, profonda.

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Merab Ninidze e Benedict Cumberbatch in una scena del film.

Il sacrificio e l’abnegazione fanno parte di simili figure, così come il bisogno di coltivare degli affetti, di avere uno scopo e di non tradire se stessi. Greville compie un percorso che lo porta a scoprire e scoprirsi una persona nuova, inaspettata, ammirevole. Sono ovviamente fondamentali in tal senso gli incontri e i viaggi, ai quali si deve anche un’osservazione più ampia sullo scenario storico, politico, sociale e culturale dell’epoca.

Leggi anche: I 5 possibili biopic per Benedict Cumberbatch

The Courier prende ispirazione da vicende realmente accadute ed è stato presentato al Sundance Film Festival. Nel cast figurano anche l’apprezzatissima protagonista de La fantastica signora Maisel, Rachel Brosnahan, nel ruolo di un’agente della CIA, Emily Donovan, e la bravissima (seppur meno nota) Jessie Buckley di Fargo e Chernobyl, in quello della moglie di Wynne.

Un’ultima annotazione positiva agli ottimi contributi della colonna sonora (a cura di Abel Korzeniowski) e della fotografia di Sean Bobbitt.

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