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Recensioni

Vinyl, lo show di Martin Scorsese e Mick Jagger sul mondo del rock

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Do alla gente quello che vuole e divento ricco. Mi sono guadagnato il diritto di essere odiato”. Chi parla è Richie Finestra (Bobby Cannavale), il protagonista di Vinyl, la serie televisiva statunitense creata da Mick Jagger, Martin Scorsese, Rich Cohen e Terence Winter che racconta l’ascesa del rock nella New York degli anni Settanta. Targata HBO, Vinyl segue le vicende del presidente della American Century Records, un’importante etichetta discografica sull’orlo del fallimento. L’improvviso abbandono dei Led Zeppelin complica le cose e costringe Finestra a chiedere l’aiuto di loschi personaggi che esercitano un’influenza nel mondo della radio. Ma un tragico fatto catapulta il produttore in una spirale di morte, droga e distruzione da cui sarà molto difficile uscire. Sono oltre venti anni che Mick Jagger e Martin Scorsese vogliono portare sul grande schermo il mondo dell’industria discografica degli anni ’70. Oggi, con il mercato televisivo sempre più produttivo, quell’ipotetico film si è trasformato in un brillante show HBO diretto proprio dal regista di The Departed e The Aviator.

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Martin Scorsese, dopo brillanti documentari come Shine a Light e George Harrison: Living in the Material World, firma un pilot di 108 minuti che introduce allo spettatore i lati bui, folli e trascinanti della musica rock. Ma il successo di Vinyl sta anche nel contributo di Mick Jagger che scrive un’opera autobiografica che rappresenta non solo la nascita del rock ma anche la libertà sessuale (nei cinema troneggia il Gola Profonda di Gerard Damiano), la frenesia dilagante e l’abuso di alcol e droghe dei primi anni ’70. La telecamera nel seguire i personaggi nelle loro azioni mantiene intatto  lo sguardo inedito di uno dei più grandi registi di tutti i tempi e la trascinante colonna sonora restituisce fedelmente l’intensità e l’atmosfera di un’epoca musicalmente inarrivabile. L’immancabile dose di violenza, il pizzico di onirismo narrativo e anche il carismatico Cannavale sono gli ulteriori punti di forza di uno show che è la vera sorpresa del 2016. Vinyl è molto più di una semplice serie televisiva, è cinema d’autore sul piccolo schermo; l’ennesimo passo in avanti per la HBO, una emittente che continua a sorprenderci ed emozionarci con dei prodotti che hanno la stessa firma e qualità dei capolavori cinematografici del passato.

La prima stagione di Vinyl, composta da dieci episodi, ha debuttato su Sky Atlantic il 22 febbraio 2016.

SPOT TV

Segnato da un amore incondizionato per la settima arte, cresciuto a pane e cinema e sopravvissuto ai Festival Internazionali di Venezia, Berlino e Cannes. Sono sufficienti poche parole per classificare il mio lavoro, diviso tra l’attenta redazione di approfondimenti su cinema, tv e musica e interviste a grandi personalità come Robert Downey Jr., Hugh Laurie, Tom Hiddleston e tanti altri.

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Cinema

Scream | il quinto capitolo della saga trova l’idea giusta per rivitalizzare il franchise

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Scream | il quinto capitolo della saga trova l’idea giusta per rivitalizzare il franchise
3.5 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Da sempre, uno degli elementi fondamentali della saga di Scream (e del suo successo), alla pari della maschera di Ghostface e della ricorrente ambientazione cittadina, è il dialogo che i film hanno con la storia del loro genere di riferimento e con i capitoli precedenti del franchise. È infatti già dal primo sequel del 1997 che fu introdotta Stab (all’epoca Squartati): una serie di film nel film ispirati dagli eventi narrati nello Scream originale. Uno stratagemma narrativo (in parte ripreso nel nuovo Matrix: Resurrections, in cui Keanu Reeves è uno sviluppatore di videogiochi tratti da ciò che è stato raccontato nei tre film precedenti) che nel corso degli anni è servito per commentare la saga stessa dall’interno e riflettere con ironia sulle più recenti tendenze dell’industria cinematografica americana.

