Joel Kinnaman e Catalina Sandino Moreno in una scena di Silent Night – Il silenzio della vendetta – Fonte Foto: Ufficio stampa

Distribuito in anteprima mondiale da Plaion Pictures, dal 30 novembre, Silent Night – Il silenzio della vendetta porta la firma di John Woo. Il cineasta originario di Hong Kong confeziona un’opera d’autore, che naviga nel genere del cinema d’animazione e vede Joel Kinnaman protagonista.

Il ritorno dietro la macchina da presa di John Woo pesca a piene mani dal cinema di genere e ha quel sapore d’epoca che ha creato tanti cult. Per chi cercasse un action movie puramente di intrattenimento, Silent Night – Il silenzio della vendetta non è il film che fa per lui. La cultura orientale, con tutto ciò che essa si porta dietro, impregna la pellicola e le dona un’identità alquanto particolare.

Un plauso va all’interpretazione di Joel Kinnaman, che deve giocare per quasi due ore con tutte le armi a sua disposizione, a eccezione della voce. Per un attore, si può ben capire quanto sia fondamentale anche quel fattore. Eppure, l’attore svedese fa un ottimo lavoro, riuscendo a esprimere le sfumature di dolore e determinazione che attraversano il protagonista.

Joel Kinnaman in Silent Night – Il silenzio della vendetta – Foto: Ufficio stampa

Al centro della trama, una questione probabilmente sempre sin troppo attuale e pressante, quale la presenza delle gang in alcune zone dell’America. Da quello che potrebbe essere un qualsiasi fatto di cronaca nera, prende sviluppo la storia, a metà tra una critica alla società e un film d’azione puro.

Sangue che macchia le mani, le strade e i parabrezza delle automobili, la violenza scorre senza sosta, e senza che sia realmente possibile bloccarla. La polizia sembra non avere i mezzi e le capacità sufficienti a una tale impresa, motivo per cui i giustizieri solitari rischiano di proliferare.

Silent Night – Il silenzio della vendetta: la trama del film

Durante le festività natalizie, in una giornata di sole e spensierata, una famiglia sta giocando nel cortile interno di casa. Il padre (Kinnaman) spinge e fa volare sulla piccola bicicletta il bambino, mentre la mamma (Catalina Sandino Moreno) li riprende con il cellulare. Improvvisamente la scena cambia.

Dei colpi di pistola risuonano dietro l’angolo della strada, insieme al rumore di automobili che sbandano e si rincorrono. Tutto avviene in un attimo. Dei proiettili raggiungono il corpo del bambino, che giace inerme e sanguinante tra le braccia dei genitori attoniti. Lei continua a piangere, lui, preso da un istinto animale inarrestabile, si lancia all’inseguimento dei criminali.

Ne uscirà in fin di vita e senza più voce. Dopo mesi di riabilitazione, l’uomo non può capacitarsi di quanto avvenuto. La bottiglia diventa la sua insostituibile compagna, sino a quando non lascia il posto a qualcos’altro: la vendetta.

Una scena di Silent Night – Il silenzio della vendetta – Fonte Foto: Ufficio stampa

L’autorialità del cinema d’azione

Fulcro nevralgico della storia, il tema della paternità è ciò che caratterizza nel profondo il protagonista. La perdita del figlio spinge un uomo comune a diventare altro da sè. Il protagonista decide di dedicare il resto della sua esistenza a uno scopo divenuto per lui prioritario, ma in realtà inutile per colmare quel vuoto. Il dolore è il motore, la benzina, ma è anche la causa di una rovina inevitabile e, al tempo stesso, necessaria.

Dal punto di vista del puro e semplice intrattenimento, le scene d’azione e le varie armi messe in campo forniscono uno spettacolo non indifferente, che faranno gola ai fan degli action movie tanto quanto agli estimatori di Woo. Alla sua settima regia di produzione americana, il cineasta esibisce tutta una serie di suggestioni che rimandano al suo stile e alla sua poetica, regalando autorialità al progetto.

