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Festa del Cinema di Roma

Festa del Cinema di Roma 2017: Hostiles conferenza stampa: “C’è bisogno di aprirsi ad altre culture!”

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La dodicesima edizione della Festa Internazionale del Cinema di Roma è iniziata con un intenso western, Hostiles, diretto da Scott Cooper ed interpretato da Christian Bale, Rosamund Pike e Wes Studi. Ambientato nel 1892 Hostiles racconta la storia di un ufficiale dell’esercito americano che accetta di scortare un capo Cheyenne e la sua famiglia fino alle terre del suo popolo. Un viaggio pericoloso ed imprevedibile dal New Mexico al Montana, nel corso del quale i due nemici dovranno unire le forze contro uno spietato paesaggio e le tribù Comanche che abitano quelle zone.

Rosamund Pike in un abito rosso pensato per le grandi occasioni ha tenuto la conferenza stampa del film, insieme all’attore Wes Studi e al regista Scott Cooper ed ecco di seguito cosa hanno raccontato.

Questa storia potrebbe essere ambientata anche in altri luoghi e altre epoche volendo. Cosa ne pensa della rilevanza nell’attualità di questo film?

Scott Cooper: La storia oggi è sicuramente ancora più rilevante di quando ho cominciato a scrivere la sceneggiatura. L’America sta vivendo una spaccatura razziale molto profonda che cresce giorno dopo giorno. Non è mai stata più polarizzata di come è adesso. Chi vive sulle coste degli Stati Uniti nota che c’è una grande interazione con varie persone di provenienza etnica diversa, ma nel resto del paese la situazione è diversa. Dopo le ultime elezioni questo si nota in modo impressionante. Spero che questo film possa avviare un dibattito sull’ inclusione, la riconciliazione e il rispetto dell’altro. Nel film assistiamo a due culture costrette a fare un viaggio molto duro che, sostanzialmente, si rivela un percorso dell’anima attraverso cui si rendono conto di essere umani, vivendo tutte le emozioni insieme.

Christian Bale in Hostiles

Wes Studi: Vivo in quegli Stati di cui parlava Scott e la mia realtà è una sorta di specchio di come è la società dei nativi nell’America di oggi. Viviamo un processo continuo di adattamento. Forse il mondo è diventato più mutevole dal punto di vista della società e dei rapporti razziali. Il film parla della realtà contemporanea ma anche della storia.

Cosa ha pensato quando le è stato proposto questo personaggio? Le donne nei film western sono trattate in maniera diversa di solito. Qui il tuo personaggio intraprende un percorso doloroso, ma è una figura insolita per un western?

Rosamund Pike: Mi hanno chiesto se mi sono basata su altre esperienze, ma Scott (Cooper) ha scritto una storia molto reale, quindi potevo ispirarmi solo alla vita. E’ una donna molto forte, fa un viaggio molto profondo, e vive una storia di perdita terribile, la più insopportabile. Quando il personaggio di Bale la incontra lei non vuole più vivere, e per me è stato interessante comprendere come una persona può trovare un motivo per vivere, che sia per la fede, o grazie ad un’altra persona che ha sofferto come lei, o rendersi conto che quando il responsabile viene ucciso sente comunque l’odio perché il marito e i suoi tre figli non tornano indietro. Non è una donna forte come quelle del cinema moderno, che usano le armi scimmiottando gli uomini. Lei molto femminile, comprende, vede, matura, è una sorta di controparte femminile del personaggio di Bale, per dimostrare che lui è un uomo buono in fondo. Solo lui riesce a portare lei fuori da una disperazione totale.

Scott Cooper: Io vengo dalla Virginia e vedere la violenza e l’odio verso le minoranze mi fa stare male. Per me e i miei figli che sono cresciuti durante gli anni di Obama, otto anni di speranza, vedere cosa succede oggi in America è difficile. Fatichiamo a capire e mettere insieme quegli otto anni vissuti e il presente. L’inclusione e l’ascolto del diverso da noi è necessario, abbiamo bisogno di apertura verso altre culture e abitudini.

Nel film è il suo personaggio che si avvicina di più all’altro. Le donne di solito sono più empatiche e aperte verso il diverso. Pensa che in questo senso l’apertura inizierà dalle donne?

