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Recensioni

Yes Day | Su Netflix un eccezionale film per famiglie con Jennifer Garner

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Yes Day

Avete mai ventilato l’idea di organizzare uno Yes Day nella vostra vita?

Yes Day | La trama della nuova pellicola con Jennifer Garner

Nella nuova pellicola diretta da Miguel Arteta e disponibile su Netflix dal 12 marzo, Jennifer Garner ed Edgar Ramirez interpretano Allison e Carlos Torres. I due, finito il tempo in cui potevano vivere alla giornata e godersi ogni tipo di svago, sono ora alle prese con tre figli piuttosto vivaci.

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Chiaro è che si trovano spesso costretti a dire NO, per evitare tragedie, ferimenti o quant’altro. Ma i ragazzi arrivano a percepire tuto ciò come una limitazione della loro libertà personale, e non lo tollerano più.

La responsabilità ricade però in gran parte sulla mamma, vista come una despota senza pietà. Ma sarà proprio lei a dare il via a una delle giornate più memorabili e divertenti di sempre.

Yes Day è tra i migliori film per famiglie in circolazione

Yes Day è evidentemente un prodotto per famiglie. Uno dei migliori in circolazione.

Dalla storia dei Torres si può prendere esempio, o semplicemente spunto, e rendersi conto nel frattempo delle difficoltà che caratterizzano i rapporti tra genitori e figli.

Ognuno ha i suoi tempi, ed è cosa risaputa quanto delicata sia l’adolescenza, piena com’è di stimoli, aspettative, necessità. Il personaggio di Jenna Ortega (Jane the Virgin) – che interpreta la maggiore dei tre, Katie – è quindi in qualche modo il catalizzatore delle vicende.

Julian Lernere e Jenna Ortega in una scena del film

Il suo legame con la mamma appare preferenziale, profondo e conflittuale. Il desiderio di libertà della ragazza si scontra inevitabilmente con l’atteggiamento protettivo dell’adulta. Eppure è un percorso naturale, comune, costellato di ostacoli, ma che deve essere affrontato, con cautela e intelligenza.

Eccezionali i contributi tra stile e scrittura

Le dinamiche familiari sono perciò al centro della pellicola, arricchita nella sua interezza da una serie di elementi e contributi stilistici a dir poco eccezionali.

Prima di tutto la tavolozza di colori a disposizione dei creatori immerge gli spettatori in un vero e proprio salto al Luna Park – simbolico e reale, narrativamente parlando. L’energia che ne viene fuori cattura, conquista, travolge. Sia i costumi che gli oggetti di scena rispecchiano questo spirito gioviale.

La famiglia Torres al completo

Similmente lavora la scrittura che ne costituisce lo scheletro portante, basata sull’omonimo romanzo per bambini, scritto da Amy Krouse Rosenthal e Tom Lichtenheld.

Reduce dall’esperienza con 2 gran figli di… (2017), lo sceneggiatore Justin Malen torna a parlare di fratelli, seppur in un differente contesto, e l’affiatamento tra i tre giovani protagonisti (oltre alla Ortega, ci sono Julian Lerner ed Everly Carganilla) lo aiuta a rendere la giusta familiarità.

Jennifer Garner sceglie bene i suoi progetti

Yes Day si eleva così rispetto alla media del genere, intrattenendo per i suoi 90 minuti nella maniera più genuina e brillante possibile.

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Merito anche dell’apporto della Garner, presente anche in veste di produttrice. L’artista originaria di Houston ha un occhio particolare nello scegliere i progetti, e questo ne è uno dei migliori esempi.

La sua Allison è una mamma infaticabile, severa ma comprensiva, capace di lasciarsi coinvolgere pur restando vigile. Ed è molto divertente osservarla mentre fa le stesse acrobazie della sua Elektra.

Cinema

The Last Duel | un film politico e programmatico con una eccezionale prova di Jodie Comer

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Fedele al suo titolo nella funzione e nella forma, The Last Duel è un film in costante contrasto con se stesso: il sontuoso dramma storico di Ridley Scott offre 152 minuti di tensione dialettica, un lunghissimo tira e molla tra l’epica sincera e la sua revisione ammiccante. Che ci sia un duello lo sappiamo dall’inizio. Lo sappiamo dal titolo, da tutta la promozione e dall’eco del primo film di Ridley Scott (I Duellanti) che risuona ovviamente in questo quarantaquattro anni dopo. Ed è proprio il duello tra Matt Damon e Adam Driver che apre il film, prima dei lunghissimi flashback che spiegheranno le ragioni per cui si è arrivati a quello showdown finale.

Lungo tutta la storia, lo spettatore sa benissimo che tanto alla fine si arriverà ad un duello, lo aspetta ma allo stesso tempo capisce che il vero interesse del film non è lì. Ridley Scott gioca con le attese dello spettatore, soprattutto quello maschile – che non vede l’ora di assistere alla resa dei conti finale tra due guerrieri (maschi) – per raccontargli nel frattempo una storia che riguarda la violenza subita da una donna e le conseguenze di quel trauma su di lei, accusando quella mentalità (solo medievale?) che considera la violenza sul corpo femminile un affronto alla vanità del maschio e lo stupro un crimine contro il legittimo patrimonio di un marito.