Recensione di Palazzina Laf – Newscinema.it (Foto: Ufficio stampa)

La nostra recensione di Palazzina LAF, il primo film da regista di Michele Riondino dal 30 novembre al cinema.

Denso di morale, esposto limpidamente e costruito su un contesto dialettale l’esordio registico di Michele Riondino si pone come monito sociale ancora oggi. Presentato alla 18esima edizione della Festa del cinema di Roma nella sezione Grand Public, Palazzina Laf racconta la storia di Caterino Lamanna e di tutti i lavoratori dell’acciaieria ILVA di Taranto, spediti negli anni Novanta in questa palazzina “aziendale”.

Vittime di mobbing, confinati come in esilio, pagati per fare nulla e privati della propria dignità di lavoratori. La storia di Caterino partirà dalla sua situazione privata per raccontare qualcosa di molto più amplificato.

Un film che fa da specchio a una vergogna italiana

Come dichiarato in conferenza stampa dal regista, il film vuole essere anche un omaggio a Taranto, la sua città di origine, sporcata di questa disastrosa vicenda che ad oggi ancora non ha avuto la degna risonanza a livello nazionale, rimanendo recintata all’interno della realtà pugliese.

Cercando dunque di far luce tra i favoreggiamenti e le manovre malsane, Riondino ricostruisce alla perfezione l’estetica anni Novanta tra musicassette e frontali radio delle auto, viaggiando sulle note di The bad touch in sottofondo. Diritti e doveri, pressioni su personale altamente qualificato, morti non troppo accidentali sul luogo di lavoro come conseguenza di una frattura infettata all’interno dell’azienda. Reparti confino utilizzati per azzittire, annientare la nobiltà umana e i valori di chi in realtà voleva soltanto lavorare onestamente.

Facendo opera di convincimento coercitivo, influenzando psicologicamente e materialmente chi è in situazioni economiche instabili, i dirigenti dell’ILVA suggestionavano i dipendenti spostandoli tra i settori come nulla fosse o talvolta usandoli come pedine infiltrate, spiando e punendo di conseguenza chi non restava in silenzio.

Recensione di Palazzina Laf – Newscinema.it (Foto: Ufficio stampa)

Spazio all’ironia per raccontare il dramma

Nei suoi 99 minuti il film condensa differenti generi per arrivare a trasmettere messaggi determinanti e totalmente drammatici basati su eventi realmente accaduti, attingendo però anche alla commedia. Ed è proprio questa forse la scelta vincente del film, evitare di appesantire ulteriormente la tematica strappando qua e là un sorriso, arrivando così grazie a un’ottima scrittura, a fare centro nel cuore del vero obiettivo.

Attori convincenti, primo fra tutti Riondino stesso che per la prima volta appunto tira le redini sia dietro che davanti la macchina da presa e poi un Elio Germano nelle vesti del folle villain, aggiungono quel tanto di olio all’ingranaggio per far sì che l’intero prodotto si svuoti di retorica e al contrario risulti incisivo.

In uscita grazie a BIM distribuzione dal 30 novembre nelle nostre sale, questo ritratto di un’Italia corrotta in cui raccomandazioni e sindacati si fanno la guerra mentre i lavoratori stanno a guardare, finisce dunque per convincere nella sua formula lasciando non poche riflessioni allo spettatore e facendo ben sperare per un futuro florido di un Riondino non più solo attore ma anche direttore dell’orchestra.

Recensione del film ‘Nuovo Olimpo’ (Foto: Netflix) – Newscinema.it

Dall’1 Novembre su Netflix il nuovo film di Ferzan Ozpetek, Nuovo Olimpo. Lo abbiamo visto in anteprima ed ecco la nostra recensione.

Presentato in anteprima alla Festa del cinema di Roma 2023 nella sezione Grand Public, il nuovo film di Ferzan Özpetek scritto a quattro mani con Gianni Romoli, arriverà su Netflix il 1° novembre 2023. Nei suoi 111’ di durata Nuovo Olimpo mescola dramma, commedia e romanticismo nel tipico stile del regista turco.