Rosamund Pike: Recentemente siamo rimaste affascinate da quello che succede quando le donne si uniscono per far sentire la loro voce. All’inizio lei ha una sorta di ignoranza, i Comanche hanno attaccato la sua famiglia e la sua prima reazione è di terrore, non conosce le differenze tra le due culture, ma osserva quello che ha intorno. Vive un lutto profondo ma non ha nulla da dire. Non credo che il mio personaggio faccia una scelta.

Ha prestato servizio in Vietnam negli anni 60, è stata un’esperienza utile per questo film?

Wes Studi: Posso dire di sì. Ci sono stati dei momenti in cui dei vietnamiti o nostri alleati mi dicevano: “tu sei come un vietnamita?” In effetti tanti anni fa gli americani inseguivano me nei boschi e nelle pianure, quindi mi sono identificato in quel momento in loro, trovandomi in quella posizione politica speficia. Ho attinto a questo per tutta la mia carriera.

L’America ha sempre bisogno di un nemico, perchè?

Wes Studi: Penso che l’America abbia bisogno di amici ovunque, all’interno non solo esterno. Penso ai terroristi interni per esempio, che fanno più danni dei personaggi politici fuori dai nostri confini. L’America ha bisogno di nemici per motivi economici, ma sono pessimista su questo.

Il suo rapporto con il genere western?

Scott Cooper: Non passano mai di moda in America i western, ma io amo anche Sergio Leone. Personaggi tracciati in bianco e nero, buoni e cattivi, uomini e donne che seguono un codice di vita, il paesaggio e il desiderio di qualcosa di meglio per il proprio destino, il bisogno di un nemico che nei western sono sempre i nativi raccontati sempre in modo negativo. Questo film per me è un western solo per epoca e luoghi, ma in realtà un film sull’ umanesimo oltre i generi, per un’esperienza di comprensione del dolore, della tragedia, del lutto, e di un risanamento dell’anima che raramente si trova nei vecchi western americani.

 

 

 

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

Cinema

The Irishman, un’epopea umana e criminale intorno all’elegia e al carisma di De Niro

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the irishman recensione

Frank Sheeran (un fascinosissimo Robert De Niro) è veterano di guerra, reduce dalla Seconda Guerra Mondiale, e per camparsi guida camion. Il suo incontro con Ross Bufalino (un bravissimo Joe Pesci), boss della mafia di Philadelphia, lo inizierà alla “carriera” mafiosa trasformandolo in breve tempo in un esecutore freddo e sistematico, un “imbianchino” di cui fidarsi ciecamente.

Un giro di vite con altrettanto frenetico ricambio d’armi (prontamente gettate nel fiume dopo ogni delitto), che farà di Sheeran “l’irlandese” e il prediletto di Bufalino, il quale lo presenterà poi anche a Jimmi Hoffa (il grande Al Pacino), popolare e potente capo del sindacato dei camionisti. Prenderà così il via di un sodalizio, ma anche una vera e propria amicizia, che attraverserà l’America anni ’60, imbrattata di corruzione, sangue e mafia. Un legame solido e controverso destinato però anche a generare un pericoloso conflitto di coscienza e interessi, che si chiuderà poi con la misteriosa scomparsa di Hoffa.

Leggi anche: Martin Scorsese, 5 motivi per amare il suo cinema

the irishman

the irishman

Presentato e ampiamente applaudito alla Festa del Cinema di Roma 2019 l’attesissimo lavoro del maestro Martin Scorsese dal titolo The Irishman. Un’opera fiume (tre ore e mezza) che prende spunto dal libro di Charles Brandt I Heard You Paint Houses per rivelarsi saga criminale ma anche epopea umana ruotata attorno al fascinoso “irlandese” di un magnifico Robert De Niro. A trent’anni di distanza da Quei bravi ragazzi e forte di una carriera di successi indiscussi e variegati, Scorsese torna ancora una volta a immergersi nel mondo della criminalità, ma lo fa con avvolgente elegia e una smaccata nostalgia, senza mai perdere di vista il lato più malinconico e umano (più o meno “pietoso”) di tutti gli attori in scena, e in particolare del fenomenale trio di protagonisti.

