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Festa del Cinema di Roma

Tom Hanks alla Festa del Cinema di Roma 2016: Ogni 4 anni un circo per decidere il Presidente

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Il primo ospite internazionale della Festa del Cinema di Roma 2016 è Tom Hanks, un attore amato da molti anni, che vanta una carriera ricca di film capolavoro che sono rimasti nella storia. Basti pensare al mitico Forrest Gump, al tenero Big, all’emozionante Salvate il Soldato Ryan e tanti altri. Reduce dall’anteprima di Inferno a Firenze pochi giorni fa, l’attore è arrivato a Roma per incontrare la stampa ed ecco cosa ci ha raccontato, ricordando la sua carriera e riflettendo sulla situazione attuale degli Stati Uniti, divisi tra Donald Trump e Hilary Clinton verso un futuro incerto.

Qui alla Festa del Cinema vedremo tutti i suoi film e riceverà un premio alla carriera, cosa prova per questo?

Secondo il filosofo meglio non guardarsi mai indietro perché a volte il passato può prendere il sopravvento. Io infatti non penso molto ai film che ho fatto, perché non sono diversi oggi rispetto a quando li ho fatti. Se li rivedo penso solo che è passato il tempo e sono invecchiato. Quello che mi interessa però è la longevità artistica: quando un ruolo continua ad essere offerto vuol dire essere longevi ed essere un professionista. Io mi reputo molto fortunato per il fatto che ho un corpus di lavoro imponente. Guardate Larry Crown invece dei soliti Forrest Gump o Big… Ogni film è un’avventura e da ogni film ho imparato molto.

Cosa ne pensa della situazione attuale del suo Paese?

Per me è il festival della merda 2016! Ogni 4 anni arriva il circo e dobbiamo decidere chi deve essere il Presidente. A volte il paese si trova davanti ad un bivio, c’è ansia, timore, a volte giustificato ma a volte no. Non c’è dubbio che il mondo stia attraversando una fase problematica, il nostro futuro è incerto. L’ignoranza può essere un bene che può essere comprato e venduto. Io parlo solo di film perché sono un attore, ma nella storia quando ha prevalso l’ignoranza sono successe cose molto brutte. Un saggio ha detto “la verità rende liberi” e per me l’ignoranza è l’esatto contrario. Quando la stampa italiana mi chiede “Perchè in America c’è Trump” io rispondo “Perchè in Italia c’è Berlusconi”.

Ha detto mai no ad una sceneggiatura? 

Non mi sono mai detto “che stupido che sei per aver rifiutato quell’offerta” perché le decisioni le prendo sempre per istinto. Ci sono stati molti film che non ho fatto, solo perché avevo altri impegni ma non ci ho mai ripensato. Tuttavia è difficile dire di no, piuttosto che dire sì. Amo fare l’attore per esplorare alcuni miei aspetti come uomo di 60 anni che vive in America, ma soppesare il no è difficile rispetto ad arrivare alla 15° pagina di una sceneggiatura e dire che voglio io quella parte.

Nella sua carriera ha fatto spesso ruoli positivi, cosa ne pensa del fatto di interpretare un personaggio cattivo o comunque negativo?

Nel cinema non ci sono molte sfumature, e come attore non voglio fare il cattivo di turno classico che digrigna i denti. Ma c’è un film che ho già girato in cui sono credibile come un personaggio malevolo. A me piacciono i film in cui le tesi del protagonista e dell’antagonista hanno una base valida. Mi piace soppesare le differenze tra buono e cattivo, ma è chiaro che nei film gli antagonisti tendono ad essere archetipi e poco originali.

Come è nella veste di nonno?

Loro non hanno idea di quello che fa il nonno per vivere, credo che riconoscano la mia voce nella versione originale di Toy Story. Ci gioco, disegno con loro e cerco di convincerli che sono un uomo importante, ma non ci credono. Preferirei stare con i nipotini perché sono più divertenti di Fellini!

Non ha mai avuto paura di rimanere incastrato in alcuni ruoli?