Quello che accadeva alla saga Stab (che esiste solo nella finzione cinematografica) era quello che accadeva alla saga di Scream. È su questo concetto che si basa anche questo quinto capitolo, che arriva a dieci anni di distanza dall’ultimo e che più di tutti gli altri vuole parlare di fandom, di come le saghe cinematografiche siano oggi ostaggio dei propri fan, che pretendono di imporre le proprie scelte a produzioni sempre più dipendenti dal feedback immediato degli appassionati.

Scream | il quinto capitolo prende in giro il fandom

Scream (che riprende il titolo originale, senza numero) è un film che si rivolge ad una generazione di spettatori ormai già abituata ad un contesto cinematografico in cui gli horror fatti in serie (prima la stragrande maggioranza) sono sempre più minoritari. Sono spettatori che guardano i film della A24, che apprezzano “l’horror sofisticato” di Hereditary o Babadook, e che Scream, esponente del vecchio mondo degli slasher e dei coltelli insanguinati, deve necessariamente cercare di coinvolgere. I personaggi del film sono consapevoli di come i fan oggi, attraverso proteste online e tentativi di boicottaggio, possano obbligare le produzioni a seguire le loro idee, stabilendo quali storie debbano essere raccontate, quali tra i vecchi personaggi debbano tornare nei nuovi episodi, e rivendicando sempre una sostanziale continuità con la saga che hanno amato e che considerano inviolabile.

E ne sono consapevoli anche Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, i due registi di questo quinto capitolo, approdati alla saga dopo aver diretto l’ottimo Ready or Not, e gli sceneggiatori James Vanderbilt e Guy Busick, che in passato hanno lavorato, a vario titolo, a remake di cult intoccabili (Total Recall e RoboCop) e a sequel impossibili (Independence Day – Rigenerazione), cimentandosi con il fandom più accanito, quello dei cinecomics, con i due sfortunati film di The Amazing Spider-Man. Il curriculum perfetto per lavorare a Scream con cognizione di causa.

E infatti la forza di questo nuovo capitolo sta nell’aver capito che la nostalgia che gli appassionati cercano non è tanto nella trama raccontata, ma nei luoghi, negli oggetti, nei volti dei protagonisti. Questo Scream ha insomma capito molto bene che la nostalgia al cinema funziona attraverso deja-vu ed evocazioni.

Un horror di ottima fattura

A differenza del precedentemente citato Matrix: Resurrections, che ha cercato in ogni modo di ribadire la propria inutilità di sequel proponendo coscientemente la stanca reiterazione di idee passate (una delle operazioni più punk e sovversive degli ultimi anni), questo nuovo Scream è un film che vuole divertire lo spettatore e non cerca di allontanarlo.

L’abilità tecnica dei suoi due registi è sfruttata quindi per mettere paura e creare scene di tensione che funzionino. Come sempre, mentre i personaggi discutono e riflettono su come si possa realizzare un film horror, lo spettatore vede la conseguenza pratica di quelle teorie applicate al cinema, ascolta le regole che vengono elencate dai personaggi e poi ne può immediatamente giudicare la bontà nel momento in cui queste vengono seguite alla lettera dal film che sta guardando. È grazie a questa attenzione al “meccanismo” che una sceneggiatura non proprio impeccabile, in cui i personaggi fanno scelte e prendono decisioni non sempre ragionevoli, riesce a coinvolgere il pubblico in un’operazione nostalgia che non risulta mai troppo forzata.

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Cinema

Being the Ricardos | la recensione del film che ha fatto trionfare Nicole Kidman ai Golden Globes

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Being the Ricardos | la recensione del film che ha fatto trionfare Nicole Kidman ai Golden Globes
3.8 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Per il suo nuovo film, Aaron Sorkin torna di nuovo al modello aureo che aveva sperimentato in tante puntate di West Wing, la serie televisiva che lo lanciò agli inizi degli anni 2000. Anche la trama di Being the Ricardos, infatti, si svolge nell’arco di una settimana lavorativa, in cui seguiamo la produzione di un episodio della celebre sitcom americana I Love Lucy, dal lunedì in cui avviene la lettura del copione fino alla registrazione dello show il venerdì. 