Nell’efferatezza dell’ascesa e nella drammatica malinconia di quella discesa che prima o poi tocca a tutti (la famosa ‘A livella di Totò), Scorsese tratteggia attorno all’irlandese e ai suoi legami più stretti e significativi (Bufalino, Hoffa, la figlia Peggy) una saga che non esclude nessun elemento di genere (sparatorie, sangue, patti, omertà), ma che circuisce con ritmo, grande stile e sensibilità artistica il pubblico e il privato di una malavita fatta di bravi ragazzi, che governa a suon di rese dei conti e sangue versato, ma che poi finisce inesorabilmente nel silenzio di una bara, quando non peggio. Con The Irishman Scorsese affianca e confronta proprio i chiaroscuri di quello che sembra un mestiere come un altro, fa specchiare il frastuono giovane dell’ascesa nel timido silenzio della discesa, del “se ne sono andati tutti”, di un uomo (Bufalino) che ha decretato vita o morte di dozzine e dozzine di amici e conoscenti e che infine fatica perfino ad addentare un pezzo di pane.

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In The Irishman Martin Scorsese cerca e rintraccia dunque non più tanto il carattere e la tracotanza criminale quanto l’elegia mafiosa, quell’angolo di mondo dei cattivi abitato a un tempo solo da colpa e redenzione, da fedeltà e tradimento. E nei tanti rovesci delle medaglie di cui si narra, quest’ultimo lavoro di Scorsese segue il filo rosso di sodalizi e amicizie nate all’ombra di un patto d’onore e sigillate poi dentro una bara d’omertà. Un’opera che come le più grandi unisce al meglio forma e contenuti, e che prende corpo atto dopo atto attraverso lo splendido afflato di un cast pazzesco, la sceneggiatura puntuale di Steven Zaillian, la regia sinuosa e avvolgente di Scorsese, il montaggio preciso di Thelma Schoonmaker, la fotografia di Rodrigo Prieto e le musiche di Sean Sara Sella.

Regole e regolamento malavitoso riletti alla luce di un’intrigante storia vera e nella malinconia di un tempo che va e attraversa spazi, tempi e vite, esistenze tutte a loro modo impegnate a fare il loro – “è quello che è” – a scrivere quella personale storia che come tutte le storie ha la doppia connotazione dei bravi e dei cattivi ragazzi, uomini fragili e mortali (padri amici e mariti) da un lato, e operatori integerrimi del crimine dall’altro. 

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Cinema

RomaFF14: La Belle Époque, un viaggio nel passato per ritrovare l’amore della vita

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Victor (un bravissimo Daniel Auteuil) ha sessant’anni. In un momento di crisi e senza lavoro (fa il disegnatore ma nessuno gli commissiona più nulla), viene messo fuori casa anche dalla moglie (Fanny Ardant), che non riesce più a sopportarlo e, a sua insaputa, frequenta un altro uomo.  Antoine, imprenditore di una creativa società che mette in scena epoche diverse e permette ai propri clienti di calarsi nello spazio temporale da loro scelto per rivivere un dato momento storico o una specifica situazione del passato, gli offrirà però un’opportunità più unica che rara, ovvero la possibilità di rivivere un momento a scelta della propria vita. Senza tentennamenti, Victor sceglierà di tornare al 1974 per re-incontrare il suo grande amore, e riscoprire la donna di cui si era innamorato, così come i primi momenti di una storia durata ben quaranta anni.

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A interpretare la parte di sua moglie da giovane, però, Victor si troverà di fronte la bellissima Margot (Doria Tiller), legata ad Antonie da una relazione tempestosa. Eppure, le sensazioni dell’innamoramento torneranno  su quel singolare “set” con la stessa forza del tempo reale, determinando una serie di cambiamenti in tutti i coinvolti, e innescando una catarsi umana che trasformerà la crisi di Victor in una fase di rinnovata gioventù.

Il regista francese Nicolas Bedos (Gli infedeli, Un amore sopra le righe) porta alla Festa del Cinema di Roma 2019 La Belle Époque, un affresco toccante e sorprendente, marcato da un’ironia sincera e coinvolgente che parla delle stagioni della vita, dell’amore, della ricostruzione e della resilienza amorosa. Attraverso un gioco originale sui tempi, e sfruttando il mezzo artistico della rappresentazione quale modo per rivivere tempi andati e memorie del cuore come fossero madaleine proustiane del sentimento, La Belle Époque  ricostruisce all’interno del set dal nome omonimo e che dà il titolo al film la “bella epoca” della vita e dei sentimenti, ricuce insieme il tragitto iniziale fatto da una coppia sull’orlo dell’amore, indicando però anche poi come nel tempo e al mutare dell’approccio amoroso la bellezza resta comunque invariata sul fondo e, se cercata, può riemergere forte proprio come in principio. 

la belle époque 2

La Belle Époque (che uscirà in Italia distribuito da Wonder Pictures) rappresenta la commedia francese nella sua forma più alta e migliore, capace di divertire e convincere grazie a un soggetto che funziona, una scrittura brillante e un cast di attori armoniosamente in parte (Guillaume Canet, Doria Tillier, Pierre Arditi) capeggiato dalla malinconica e simpatica espressività di uno straordinario Daniel Auteuil che si confronta con il brio sincero e naturale della sempre bellissima Fanny Ardant. Un’opera che diverta e scalda il cuore, operando un confronto intelligente tra realtà e proiezione, verità e immagine del sentimento.  