Nel caso di una saga si può accettare di andare avanti per soldi, ma conta anche il personaggio. Noi attori abbiamo un modo di fare ma il contratto che abbiamo con il pubblico è che bisogna partire da zero. Sofia Loren per esempio è stata Sofia Loren in ogni suo film, ma incarnava perfettamente il suo personaggio e in questo modo si può entrare in empatia con l’artista. Il contratto tra l’artista e il pubblico esiste ancora.

C’è un artista italiano con cui vorrebbe collaborare?

Chiunque avesse un’idea interessante. Penso che con Roberto Benigni saremmo fortissimi insieme. In California c’era un canale che faceva film che di solito non si vedevano altrove e rimasi colpito da 8 e mezzo e La Strada, ma non riesco a seguire il cinema italiano di oggi.

 

Il cinema e la scrittura sono le compagne di viaggio di cui non posso fare a meno. Quando sono in sala, si spengono le luci e il proiettore inizia a girare, sono nella mia dimensione :)! Discepola dell' indimenticabile Nora Ephron, tra i miei registi preferiti posso menzionare Steven Spielberg, Tim Burton, Ferzan Ozpetek, Quentin Tarantino, Hitchcock e Robert Zemeckis. Oltre il cinema, l'altra mia droga? Le serie tv, lo ammetto!

Cinema

RomaFF14: Bellissime, Elisa Amoruso indaga il complesso rapporto che si ha con la propria immagine

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Nonostante le vere protagoniste di Bellissime, il nuovo documentario di Elisa Amoruso, siano tre giovani sorelle che vogliono farsi strada nel mondo della moda, è chiaro come in realtà il film sia innamorato della loro madre, donna dal corpo granitico che sembra contenere in sé tutte le contraddizioni che l’indagine filmica vuole mettere in evidenza (e che sono elemento costituivo imprescindibile del rapporto che si ha con la propria immagine e con la propria bellezza, fin da piccolissimi). Così Bellissime, in realtà filmato e completato prima che iniziasse la lavorazione del documentario su Chiara Ferragni, sembra raccontare la stessa storia di Unposted, come se questi due film fossero in realtà episodi di una stessa serie televisiva. Addirittura la Amoruso sceglie gli stessi strumenti (i filmini di famiglia, ad esempio, qui utilizzati in maniera molto più intelligente ed efficace) e pone le stesse domande per raggiungere però un risultato completamente diverso. Ed è proprio attraverso il personaggio di Mamma Cristina che questo documentario raggiunge un obiettivo che invece quello sulla Ferragni sfiorava a malapena. 

Se le immagini sono impietose e ci mostrano una donna che lotta contro la propria età per mantenere un corpo attraente, del tutto corrispondente a quel modello di bellezza che viene richiesto per poter competere nei concorsi, ciò che ci viene raccontato su quella sfida contro se stessi ha invece un valore di segno completamente opposto (quindi positivo). Cristina non rinuncia alla sua passione per la pole dance, non si sottrae a nessuno dei photoshoot che le vengono proposti. Tutte cose a cui ha dovuto rinunciare per colpa (lo apprendiamo dalle sue parole) degli obblighi coniugali prima e genitoriali poi. La donna passa tutto il tempo a spiegare allo spettatore in che modo è riuscita a liberarsi dalla gabbia dello sguardo maschile, domandolo e stuzzicandolo. E in che maniera ha utilizzato la proprio avvenenza per imporre la propria femminilità e non per ridurla a strumento nelle mani degli uomini che le chiedevano di esibirla. Eppure tutto questo, che viene esposto così fieramente dalla madre e con un po’ più di timidezza dalle sue figlie, che in alcuni casi sembrano vittime delle sue stesse aspirazioni, viene costantemente messo in discussione da ciò che vediamo su schermo.