Non è un caso che proprio Sorkin, divenuto famoso con una serie televisiva che ha poi dato il via a quella “Golden Age” che prosegue ancora oggi, abbia deciso di omaggiare uno degli show più amati negli Stati Uniti degli anni ’50, il primo programma ad aver raggiunto oltre dieci milioni di famiglie, a finire in prima pagina sul Time e a diventare un modello per tutte le future sitcom grazie all’introduzione della tecnica di registrazione dal vivo con tre telecamere (quella che si vede in Wandavision, per cui I Love Lucy è stato un chiaro riferimento).

Regista sempre in divenire, di una classicità assoluta, Sorkin stavolta si pone all’altezza della sua eroina, rinuncia all’ostentato glamour hollywoodiano dei suoi precedenti lavori dietro la macchina da presa e confeziona il suo miglior film, di una modestia esemplare.

Being the Ricardos | una settimana su un set televisivo

Il film di Sorkin racconta soprattutto il disagio che si prova ad essere sempre la più intelligente della stanza, a dover affrontare decine di estenuanti conversazioni pur sapendo che, alla fine, la ragione sarà sempre dalla propria parte. Se Lucille Ball (Nicole Kidman) era una diva, una delle più grandi che l’America abbia mai conosciuto, Being the Ricardos rivela una donna trattenuta dal fatto di essere sempre un passo avanti agli altri, senza però avere la possibilità di imporre la propria visione se non dopo lunghe trattative con il marito, gli altri attori, lo showrunner, gli sceneggiatori secondari, lo sponsor (Philip Morris). Il suo raggio d’azione si riduce con l’avanzare del film: sono sempre gli altri (maschi) a prendere tutte le decisioni principali, con un sorriso sulle labbra che spesso rivela più inconsapevolezza (non poter neanche immaginare un sistema diverso da quello maschilista sul luogo di lavoro) che malizia.

Nella settimana decisiva della sua carriera, Lucile Ball deve rispondere dell’accusa di essere un membro del Partito Comunista e capire quanto ci sia di vero nello scoop di un tabloid che sostiene che suo marito (Javier Bardem), socio in affari e co-protagonista, la tradisce. Due problemi – uno politico e uno invece strettamente personale – che possono distruggere la carriera di chiunque (o almeno di qualunque donna), persino della star del programma televisivo più popolare del Paese. Ball sa perfettamente che il suo futuro lavorativo e la sua reputazione dipendono esclusivamente dal prossimo episodio, che non può essere semplicemente buono, ma perfetto. Nicole Kidman riesce a comunicare tutta questa tensione in maniera eccezionale, anche solo attraverso il controllo del corpo e l’attenzione per i gesti. 

Una prova formidabile di Nicole Kidman

Tutto ciò che accade in Being the Ricardos è successo davvero, ma ovviamente non è successo nella stessa settimana, o in un periodo di tempo così ravvicinato. Ed è proprio nella condensazione della narrazione che emerge la quintessenza dello stile di scrittura di Sorkin, la sua capacità di rendere credibile l’accumulazione agli occhi dello spettatore, di convincerlo che così tanti eventi importanti siano effettivamente avvenuti a distanza di pochissime ore l’uno dall’altro. 

Come West Wing, The Newsroom o Steve Jobs, anche Being the Ricardos è un “backroom drama” che approfondisce le dinamiche aziendali (in questo caso del mondo dello spettacolo), mostrandoci come venivano assemblate le puntate delle serie tv americane di quell’epoca. Le scene che si svolgono all’interno della finzione televisiva sono presentate in bianco e nero, con la patina del sogno. Ma, spenta la telecamera, Nicole Kidman riesce immediatamente a dismettere i panni di Lucy Ricardo e ad indossare quelli di Lucy Ball: sensuale ed esigente, pungente e affettuosa, comunicando agli spettatori la sua innata capacità di “leggere la stanza”, la condizione di una donna costretta ad aspettare che tutti quanti stiano al passo della sua intelligenza. 

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Netflix

4 Metà | ìl gioco delle coppie alla ricerca dell’anima gemella [recensione]

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4 Metà
3.1 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora

Il cinema italiano che sia sul piccolo, sul grande schermo o in streaming riesce sempre a incuriosire il pubblico. Ultimo in ordine temporale, la commedia romantica 4 Metà diretta dal regista Alessio Maria Federici con Ilenia Pastorelli, Matilde Gioli, Giuseppe Maggio e Matteo Martari. Disponibile dal 5 gennaio su Netflix , attualmente è al terzo posto nella Top10 dei contenuti più visti in Italia sulla piattaforma. Se c’è una cosa che non manca in questo film, sono le domande che il pubblico tenderà a porsi nel corso della storia.