Ambientato alla fine degli anni ’70 racconta la storia di due giovani venticinquenni, Pietro ed Enea (Andrea Di Luigi e Damiano Gavino) che si conoscono per caso e all’istante si innamorano perdutamente l’uno dell’altro.
 A seguito di un evento imprevisto però, sono costretti a separarsi e per trent’anni non si rivedranno più. La speranza di ritrovarsi non si spegne mai tra i due e il destino cercherà di far ciò che può per aiutarli in questo.

Nuovo Olimpo: cinema, amore e speranza

Travolgente e delicato, contiene tutti i tratti tipici del cinema di Ozpetek e, per questo, è bene chiarire fin da subito che molto probabilmente chi lo ama lo amerà e chi lo odia lo odierà. Godard, De Sica, Pasolini, Magnani, come tante altre icone del cinema che fu, passano davanti agli occhi dello spettatore colorando un cinema di locandine o fissando scene sul grande schermo in un immaginario che trasuda amore per la settima arte.

Come confermato durante la conferenza stampa dallo stesso Özpetek, Nuovo Olimpo è ispirato quasi nella sua totalità ad eventi a lui realmente accaduti nel corso della vita e che da tanto desiderava raccontare. La giovinezza dunque già tremendamente cinefila di Enea, alter ego dello stesso regista, è solo l’inizio di questa avventura a lui molto cara che viaggia tra giochi di sguardi intensi, silenzi e desiderio.

Enea è anche il personaggio trainante della coppia che partendo da un passato più libertino viene investito dal fulmine dell’amore, ponendosi da lì in avanti come una persona cambiata, più matura, stabile, dedita all’elemento base di questo Nuovo Olimpo: la dolcezza. Sincera, tangibile e irrefrenabile, questa sensazione è facilmente percepibile ma è anche capace di colorarsi di sfumature malinconiche.

Recensione di Nuovo Olimpo – Newscinema.it

Un film dolce e delicato, ma anche tremendamente disilluso

C’è chi vuole amare senza troppi ostacoli e chi invece impaurito cerca di preservarsi, chi insegue e chi è inseguito, chi è preda delle proprie insicurezze e chi le sopprime. A metà tra le note di chiusura di La La Land e quelle di un disilluso realismo, il finale implode potentissimo nel petto, facendosi adorare tanto quanto il dolore che provoca.

Questo perché l’empatia è il fulcro della ragnatela narrativa, il punto da cui sviluppare poi tutto il resto. Özpetek in questo è grandioso e come ci ha abituati ormai da tempo riesce a farci vivere ciò che lui ha vissuto, tanto a livello concettuale quanto di messa in scena. Un storia travagliata che si adagia sulle note di Mina, colei che in questo film occupa enorme spazio anche come citazione estetica, nel personaggio di Luisa Ranieri.

Parlando appunto di attori forse non tutte le interpretazioni sono di altissima qualità e lo stesso vale per qualche passaggio tecnico che dovrebbe scandire gli anni che passano o per il trucco invecchiante non così credibile. Ma, in fin dei conti sono minuzie che si fa presto ad accantonare, quando il peso specifico del racconto è così pressante.

Una perfetta cornice romana che racchiude poesia e sesso esplicito

Amore puro, sesso esplicito, un’omosessualità finalmente vissuta senza le forzature odierne, senza dare troppo peso alla sfera discriminante ma mostrandola nel suo nucleo ideale, esattamente come dovrebbe essere, la semplice normalità. Vespe che sfrecciano, sole caloroso, antiche location e terrazze panoramiche raccontano una Roma tipica e stratificata che arricchisce le suggestioni di una coppia esplorata nel profondo.

Un film davvero emotivo che coinvolge a tal punto da farti male e che proprio per questo innalza il suo potere narrativo, lasciandoti dentro quello struggente alone amaro. Come una luna fa da specchio tra mamma e figlio nel cult natalizio Mamma ho riperso l’aereo, qui è un film in tv a rivestire il ruolo di incosciente oggetto comune, unico punto di contatto nel tempo e nello spazio di un sentimento ancora vibrante. L’amore in fin dei conti non dimentica, la razionalità invece sì.