Tutto ciò che a parole sembra così giusto e liberatorio (e sicuramente in parte lo è davvero), si deve confrontare con ciò che poi effettivamente vediamo, che non sempre riesce a risultare così attraente come invece il racconto delle intervistate suggerirebbe. Elisa Amoruso non vuole affermare una propria certezza, bensì utilizza il mezzo a propria disposizione per mettere in scena una complessità che emerge proprio tra le contraddizioni delle protagoniste.

In una scelta di montaggio molto intelligente, il film alterna le immagini di un casting andato male, in cui una delle ragazze viene rimproverata di fingere le proprie emozioni e di piangere sotto sforzo, a quelle dell’intervista organizzata per il film a sua madre, che si commuove davanti alla telecamera ricordando la sua infanzia e i suoi genitori. Pare una cosa banale e invece in un semplice stacco di montaggio si nasconde la domanda che Bellissime pone ai suoi spettatori. Quanto di quello che ci viene raccontato corrisponde alla realtà e quanto invece fa parte di una narrazione che le intervistate si sono costruite per loro? E fin dove la “verità” imposta dalle immagini è più credibile rispetto a quella raccontata da Mamma Cristina?

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Cinema

RomaFF14: Judy, una toccante Renée Zellweger è Judy Garland nel biopic di Rupert Goold

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judy recensione

A soli tredici anni Frances Ethel Gumm, poi in arte Judy Garland, viene messa sotto contratto dalla MGM e lanciata verso quella che dovrebbe essere una brillante carriera costellata di successi. E i successi arriveranno, in primis quel Mago di Oz che la condurrà attraverso il sentiero dorato e poi sotto i riflettori del successo, ma arriveranno di pari passo anche i tanti fallimenti e momenti bui, a connotare un’esistenza che finirà di brillare precocemente a soli 47 anni.

judy film

Rupert Goold, regista inglese specializzato in teatro, adatta per il grande schermo il dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, e cuce addosso a un’ottima Renée Zellweger i panni “striminziti” di una stella del cinema hollywoodiano “nata in un baule, nelle quinte di un teatrino di provincia”, e schiacciata dalle regole e dai paradossi del suo stesso successo. Raccontando l’ultima tournee della diva nel night club londinese Talk of the Town, Goold tratteggia la stella, il talento, la voce luminosa, ma anche tutte le ansie, le dipendenze, le depressioni sperimentate a ciclo continuo dall’attrice statunitense. Nel mondo patinato dello spettacolo e sotto le luci di proscenio, Judy racconta i risvolti tragici della storia di una bambina cresciuta troppo in fretta, svezzata a regole ferree e pillole (per spezzare la fame, dormire, tranquillizzarsi – dipendenze poi mai del tutto abbandonate) divenuta una giovane diva osannata ma letteralmente sbranata dai propri demoni interiori e dalla sofferenza. Una sofferenza a cui nemmeno l’amore viscerale per i figli o per l’ultimo marito Micky Deans riuscirà a strapparla. 

Curiosità: Tutti i volti di Londra al cinema

Renée Zellweger si cala a pieno regime, con trasporto e partecipazione espressiva ed emotiva nella bravura così come nei tic e nel male di vivere della celebre interprete di Dorothy, e ne porta alla luce tutti i tratti salienti di quella profonda insicurezza e senso di smarrimento che ne sanciranno poi l’uscita di scena e la precoce scomparsa. Sempre più dipendente da alcol e pillole, meno affidabile e assicurabile, e dunque spendibile per il mercato del crudele e impietoso showbiz, la minuta Judy pagherà a proprie spese il conto di quel mondo luccicante che non ammette fragilità, tentennamenti, diversità, e che è pronto a darti il benservito tra uno spettacolo e l’altro.

Renee Zellweger Judy

Renee Zellweger in Judy

Goold dal canto suo dirige con sensibilità e trasporto, sfruttando l’alternanza di tempi storici che tra ’39 e ’69 sanciscono inizio e fine di questa vita drammatica, il dettaglio (la vita privata) e la panoramica (la vita pubblica) di un’eroina bella e fragile, avvolta dalle spire del successo e rimasta molto probabilmente impigliata in quella ricerca del sogno e di quel luogo magico, oltre l’arcobaleno, dove i sogni riescono in qualche modo anche a diventare realtà (senza che la realtà torni poi a spezzarli) “Somewhere over the rainbow Way up high And the dreams that you dream of Once in a lullaby”. 