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Cinema

Scary Stories to tell in the Dark, la recensione dell’horror scritto da Guillermo Del Toro

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C’è chi per festeggiare Halloween condivide storie dell’orrore, inventate o ispirate a fatti realmente accaduti, davanti a un camino, mangiando dolcetti che potrebbero trasformarlo in una delle creature spaventose di Scary Stories to Tell in the Dark (quando vedrete il film capirete a chi ci riferiamo). Il film diretto da André Øvredal  e scritto e prodotto dal premio Oscar Guillermo Del Toro, è perfetto da vedere al cinema aspettando la celebre notte delle streghe. Si tratta di un adattamento dei famosi libri per ragazzi di Alvin Schwartz, presentato in anteprima alla 14° edizione della Festa Internazionale del Cinema di Roma e nelle sale italiane dal 24 Ottobre con Notorious Pictures.

scary stories

Durante la notte di Halloween del 1968 un gruppo di adolescenti visita un’antica casa abbandonata con un passato inquietante di dolore e violenza. Tornando a casa, portano con loro un libro sulle cui pagine, improvvisamente, cominciano ad apparire delle storie di morte che li riguardano. Diventa così indispensabile capire come risolvere il mistero che circonda quel fenomeno surreale che porta sangue nella loro piccola cittadina della Pennsylvania. Le illustrazioni originali di Stephen Grammel,contenute nei libri di Schwartz negli anni ’80 e ’90, hanno sicuramente contribuito alla visione di Del Toro, abituato a rendere sullo schermo mostri spaventosi e disgustosi. Nel corso del film, infatti, si alternano sulla scena creature che sembrano riprese dall’universo di Silent Hill e dai film dello stesso Del Toro come Il Labirinto del Fauno, che mantengono un loro realismo e riescono ad essere terrificanti e curiose.

Leggi anche: I mostri più spaventosi di Guillermo Del Toro

Non ci sono damigelle in pericolo, anzi la leader del gruppo, interpretata dalla giovane Zoe Margaret Colletti, è una ragazzina tosta e determinata che nel tempo libero si diverte a scrivere storie spaventose, proprio come il fantasma che la tormenta. La sua camera è ricca di cimeli anni ’80 per testimoniare la passione dell’industria televisiva e cinematografica attuale che, stregata dal successo di Stranger Things, non sembra voler abbandonare quell’immaginario nostalgico per cui il pubblico sembra avere un debole.

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Diciamo che il punto forte di Scary Stories to tell in the Dark non è l’originalità della sceneggiatura poiché l’idea di racconti che prendono vita già è stata ampiamente proposta sul grande schermo, basti pensare a La Storia Infinita o al recente Piccoli Brividi. Tuttavia la regia di Øvredal è brillante e ambiziosa nel convincere lo spettatore che non sono i personaggi a leggere il libro, ma è “il libro che legge te“. Originali però sono le sorti dei personaggi più sfortunati che vivono esperienze alquanto bizzarre e dolorose che danno vita a scene per stomaci forti che accontentano gli appassionati del genere horror. Esseri umani che si trasformano in spaventapasseri, creature in decomposizione in cerca di abbracci letali, infestazioni di ragni affamati, e tante altre minacce donano al film un ritmo dinamico e coinvolgente. La fotografia nebbiosa, umida e perfettamente in linea con il cinema horror del passato trasporta in una dimensione in cui si fondono il mistery e la fantascienza, ma anche il film d’avventura per ragazzi stile Goonies.

Curiosità: Goonies, 10 verità mai svelate sul cult anni ’80

Scary Stories to tell in the Dark è uno di quei film horror che divertono e intrattengono senza troppe pretese, giocando con i classici salti sulla poltrona e la costruzione graduale di una tensione che, seppur celata dietro una narrazione dall’anima teen, accompagna a casa facendo sviluppare una certa avversione per i lunghi corridoi e le stanze buie.

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