Attraverso scene brevi e ampie ellissi vediamo in cinque anni come si è sviluppata (e deteriorata) l’amicizia tra Jean de Carrouges (Matt Damon) e Jacques Le Gris (Adam Driver), i due sfidanti dell’ultimo duello legalmente autorizzato in Francia: prima commilitoni e poi nemici. Motivo di questa rivalità è soprattutto una donna, sposa (ovviamente non per libera scelta) del primo e oggetto del desiderio del secondo. Il film ripropone la stessa vicenda tre volte: prima attraverso lo sguardo di Jean de Carrouges, poi attraverso quello di Le Gris e infine attraverso quello di Marguerite (Jodie Comer).

Se nelle prime due versioni si ripropone uno schema “classico” (ormai vecchio) del cinema americano in costume, in cui due uomini sono al centro di tutto e la questione della violenza sessuale di uno sulla moglie dell’altro è un affare loro, che incide sul loro onore e che devono risolvere necessariamente tra uomini, nella terza versione capiamo la reale intenzione degli sceneggiatori (Matt Damon, Ben Affleck e Nicole Holofcener), cioè farci capire come quel modo di raccontare sia superato e ormai inaccettabile. La terza versione è infatti quella di lei (presentata come la sola attendibile fin dal nome del capitolo che la introduce), quella di una donna devastata dagli eventi narrati, che fino a quel punto sembravano riguardarla come fosse un oggetto.

Pur nella sua rigida e ostentata programmaticità, The Last Duel riesce a dimostrare la propria tesi (chiara fin dall’inizio, scontata e ovviamente inattaccabile) attraverso la prova attoriale di Jodie Comer, bravissima nell’utilizzare espressioni e movenze per suggerire una diversa presenza emotiva nelle tre sequenze che compongono il film (e per rappresentare visivamente la percezione sbagliata che del suo stato d’animo hanno i personaggi maschili). La più grande differenza tra le diverse narrazioni (maschili e femminile) emerge nel modo di recitare di lei: nella scena chiave dello stupro, proposta due volte, prima dal punto di vista dell’assalitore e successivamente dal punto di vista della vittima, è Jodie Comer, attraverso il movimento del proprio corpo, a trovare quell’incredibile dettaglio che il carnefice può strumentalmente usare per giustificare la violenza, appellandosi ad una esitante condiscendenza espressa attraverso un gioco di reciproci inseguimenti (che ovviamente non è davvero tale).

La regia di Ridley Scott, infine, riesce ad evitare che l’atteso duello finale diventi un modo per compiacere lo spettatore che aspettava solo lo spargimento di sangue, il compimento della vendetta, ma trasforma la battaglia in un ulteriore supplizio ai danni della donna, che osserva i due uomini combattere dall’alto di una palafitta di legno (un rogo preventivo) che la tiene sempre in campo, visibile agli occhi di chi guarda.

The Last Duel | un film politico e programmatico con una eccezionale prova di Jodie Comer
3.8 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora
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Cinema

Ancora più bello | La recensione dell’atteso sequel

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ancora più bello

Dal 16 settembre in sala (i ben 350 copie) grazie a Eagle Pictures, Ancora più bello di Claudio Norza è il sequel del sorprendente Sul più bello, presentato alla 14esima Festa del Cinema di Roma e divenuto in poco tempo un vero e prorpio fenomeno.

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Il motivo è presto detto. Il genere di appartenenza, il teen drama, è tra i più apprezzati e, nella nostra cinematografia, tra i più rari. Ne esistono di buoni esempi, ma tutti o quasi provenienti dal piccolo schermo. Ecco quindi che l’arrivo di un lungometraggio come Sul più bello apre una nuova strada da percorrere ed è visibilmente originale. L’aver poi dato il via a una trilogia lo rende ancor più unico e prezioso.

Ancora più bello | La trama

In questo secondo capitolo ritroviamo quindi Marta (Ludovica Francesconi), alle prese con la malattia genetica che la affligge dalla nascita e con un nuovo amore, il bel Gabriele (Giancarlo Commare). Sono passati 12 mesi da quando la storia con Arturo (Giuseppe Maggio) è finita, ma la ragazza non si è persa d’animo e anzi è andata avanti, con la sua passione per le liste e l’appoggio degli amici.

Giancarlo Commare e Ludovica Francesconi in una scena del film

Dal canto loro, Federica (Gaja Masciale) ha trovato un lavoro che sembra fatto apposta per lei, ma che nasconde qualche insidia, mentre Jacopo (Jozef Gjura) è alla disperata ricerca di un uomo che sappia regalargli emozioni oltre il semplice schermo del cellulare.

La routine dei tre ragazzi procede senza grosse novità, almeno sino a quando Gabriele non viene chiamato per un incarico a Parigi e Marta deve affrontare la relazione a distanza, in attesa che arrivino dei polmoni per il trapianto che potrebbe salvarle la vita.