Lo sapevi che: Il Mago di Oz diventa un film horror

Nell’adattamento per il grande schermo del dramma teatrale End of the Rainbow di Peter Quilter, Rupert Goold dirige un’ottima Renée Zellweger in Judy, che racconta l’ultima tournee di Judy Garland attraverso luci e ombre di un talento precocemente spezzato dalla malia controversa del successo. Un biopic onesto che ripercorre il sentiero di un’esistenza tragica senza insistere nel pietismo o nel sentimentalismo, ma cercando piuttosto di disegnare il complesso ritratto di bambina, e poi donna, nascosti dietro al volto inquieto della diva.

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RomaFF14: Honey Boy, l’infanzia traumatica di Shia LaBeouf

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honey boy recensione

Otis (interpretato dai bravi Noah Jupe nella versione bambina e Lucas Hedges in quella adulta) è un dodicenne prodigio, un talento indiscusso sui set, ma anche un Honey Boy (dolce bambino) come lo chiama il padre alcolista e tossicodipendente (interpretato da Shia LaBeouf) che gli fa da accompagno e “manager”. Padre e figlio vivono in un comprensorio popolare circondati da prostitute e gente che, proprio come loro, vive alla giornata e si ritrova sempre nello stesso cortile.

honey boy

Honey Boy

Divenuto adulto e alle prese con un’avviata carriera da stuntman ma una vita sempre più scombinata, Otis ripercorrerà mentalmente l’infanzia turbata e disturbante vissuta accanto a quel padre problematico e incapace di fare il genitore, e proiettata tutta nel sogno di sfondare mettendo a frutto il suo talento per riscattare quella vita ai margini e anche in qualche modo l’esistenza di quel padre sgregolato e “bambinesco” ma in fondo buono. Cresciuto troppo in fretta e costretto nel paradosso a fare da genitore al proprio padre (sostenendolo anche economicamente con il suo lavoro sul set) Otis è bambino di grande sensibilità e talento che incanalerà nella sua vita adulta tutte le intemperie e le fratture di quell’infanzia, caratterizzata dalla mancanza di punti di riferimento adulti e affidabili, e dalla mancanza di una famiglia unita e di amorevole supporto. 

Storia di formazione autobiografica scritta dallo stesso attore Shia LaBeouf durante un periodo di in clinica per disintossicarsi dall’alcol, Honey Boy è una dura storia di precoci talenti e infanzie spezzate che trova in Shia LaBeouf (estremamente in parte nei panni del padre) e nel piccolo Otis (sguardo a un tempo dolce e sveglio)  il giusto confronto emotivo per parlare in maniera toccante ma non retorica, coinvolgente ma non ricattatoria di famiglie disfunzionali e rapporti padre-figlio burrascosi. Una tematica già ampiamente affrontata nel cinema (più o meno indipendente) ma che nell’occhio dell’esordiente regista israelo-americana Alma Har’el (già autrice di video musicali e documentari) lo sguardo giusto e il giusto equilibrio tra partecipazione e oggettività per indagare il cuore di quelle mancanze che creano dipendenze, e di quei circoli esistenziali viziosi che più si originano precocemente e più sono – in assoluto – difficili da spezzare.

honey boy lucas hedges

Lucas Hedges nel film Honey Boy

Alma Har’el realizza un’opera intima e a suo modo toccante che parla di metabolizzazione del dolore, di imparare a lasciar andare il rancore, e di quel “seme che deve distruggersi per diventare fiore”. Un film piccolo ma onesto che ha tutte gli elementi del film indipendente di qualità e che poggia gran parte del suo carattere emotivo sull’interpretazione funzionale di Shia LaBeouf e del piccolo Noah Jupe.

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