La trama di 4 Metà

Abituati ad invitare amici a cena nella loro terrazza situata nel cuore di Roma, gli sposini Sara e Luca, iniziano a parlare con altri due amici, delle varie teorie che aleggiano intorno alla ricerca dell’anima gemella. Bisogna essere simili o totalmente all’opposto per creare un rapporto duraturo e fondato sull’amore? Per rispondere a queste domande, decidono di raccontare la storia di quattro amici single e di come si sono incrociate le loro vite dopo essersi conosciuti proprio a una cena organizzata da loro.

Chiara (Ilenia Pastorelli) è un’anestesista che crede nell’amore ed è alla ricerca di una relazione seria. Giulia (Matilde Gioli), da brava matematica e ricercatrice in statistica è più fredda e lucida nell’approcciarsi con un uomo. Entrambe sono amiche di Sara.

Matteo (Matteo Martari) lavora per una casa editrice ed è affascinante, dal temperamento vivace e con la battuta pronta. Se per lui catapultarsi in un rapporto serio non lo spaventa, di tutt’altro avviso è Dario (Giuseppe Maggio) un avvocato al quale tutte sembrano cadergli ai suoi piedi e predisposto a rapporti fugaci da una notta e via. Entrambi sono amici di Luca.

Terminata la cena a casa di Sara e Luca, i quattro ragazzi iniziano a frequentarsi dando via a un valzer di incontri e di scambio di coppie in realtà parallele. Chi sarà la rispettiva anima gemella? Quale sarà la combinazione giusta?

Leggi anche: E noi come stronzi rimanemmo a guardare | il geniale film diretto da Pif

Leggi anche: Tick, Tick… Boom | la recensione del primo film da regista di Lin-Manuel Miranda

4 Metà | la recensione

Una cosa è certa: le cene con amici – nel mondo del cinema – riescono a cambiare la vita delle persone. La prima che mi viene in mente in tempi recenti? Sicuramente Perfetti Sconosciuti di Paolo Genovese. Lo spettatore è testimone segreto di storie che avvengono in una realtà, che di fatto esiste ma della quale, in pochi ne sono a conoscenza.

Nel film 4 Metà il regista Alessio Maria Federici, porta sulla piattaforma Netflix, una commedia romantica basata sulla ricerca dell’anima gemella, invitando il pubblico a riflettere su un concetto fondamentale: l’altra metà della mela, come diceva Platone nel suo Simposio, deve avere i nostri stessi interessi o essere completamente diversa? Zeus divise gli uomini in due, rendendoli più deboli e meno arroganti affinché potessero trovare l’altra metà del loro cuore, che li avrebbe resi perfetti.

Al contrario, Luca e la moglie Sara, a loro modo proveranno a dare una mano al destino dei quattro amici, portandoli a conoscersi e a constatare se i concetti che ruotano intorno alla ricerca dell’anima gemella, siano vere o meno.

Esiste davvero l’anima gemella?

Chiara, Giulia, Matteo e Dario rappresentano le diverse tipologie di uomini e donne alle prese con l’amore. C’è chi è pronto a vivere un amore sincero, chi è disilluso, chi è propenso ad aprire il proprio cuore e chi sembra, non voglia sentirlo neanche nominare. Immancabili le variabili che spostano l’ago della bilancia delle storie e delle ipotetiche coppie. Un trasferimento all’estero, una gravidanza inattesa, un tradimento e un sentimento sbocciato improvvisamente sono alcuni dei momenti che vedranno i protagonisti fare i conti con le loro fragilità.

Il cast composto da Ilenia Pastorelli, Matilde Gioli, Giuseppe Maggio e Matteo Martari, rende la storia molto gradevole e accattivante. È pur vero, però che a volte ci sono dei momenti un po’ confusionari, a causa della sceneggiatura. Per quanto non sia facile combinare le coppie e i vari intrecci, lo spettatore può risultare confuso su chi sta con chi e soprattutto in quale momento. Tuttavia, il finale riesce a salvare in calcio d’angolo il film, portando il pubblico a porsi un’altra domanda: ma siamo sicuri che l’anima gemella esista davvero?

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