Nuove tematiche ma il fulcro resta l’amore

Ancora più bello riprende le suggestioni del suo precedente, portando avanti le storie e le dinamiche tra i personaggi. I tre protagonisti ottengono ciascuno un suo spazio separato dagli altri, per cui è possibile andare più a fondo su alcune tematiche, anche di grande importanza, delicatezza e attualità.

Una di queste riguarda il mobbing e le molestie sul lavoro, affrontate sempre attraverso la chiave della commedia, ma non per questo meno efficaci. Al tempo stesso aleggia sulle vicende la malattia con la sua inesorabilità. Ma il fulcro di tutto è e resta l’amore, inteso nelle varie sfumature: a distanza, fisico, platonico, familiare. Con tutto ciò che si porta dietro, soprattutto in un’età come quella di Marta & Co. fatta di scoperte, di passione, di stravolgimenti.

Grandi emozioni e ottimi protagonisti

Le emozioni la fanno ovviamente da padrone in un prodotto simile, arricchito da questa estetica pop, vivace e accattivante, a cui fa eco la colonna sonora. Il tema musicale che riprende il titolo di Alfa e la nuova canzone portante, Ophelie, di Oscar Anton, accompagnano lo spettatore e lo portano dentro la narrazione, al fianco dei protagonisti.

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E se la Francesconi, la Mascjale e Gjura possono contare su una sintonia ormai ben assodata (e leggibile anche dalla sala), un ottimo lavoro fanno le new entry. Giuseppe Futia sa come sfruttare fascino e autoironia, Jenny De Nucci è straordinariamente simpatica. Commare riceve un testimone pesante, ma lo gestisce alla perfezione, forte di una bella personalità e di una grande sensibilità (già apprezzate in Maschile singolare).

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Cinema

Venezia 78 | America Latina è un film misterioso tra cronaca e allegoria

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Massimo Sisti, il protagonista del nuovo film dei fratelli D’Innocenzo, è un dentista stimato e professionale. Ha una bella famiglia (moglie e due figlie che ama profondamente), una villa molto grande e immersa nel silenzio. Un giorno, però, scende nel suo grande scantinato per recuperare una lampadina da sostituire e incontra l’assurdo. Un assurdo con cui dovrà fare i conti e che permette ad America Latina, in concorso a Venezia 78, di indagarne le origini.

Come già nel loro esordio (La terra dell’abbastanza) e nella loro successiva opera seconda che li ha consacrati (Favolacce), i fratelli Damiano e Fabio D’Innocenzo contraddicono costantemente con le immagini e con la messa in scena ciò che viene raccontato dalla sceneggiatura dei loro film e ciò che viene suggerito dagli atteggiamenti e dai modi di fare dei loro personaggi. I loro protagonisti sono sempre incapaci di rendersi conto dello squallore in cui vivono, sfoggiano un tipo di agiatezza che appare immediatamente fasulla e menzognera. Ancora una volta è la casa scelta per il film a raccontare tutto ciò che c’è da sapere della persona che la abita: una villa che da fuori sembra il cadavere di un’acquapark abbandonato, tutto bianco e celeste, ma arredata con colori caldissimi come la casa di Sussurri e Grida di Bergman.

America Latina è un film di espliciti dualismi: l’interno e l’esterno della casa che si abita, il sopra e il sotto, l’apparenza e i sentimenti che si provano, il proprio corpo e l’immagine riflessa dello stesso. Un’opera in dialogo e contrapposizione con quella precedente (se in Favolacce c’era una piscina che veniva accoltellata, in America Latina è la piscina ad avere la forma di una lama). I due cineasti romani lavorano tantissimo sul character design come si fa tradizionalmente per i film d’animazione. Lo testimonia ancora una volta il taglio di capelli impietoso sfoggiato da Elio Germano, qui completamente calvo, in grado da solo di comunicarci qualcosa sul personaggio ancora prima che questo possa aprire bocca. Un corpo in totale contrasto con quelli candidi e aggraziati di sua moglie e delle sue figlie, vestite come le ragazze di Peter Weir (Il giardino delle vergini suicide) e giocose come le collegiali di Sofia Coppola (L’Inganno). 

A differenza delle villette a schiera di Favolacce, in cui tutte le famiglie della zona si riunivano per barbecue, piccole feste e pranzi in giardino, qui la dislocazione è totale, le possibilità di convivialità ridotte all’osso: l’America Latina del titolo è un luogo immaginario, antinomia tra ciò vorrebbe essere e la palude che è davvero. Stavolta però il sofisticato equilibrio che i D’Innocenzo avevano raggiunto nei precedenti due film, in cui la cronaca nera esplodeva in una messa in scena sempre in bilico tra allucinazione e sogno, funziona meno. Il loro terzo lungometraggio diventa progressivamente allegoria, abbandona consapevolmente i risvolti di genere (rifiutando il thriller) e si fa metafora di un disagio psicologico e sociale, senza però avere sempre la forza di sostenere le proprie ambizioni con una narrazione adeguatamente robusta.

Venezia 78 | America Latina è un film misterioso tra cronaca e allegoria
3.3 Punteggio
Regia
Sceneggiatura
Cast
Colonna Sonora
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